Las mejores clasificaciones de escuelas de cine

1. Instituto de Cine Americano

Entre las escuelas cinematográficas más selectivas de los Estados Unidos, el Centro de Estudios Avanzados de Cine y Televisión de Los Ángeles ofrece un programa de conservatorio de dos años en el que los estudiantes se especializan en los campos de dirección, producción y escritura, llegando a menudo al instituto después de trabajar en la industria o Habiendo asistido a otras escuelas. Sus “compañeros” suelen ser más maduros (la edad media es de 27 años) y se benefician de oradores y profesores de los más altos niveles de la industria, apoyados por el peso completo de la AFI misma. Comparándolo con rivales entre ciudades UCLA y USC es un poco de manzanas y naranjas, dado su pequeño tamaño y énfasis en la especialización, pero el desfile brillante de AFI de ex alumnos, de David Lynch a Darren Aronofsky, sigue siendo inigualable cuando se trata de autor Cineastas Se garantiza a los estudiantes la libertad de hacer una película de tesis y se les da acceso a los miembros de SAG para sus lanzamientos y $ 13,500 en financiamiento. Si sabes a dónde vas, AFI puede llegar allí.

CUOTA $ 38,416 para el primer año; $ 37.112 por segundo año (más $ 8.033 por tesis)

DEGREES MFA, certificado de finalización

NOTABLE ALUMNI Terrence Malick (el árbol de la vida), David Lynch (terciopelo azul), Darren Aronofsky (cisne negro)

“Me encanta AFI y no estaría en ninguna parte sin él.” David Lynch

2. Universidad del Sur de California

La escuela de cine más rica del mundo (el alumno George Lucas contribuyó con 175 millones de dólares, y el alumno Robert Zemeckis también ha dado un paquete), USC probablemente tiene más graduados trabajando en la industria que cualquier otra escuela y tiene el mayor apoyo de la industria, Con más de 10.000 alumnos que rutinariamente donan millones para instalaciones de vanguardia, y el notable apoyo de Steven Spielberg, un estudiante no graduado. Su Peter Stark Producing Program, bajo el productor de Graduate Larry Turman, sigue siendo la sede principal para aspirantes a productores y ejecutivos. Los miembros de la institución se dividieron cuando se les pidió que escogieran entre AFI y USC para el puesto Nº 1, con AFI ganando en gran parte sobre la base de su cuerpo estudiantil de elección. Pero USC toma la vela cuando se trata de entrenamiento técnico. Dean Elizabeth M. Daley: “Una de las cosas más difíciles de entender es la cultura del cine, no vas a sacar eso de un libro, ven aquí y lo entenderás”. Ella tiene razón, gracias a las instalaciones sin rival, un énfasis en la historia del cine y la técnica y sus grandes vínculos con Hollywood – una ventaja para algunos, pero no para aquellos más interesados ​​en películas indie. Lo bueno: es una gran fábrica de sueños. La desventaja: Es una gran fábrica de sueños.

TUICIÓN $ 42,000 (más alojamiento y pensión)

DEGREES Estudios críticos, B.A., M.A., MFA y Ph.D. Programas en todo, desde cine y televisión hasta animación y artes digitales

NOTABLE ALUMNI George Lucas (Guerra de las galaxias), Ron Howard (Una mente hermosa), Jon Landau (Avatar)

“La USC se ejecuta de muchas maneras como un estudio Los desafíos que nos dieron tenían que ver con las realidades de la industria y el financiamiento, y creo que éstas eran lecciones importantes a aprender”. – Lee Unkrich, director de Toy Story 3

Echa un vistazo a un breve clip de Efrain, ganador de los premios PhotoCem de USC.

3. Academia de Cine de Beijing

Si una escuela de cine en cualquier parte del mundo ha dado forma a una nación entera, es la Academia de Cine de Beijing, la escuela más elite de China para la dirección de la película, la producción y la escritura. Cada año, acepta a unos 500 solicitantes – sobre todo de China – de 100.000. La escuela es una fuente de nuevos talentos para la producción cinematográfica y televisiva y está estrechamente vinculada con el cercano Beijing Film Studio. También es el lugar donde directores como Zhang Yimou y Chen Kaige -los que crearon posiblemente la más distinta nueva ola de cine desde los Estados Unidos a principios de los 70- se cortaron los dientes. (A los 27 años, Zhang tuvo que obtener un permiso especial para asistir después de la Revolución Cultural porque había superado la edad límite).

CUOTA Los honorarios del programa varían de $ 1,240 a $ 1,550 para estudiantes locales; Los estudiantes internacionales pagan $ 6,665 a $ 7,905 por año para programas de cine. Las becas parciales y completas están disponibles según la necesidad y el mérito y se otorgan de forma individual.

DEGREES B.A., M.A. y Ph.D. Programas en todo, desde el rendimiento y la dirección a la cinematografía y la animación. Todos los programas de grado se realizan en chino, aunque los estudiantes internacionales pueden tomar algunos cursos en Inglés o estudiar chino en la Academia de Cine.

NOTAS ALUMNI Zhang Yimou (Casa de las Dagas Voladoras), Chen Kaige (Adiós a Mi Concubina), Tian Zhuangzhuang (La Cometa Azul)

4. Escuela de Artes Tisch de la Universidad de Nueva York

Estudiar cine en Nueva York es sumergirse en el vientre de una bestia muy diferente a la de Hollywood, pero para artistas arrolladores como Martin Scorsese, Oliver Stone y el creador de Breaking Bad, Vince Gilligan, la NYU ha demostrado ser una ruta directa hacia la cima. ¿Dónde más puedes sentarte en una clase de 12 y escuchar al alumbre James Franco enseñarte cómo convertir un poema en una película? Los graduados también compiten por un premio de $ 200,000 para completar un largometraje de debut – un regalo que ninguna otra escuela ofrece. Además de su campus de Nueva York, Tisch de Artes de Asia, ubicada en Singapur, ofrece grados de MFA en animación y artes digitales, escritura dramática y producción de películas. Los programas de verano incluyen talleres profesionales y cursos de certificación sin acreditación.

TUICIÓN $ 45,674

DEGREES B.A., BFA, MFA, MPS, M.A. y Ph.D. Grados en el archivo de imágenes en movimiento y la preservación, así como estudios de rendimiento o estudios de cine

NOTABLE ALUMNI Todd Phillips (La Resaca), Joel Coen (No hay país para viejos), Charlie Kaufman (Ser John Malkovich)

“La aceptación de Tisch significó una cosa para mí: la esperanza, validó todos mis sueños e hizo que el concepto de convertirme en un cineasta fuera una posibilidad tangible.Los profesores como Tom Drysdale y Haig Manoogian me inspiraron, infundiéndome una pasión de toda la vida por la historia del cine Llevo consigo su filosofía artística en cada película: Nunca comprometes, nunca dejes de hacer preguntas y nunca dejas de ser un estudiante de cine “. – Chris Columbus, escritor-director, Harry Potter y la Cámara de los Secretos

5. Universidad de California Los Ángeles

La Escuela de Teatro, Cine y Televisión de UCLA ha sufrido durante mucho tiempo en comparación con su rival más rica y más conectada a la industria USC, pero su ambiente es distintamente diferente, con un campus multicultural que se encuentra entre los mejores de California. Se ha beneficiado de graduados tan prestigiosos como Francis Ford Coppola y Alexander Payne; De maestros como el productor Peter Guber; Y de su conexión con el respetado Archivo de Cine y Televisión de UCLA, cuya colección es “la segunda sólo a la Biblioteca del Congreso”, según Dean Teri Schwartz. Después de servir durante años en Loyola Marymount, el ex productor (y el único socio productor de Goldie Hawn) se unió a la universidad en 2009, reemplazando al veterano Robert Rosen. Ahora los iniciados están esperando para ver cómo las cosas cambiarán bajo su liderazgo. Busquen que haga hincapié en “la narración humanística y la diversidad global” – muy diferente del énfasis comercial de muchas otras escuelas de cine.

TUICIÓN B.A .: $ 12,842 (residente de California), $ 35,720 (no residente); MFA: $ 22,208 (residente de California), $ 34,453 (no residente); M.A. o Ph.D .: $ 13,549 (residente de California), $ 28,651 (no residente)

DEGREES B.A., M.A., MFA y Ph.D.

NOTABLE ALUMNI Francis Ford Coppola (El Padrino), Tim Robbins (Hombre muerto caminando), Alexander Payne (Sideways)

“La clave es tener un punto de vista – que es mucho el enfoque de la UCLA.Usted podría decir que los cineastas de UCLA tratan de llevar una actitud indie incluso a las imágenes de estudio. Siempre tratamos de encontrar algún tipo de subjetividad”. – Justin Lin, director, Fast Five

6. Instituto de California de las Artes

CalArts está mucho más allá de lo que el fundador Walt Disney podría imaginar. “Es una paradoja, una escuela de arte experimental”, dice la Escuela CalArts de cine / video decano Steve Anker. “Normalmente tienes música, teatro, conservatorios de danza y escuelas de arte, pero no las tienes bajo el mismo techo”. La escuela de cine / video de Anker es más famosa por la formación de talentos de animación, pero además de la animación basada en personajes y experimental, se puede estudiar dramática narrativa, documental, experimental de acción en vivo, multimedia e instalación. Los genios de CalArts-generados como John Lasseter y Tim Burton pueden hacer más que dibujar – pueden aprovechar los talentos artísticos que los rodean. Anker dice: “CalArts en general, y ciertamente la escuela de cine y video, es este gran laboratorio para las artes creativas”. “Grande” tiene razón: Las aulas ocupan 11 acres ‘de metros cuadrados a 30 millas al norte de Los Ángeles.

TUICIÓN $ 37,684

DEGREES BFA, MFA en cine, video y animación experimental; MFA en dirección cinematográfica; BFA en la animación de personajes

ALBERTO NOTABLE Tim Burton (Alicia en el País de las Maravillas), Andrew Stanton (Buscando a Nemo), John Lasseter (director creativo, Pixar)

“Tengo tantos recuerdos de CalArts Sentado en la oscuridad, encorvado sobre la vieja cámara de Oxberry, rodando mi película El gigante culo de papel maché de la instalación de alguien en la galería principal Jugando Lazer Tag en los pasillos vacíos de la sala En medio de la noche, pero lo que más recuerdo son todos los grandes amigos que hice, muchos de los cuales trabajo hoy. – Don Hall, co-director, Winnie the Pooh.

7. La Escuela de Cine y Televisión de la Academia de Artes Escénicas de Praga

Situado en la “ciudad de 1.000 torres y 29 McDonald’s”, como afirman los expatriados, FAMU es la quinta escuela de cine más antigua del mundo y una de las más prestigiosas. Creada en 1946, cuando Praga estuvo detrás de la Cortina de Hierro, ayudó a desarrollar cineastas iconoclasta como Milos Forman, Ivan Passer, Agnieszka Holland, Emir Kusturica y Jiri Menzel y sirvió de centro para estudiantes rebeldes durante la Revolución de Terciopelo de Checoslovaquia. Con sus clases en checo e inglés, su reputación sigue siendo lo suficientemente fuerte como para atraer a muchos extranjeros a sus nueve departamentos (que van desde la fotografía fija a los documentales a la escritura de guiones), algo ayudado por las alianzas con Tisch School of the Arts de la NYU, American University y Yale, Todos los cuales ofrecen programas de estudio en el extranjero.

TUICIÓN $ 45,674

GRADOS MFA en cine y medios digitales

NOTAS ALUMNI Milos Forman (Amadeus), Emir Kusturica (Gato Negro, Gato Blanco), Agnieszka Holland (La Matanza)

“Creo profundamente que en cualquier escuela de cine, usted puede aprender tanto, o más, de los compañeros de los estudiantes como de los profesores.” Pero en FAMU a finales de 1960 y principios de los 70, cuando estaba estudiando, algunos de los profesores Fueron grandiosos Mi instructor principal Karel Kachyna fue de hecho uno de los directores más hábiles de su generación Jan Matejovsky en el departamento de dirección de televisión nos enseñó a ser diplomático con los actores, la tripulación y los productores Todavía uso su consejo muy útil “. – Agnieszka Holanda

8. Escuela de Artes de la Universidad de Columbia

Sabes cuando James Schamus es uno de tus profesores, las cosas no pueden ser tan malas. Schamus, el jefe de Focus Features (que recientemente terminó un doctorado en Carl Theodor Dreyer), es sólo una de las plumas en la tapa de la universidad de la Ivy League. Otro es el ganador del Oscar Milos Forman, el líder de la escuela durante mucho tiempo. Luego hay un personal que incluye Barbara De Fina (Goodfellas) y Mira Nair (Monsoon Wedding). Nombres como éstos le dan a Columbia las credenciales intelectuales que empequeñecen a sus compañeros y han ayudado a atraer a ex alumnos como Kathryn Bigelow, Lisa Cholodenko, James Mangold y Kimberly Peirce, no necesariamente los cineastas más comerciales de Hollywood, pero siempre entre sus más originales. ¿Seguirá así bajo su nueva silla, el fundador de Fine Line Features y el ejecutivo indio Ira Deutchman? Deutchman insiste en la historia y la colaboración – dos ideales de Hollywood – pero subraya la importancia del artista. “Hay que mantener un ojo en el negocio, pero en primer lugar se trata de crear artistas”, dice.

MATRICULA MFA primer y segundo año: $ 50.873 por año; M.A .: $ 44,264

GRADOS MFA en película; M.A. en estudios cinematográficos

NOTABLE ALUMNI Kathryn Bigelow, Lisa Cholodenko (Los chicos están bien), Nicole Holofcener (Caminar y hablar)

“Mis años en el programa de cine me enseñaron el arte de escribir guiones, así como el negocio de hacer películas.En muchos sentidos, Columbia fue la combinación perfecta de artes: conservatorio y escuela de comercio, un lugar donde podía leer Aristóteles y Eisenstein La teoría narrativa y analizar los presupuestos y la taquilla como una ciencia.Las lecciones aprendidas en Columbia – cómo analizar y sintetizar las perspectivas, cómo tratar a su trabajo como un documento en constante evolución – me sirven todos los días. – Simon Kinberg, guionista, X-Men: The Last Stand

9. Universidad de Wesleyan

OK, así que todo el mundo sabe sobre la infiltración de Hollywood de lugares como USC y UCLA. Pero podrían sorprenderse al saber que el programa de Estudios de Cine de Wesleyan está dando a esos dos una carrera por su dinero, con un grupo muy unido de ex alumnos que incluye a Michael Bay, Akiva Goldsman, Joss Whedon, Larry Mark y Rick Nicita. Ellos y otros se sintieron atraídos a la universidad de Middletown, Connecticut, no sólo por el sentimiento acogedor o su tradición en las artes liberales, sino en gran medida por la reputación de la fundadora del departamento de cine Jeanine Basinger, que hace aprender cada una de sus 80 películas Para escribir, dirigir y editar una película a mano (sí, aprenden también digital), así como estudiar otros temas para enriquecer sus películas. Por supuesto, si quieren saber sobre películas, pueden recurrir al archivo de Wesleyan, que incluye los papeles de Frank Capra, Martin Scorsese, Federico Fellini y Clint Eastwood. “Si estás estudiando en el Waterfront, puedes ver el cuaderno de Elia Kazan”, dice Basinger. “Es una experiencia increíble.”

CUOTA $ 55,736 (incluye habitación y comida)

DEGREES B.A. En estudios cinematográficos

Miguel Ántila (La Buena Chica), Michael Bay (Transformers), Zak Penn (X-Men: El último soporte)

10. La Escuela Nacional de Cine y Televisión

Durante décadas, la entonces Escuela Nacional de Cine no era sólo el mejor lugar para estudiar cine en los Estados Unidos – era prácticamente la única. Eso ahora ha cambiado, pero el NFTS ha conservado la estatura que fue con él a pesar de una localización de Beaconsfield (lejos del cubo de cinematografía en Londres) y, hasta hace poco, instalaciones pobres de la suciedad. Ahora cuenta con un nuevo edificio; un puñado de nuevos programas; Un líder innovador en el productor independiente Nik Powell; Profesores como Stephen Frears; Y el acceso a la próspera industria cinematográfica y de televisión de Gran Bretaña a través de acuerdos de desarrollo con Channel 4, la BBC y Aardman. Eso ha proporcionado avenidas para tales graduados como el director de fotografía Roger Deakins y directores Lynne Ramsey, Nick Broomfield y David Yates.

CUOTA $ 14,300 para residentes; $ 32,000 para estudiantes extranjeros

DEGREES M.A. en cine y TV

NOTABLE ALUMNI David Yates (Harry Potter y las Reliquias de la Muerte, partes 1 y 2), Nick Park (Wallace y Gromit), Beeban Kidron (Bridget Jones: El borde de la razón)

“Yo no estaría haciendo películas en Hollywood sin ella, el NFTS era absolutamente vital”. – Michael Caton-Jones, director, Escándalo

11. La Femis

Fundada en 1986 por el ministro de Cultura Jack Lang, La Femis es la escuela de cine más prestigiosa de Francia. Tan prestigioso, de hecho, que sólo el tres por ciento de los estudiantes que toman el examen de ingreso son aceptados por la academia estatal cuyos graduados suelen ganar premios en festivales de cine en todo el mundo.

$ 517 para los ciudadanos franceses; $ 15,334 para extranjeros

GRADOS Licenciatura en guión, dirección, producción, diseño de sonido, edición y distribución de películas

NOTABLE ALUMNI Francois Ozon (Piscina), Noemie Lvovsky (Sentimientos), Celine Sciamma (Tomboy)

12. Escuela de Artes de la Universidad de Carolina del Norte

No vengas a Carolina a menos que te tomes en serio el cine. Académicamente rigurosa, la UNC School of the Arts es una inmersión en el cine en colaboración con los estudios de drama, música, danza, diseño y producción y una orquesta de 65 piezas. En el tercer año, estás a la sombra de los gustos del director David Gordon Green. “Nuestros graduados han hecho películas que reciben cientos de millones de dólares y en el otro lado del espectro ganó el Gran Premio de Cannes este año”, dice Dean Jordan Kerner. Próximamente: una nueva animación y construcción de juegos.

CUOTA $ 4,716 para residentes; $ 17.665 para no residentes

DEGREES BFA en animación, dirección artística, cinematografía, dirección, edición y sonido, producción y guión. MFA en composición de música de cine.

David Gordon Green (Piña Express), Danny McBride (Eastbound & Down), Jody Hill (Observar y reportar)

“Me siento como si la escuela de cine de UNCSA me proporcionara una educación cinematográfica excepcionalmente práctica.Usted definitivamente aprendió acerca de la teoría.Usted vio muchas películas, pero más que nada, hizo películas.Usted siempre lanzaba sus propias ideas o recibiendo retroalimentación. Siempre estaban en un set o en una suite de edición Siempre Siempre he encontrado que la industria es, en muchos aspectos, una versión más grande del mundo que conocí de la escuela “. – Travis Beacham, guionista, Clash of the Titans.

Sugerencia Rápida: Una manera sencilla de encontrar los mejores actores en audiciones

Consejos rápidos son artículos de tamaño de mordedura destinados a darle ideas simples y útiles que puede aplicar a su cine de inmediato.
Esta mañana estaba leyendo el libro hilarante e increíblemente útil de Dan Mirvish, The Cheerful Subversive’s Guide to Independent Filmmaking, y compartió un consejo que aprendió del legendario director de casting de Hollywood, Lynn Stalmaster.

Estoy parafraseando aquí, pero la idea básica es esta:

Cuando estás realizando audiciones, presta más atención a tus actores cuando no están entregando líneas. Preste atención a cómo reaccionan y se adaptan a la escena.

¿Por qué harías esto? En pocas palabras, es una manera rápida de medir la profundidad y la amplitud de lo que un actor puede ofrecer en pantalla. Algunos de los momentos emocionales más emocionantes de las películas vienen de simples tiros de reacción, por lo que encontrar actores que puedan reaccionar de una manera convincente es una receta para el éxito.

Cuando usted está audicionando actores, aquí hay algunas cosas que debe buscar:

¿Permanecen en el carácter cuando no están hablando?
¿Están reaccionando a los matices de la escena de una manera convincente, o simplemente esperan a que el lector termine sus líneas para que puedan volver a saltar?
¿Están sus expresiones faciales y su lenguaje corporal igualmente invertidos en el rendimiento?
¿Están adaptando su desempeño a lo que el lector está haciendo?
En última instancia, dar una lectura decente de la línea no es demasiado difícil, pero ser capaz de sumergirse en un personaje y permanecer en el carácter y utilizar su cuerpo como una herramienta emotiva durante una escena es increíblemente difícil.

Los actores que pueden hacer esto son los que quieres. Así que utilice este consejo rápido como un medio para encontrarlos la próxima vez que esté audicionando.

Para obtener más información sobre el casting, asegúrese de revisar este artículo detallado sobre diversas técnicas de fundición de bajo presupuesto y errores que debe evitar.

Cómo escribir una gran escritura

Todo el mundo lo dice siempre. La única manera segura de entrar en la industria es escribir un gran guión. “Todo lo que tienes que hacer es escribir un gran guión”, dicen. “Ohhhh”, usted responde: “¿Eso es todo? “Eso es todo lo que tenía que hacer todo este tiempo? Fue escribir un gran guión? Bueno, ¿por qué no lo dijiste? ¡Y aquí estaba trabajando en mi vigésimo guión realmente malo! “Las reacciones amargas aparte, es verdad. Escribe un gran guión y estás en.

Lo que no se ha aclarado es lo que significa “grande”. Bueno, tengo que pensar (sí, sucede). ¿Por qué no publico exactamente lo que es un “gran script” para que no haya más confusión? Ahora, cuando decimos: “Sólo escribe un gran guión”, la gente realmente tendrá algo que hacer referencia. Con él, pero cuanto más marinado, más me di cuenta de que si escribir un gran guión podría explicarse en un blog de 2500 palabras, probablemente seríamos millonarios.

Sin embargo, eso no significa que no puedo ofrecer una lista de 13 cosas que veo constantemente en grandes guiones. Puede que no sea una guía paso a paso, pero al menos es algo. Sí, pensé. Aquello podría funcionar.

Ahora, mientras esperaba proporcionar una lista completa de consejos para ayudarle a escribir un gran guión, la realidad es que probablemente he olvidado un par de cosas. Así que esto es lo que voy a hacer. En la sección de comentarios, quiero que incluyas lo que piensas que hace un gran guión. En el transcurso de hoy y mañana, actualizaré este post para incluir las mejores sugerencias de ustedes. Juntos, crearemos * la * lista de visitas perfecta cuando se trata de escribir un gran guión. ¿No es maravilloso? Equipo Scriptshadow!

Así que aquí están, sin orden particular …

1) UN CONCEPTO ORIGINAL Y EXCITANTE

Esta es la elección más importante que usted hará en la escritura de su script, ya que determinará si la gente realmente lo lee o no. Solía ​​oír a los agentes decir: “El 90% de los guiones fallan antes de que yo los haya abierto”. Y es cierto. Si no tienes un concepto convincente, nada más importa. Esto elude un poco el “gran” argumento porque nadie dice que no se puede escribir un “gran” guión acerca de un niño que va a casa para cuidar de su madre enferma. Pero la realidad es que nadie se emocionará al leer ese guión. Incluso el tipo de personas que desearían leer ese guión probablemente no lo harán porque saben que es una trampa financiera. Tomará 5 años de su vida y, al final, jugar en 10 teatros y hacer 14.286 dólares. Ahora, obviamente, una idea “emocionante” es objetiva. Pero es bastante fácil averiguar si tienes algo especial. Ponga su idea a sus 10 mejores amigos. Independientemente de lo que le digan, lea sus reacciones. ¿Sus ojos y voces le dicen que están en él? Si obtienes 10 sonrisas educadas acompañadas de un “Sí, me gusta”, es hora de pasar a la siguiente idea. Así que dame tus resacas. Dame tus Sextos Sentidos. Mierda, dame tus castores. Pero no me den tres personas en una habitación discutiendo cómo sus vidas chupan durante 2 horas. Y si lo haces, hazlo francés. –

2) UN PERSONA PRINCIPAL QUE QUIERE ALGO (AKA UN “OBJETIVO”)

Algunas personas lo llaman un “protagonista activo”. Lo llamo un personaje que quiere algo. Ripley y los infantes de marina quieren entrar y acabar con los alienígenas en “Aliens”. Liam Neeson quiere encontrar a su hija en “Taken”. La chica de “Paranormal Activity” quiere averiguar lo que está atormentando su casa. Cuanto más fuerte su personaje quiere lograr su objetivo, más convincente será. Ahora seré el primero en admitir que los personajes pasivos a veces funcionan. Neo es algo pasivo en The Matrix hasta el final. Y, por supuesto, Dustin Hoffman es el personaje pasivo más famoso de todos los tiempos en The Graduate. Pero estos personajes son difíciles de escribir y requieren un conjunto de habilidades que lleva años dominar. Al final, son demasiado peligrosos para jugar con ellos. Stick con un personaje que quiere algo.

3) UN CARÁCTER PRINCIPAL QUE QUEREMOS RAIZAR

Este es uno de los temas más discutidos en la escritura de guiones porque un personaje que “raíz para” se define generalmente como “simpático”, y hay un montón de guionistas por ahí que prefieren hornear sus cráneos en un horno de pizza que, Gasp, hacen a su protagonista “agradable.” Conseguí buenas noticias. Su héroe no tiene que ser “agradable” para que su script funcione. Pero usted tiene que darnos un carácter que queremos arraigar, alguien que estamos ansiosos de ver tener éxito. Él puede ser simpático, como el personaje de Steve Carrel en “40 Year Old Virgin”. Puede ser desafiante, como Paul Newman en “Cool Hand Luke.” Pero él tiene que tener algo de calidad en él que nos hace querer root para él. Si su personaje es mopey, whiney, y un imbécil, lo más probable es que no vamos a querer arraigar para ese tipo.

4) ¡CONSIGA SU HISTORIA RÁPIDAMENTE!

Oh hombre. Oh hombre oh hombre oh hombre. En lo que respecta a los errores de guión amateur, esto es fácilmente uno de los Top 3. Incluso después de explicar, en detalle, cuál es el error, los escritores continúan haciéndolo. Así que voy a tratar de dejar esto claro. ¿Estás listo? “Su historia se está moviendo mucho más lento que usted, el escritor, creo que es.” Por esa razón, la velocidad que la mierda! En otras palabras, esa secuencia de diez páginas que contiene 3 escenas separadas, cada uno señalando en su propia manera única que su héroe es irresponsable? Bueno, nos dimos cuenta después de la primera escena. Usted no necesita perder 7 páginas más contándonos de nuevo … y otra vez. Recuerde, los lectores usan las primeras 30 páginas para medir la capacidad de un escritor. Y la cosa principal que están juzgando es cómo rápidamente y eficientemente fijas tu historia. En The Hangover, creo que se despiertan de su noche loca en algún lugar alrededor de la página 20. No quieres que sea más tarde de la página 25 antes de que sepamos cuál es tu personaje después (vea # 2).

5) ESTANCIA DE MENORES DE 110 PÁGINAS

Este es un primo cercano al número 2 y un enorme punto de discordia entre los escritores también. Pero vamos a ir más allá de mi argumento habitual, que es que un script de 120 páginas va a inspirar la rabia de un lector cansado, y discutir los efectos reales de un guión de 110 páginas en su historia. Mantener su secuencia de comandos bajo 110 páginas le obliga a cortar toda la mierda. Esa escena divertida que te gusta que no tiene nada que ver con la historia? No lo necesitas. La quinta escena de persecución al final del segundo acto? No lo necesitas. Esas 2 escenas adicionales que acabo de mencionar que nos dicen exactamente la misma información que ya conocemos de tu personaje principal? No los necesitas. Sé que esto puede ser difícil de creer. Pero no todo lo que escribes es brillante, o incluso necesario para esa materia. Cortar tu script hasta 110 páginas te obliga a tomar decisiones difíciles sobre lo que realmente importa. Al hacer esos recortes, se elimina toda la grasa, y su guión se lee más como un “mejor” que un “todo”. En cuanto a algunos de los nombres famosos que les gusta empacar en las páginas adicionales, te diré qué. Para cada guión que vendes o películas que hagas, se te permiten 5 páginas adicionales para jugar, ya que tu éxito indica que ahora sabes qué hacer con esas páginas. Hasta entonces, manténgalo bajo 110. Y puntos de bonificación si lo mantienes bajo 100.

6) CONFLICTO

¿Todo el mundo en su script se llevan bien? ¿Es el mundo exterior amable con tus personajes? ¿Sus personajes saltar a través de su historia con nary una preocupación? Sí, entonces tu guión no tiene conflicto. Podría escribir un libro entero sobre el conflicto, pero aquí está una de las maneras más fáciles de crearlo. Tener un carácter quiere algo y otro carácter quiere algo más. Ponlos en una habitación juntos y, voila, tienes conflicto. Si tus personajes pasan a ser buenos amigos, o amantes, o casados, o encaprichados unos con otros, está bien, pero entonces es mejor que haya algún conflicto exterior pesando sobre ellos (¿Romeo y Julieta?). Déjeme darle el mejor ejemplo de la diferencia entre cómo el conflicto y ningún conflicto afecta a una película. ¿Recuerdas la matriz? ¿Cómo Trinity quería Neo pero no podía tenerlo todavía? ¿Recuerdas la tensión entre los dos? ¿Cómo queríamos que estuvieran juntos? ¿Cómo podríamos realmente sentir su deseo detrás de cada conversación? El conflicto allí era que los dos no podían estar juntos. Ahora mira Matrix Reloaded y The Matrix Revolutions. Trinity y Neo están juntos. Siempre están felices. ¡Y siempre son F’ING BORING COMO INFIERNO! El conflicto se ha ido y por lo tanto es nuestro interés. Si su historia no está llena de conflicto, usted no tiene una historia.

7) OBSTÁCULOS

Su guión debe tener un montón de obstáculos que su personaje principal encuentra en la búsqueda de su objetivo. Un gran problema que veo en un montón de malos scripts es que el camino del personaje principal es demasiado fácil. Cuantos más obstáculos arrojas a tu héroe, más interesante es un guión, porque es por eso que venimos al cine en primer lugar, para ver cómo heroicamente nuestro héroe supera los problemas que presenta. No puede ser heroico si no se topa con nada que pruebe su heroísmo. Ve a ver cualquiera de las películas de Bourne para ver cómo los obstáculos se tiran constantemente a un personaje. ¿Y un buen efecto secundario? ¡Cada obstáculo crea conflicto!

8) SORPRESA

Un gran guión le sorprende continuamente. Incluso si la historia parece familiar, las acciones de los personajes y las vueltas y vueltas son consistentemente diferentes de lo que esperábamos. Los guiones más aburridos que leo son aquellos en los que tengo un buen sentido de lo que va a pasar en las próximas 5 o 6 escenas. Recuerde, los lectores han leído everrryyyyything. Así que realmente tienes que ser proactivo y outthink ellos para mantenerlos en sus dedos del pie. Matrix es un gran ejemplo de un guión que te sorprende continuamente. La primera vez que vio esa película (o leer ese guión) rara vez tenías idea de dónde iba la historia.

9) UNA BOMBA DE TICKING TIME

El marcar las bombas de tiempo puede conseguir un rap malo porque tienen tal calidad artificial a ellos, pero oh cómo es importante son. ¿Qué hay de bueno en ellos? Añaden * inmediatez * a su historia. Si un personaje no tiene que lograr sus metas en este momento, si puede lograrlas la próxima semana o el próximo año, entonces el objetivo realmente no es tan importante, ¿verdad? Queremos ver a un personaje que tiene que lograr su meta ahora O bien pierde todo. A veces las bombas de tiempo son claras como el día (Resaca: Ellos necesitan encontrar a Doug al mediodía del sábado para conseguir que vuelva a tiempo para su boda), a veces son más matizados (Star Wars Luke necesita obtener los detalles de esa estación de batalla A la Alianza Rebelde antes de que encuentren y destruyan el planeta), pero están ahí. Si no tienes una bomba de tiempo en tu guión, es mejor que tengas una buena razón.

10) STAKES

Si su personaje logra su objetivo final, necesita ser una gran recompensa. Si su personaje no logra su objetivo final, debe tener enormes consecuencias. El mejor uso de las apuestas suele ser cuando la situación de un personaje es todo o nada. Rocky nunca va a tener otra oportunidad de luchar contra el campeón de peso pesado del mundo. Eso es todo. Esas apuestas son muy altas. Si Wikus no consigue que Christopher llegue a la nave nodriza en el Distrito 9, se convertirá en un puto alienígena. Esas apuestas son muy altas. Si todo lo que un personaje pierde al no lograr su objetivo es un par de días fuera de su vida, eso no es muy emocionante, ¿verdad? Y eso es porque las apuestas son demasiado bajas.

11) CORAZÓN

Necesitamos conectarnos emocionalmente con sus personajes en algún nivel para que podamos seguirlos durante 110 minutos (NO 120). La mejor manera de hacer esto es darle a su personaje una falla, introducir un viaje que pruebe ese defecto, y luego hacer que se transforme en una persona mejor a lo largo de ese viaje. Esto también se conoce como tener su carácter de “arco”. Cuando los personajes aprenden a ser mejores personas, se conecta con una audiencia porque les hace creer que también pueden cambiar sus defectos y convertirse en mejores personas. En Knocked Up, Seth Rogan es un fuck-up de grado A, la persona más irresponsable del planeta. Así que el viaje lo obliga a enfrentar esa cabeza, y aprender a ser responsable (por lo que puede ser un padre). Siempre quieres un poco de corazón en tu guión, ya sea un drama, una comedia o incluso horror.

12) UNA GRAN TERMINACIÓN

Recuerde, su final es lo que el lector deja. Es la última imagen que recuerdan cuando cierran el guión. Así que es mejor dejar una impresión duradera. Esta es la razón por las especificaciones como The Sixth Sense se venden por 2 millones de dólares. Si vuelves a ese guión, en realidad hay bastantes zonas lentas. Pero no los recuerdas porque el final se balanceó. Y no estoy diciendo que usted tiene que agregar un giro a cada escritura que usted escribe. Pero asegúrate de que el final nos satisface de alguna manera, porque si nos dejas con un final genérico plano, no vamos a enviar mensajes de texto a nuestros amigos diciendo: “¡Mierda! ¡Tienes que leer este guión ahora mismo! ”

13) EL FACTOR X

Este último consejo es el más asustadizo de todos porque es el que tiene el menor control. Se llama Factor X. Es la ventaja inexplicable que tienen los grandes guiones. Tal vez sea talento. Tal vez las variables de su historia se reunieron de la manera correcta. Tal vez aprovechar el inconsciente colectivo. Un gran guión por desgracia tiene algo inexplicable sobre él, y, por desgracia, algo de eso se reduce a la suerte. Usted podría clavar cada extremidad única que he enumerado arriba y todavía tener un script que falta algo. El único consejo que puedo darle para balancear el temido factor X en su favor es escribir algo que te apasiona. Incluso si usted está escribiendo Armageddon 2, crear un personaje que está pasando por las mismas pruebas y tribulaciones que están en la vida. A continuación, podrá conectar con el personaje y, a su vez, infundir su guión con pasión. Probablemente el mejor ejemplo de la influencia del factor X en un guión es American Beauty. Mucha gente no entendía por qué les gustaba American Beauty. Simplemente lo hicieron. Los Brigands of Rattleborge es otro ejemplo. Se filtra en ti por razones desconocidas. A veces paso horas pensando en el Factor X. Cómo cuantificarlo. Es el Santo Grial de la escritura de guiones. Descubrirlo y mantener la llave para escribir guiones grandes para el resto de su vida.

Los mejores directores de cine del mundo

1 – Paul Thomas Anderson
Aunque ha lanzado sólo cinco películas en una carrera de 16 años, Paul Thomas Anderson ha pasado de ser un joven prometedor a la realeza de Hollywood con apenas un bache en el camino. A medida que el alcance de su trabajo se ha apretado – desde los ensamblajes de Boogie Nights y Magnolia a través del duólogo íntimo de Punch-Drunk Love hasta el solipsismo consumista de There Will Be Blood – así que su dedicación a su oficio se ha intensificado, con su El desdén por los fotógrafos y la celebridad, lo que lo marcó como el cineasta más devoto de su generación (así como el propietario de una de las secciones más populares de la vida personal de Wikipedia). Su próxima película El Maestro, una mirada controvertida sobre el nacimiento de un culto no totalmente diferente a la Iglesia de Scientology, debe hacer que el título inarguable.

 

2 – Lynne Ramsay

Cuando se anunció por primera vez que Lynne Ramsay iba a dirigir una adaptación de We Need To Talk About Kevin, hubo enormes suspiros de alivio en todo: “Está en buenas manos”. Y así resultó ser. Kevin era un matrimonio celestial de la fuente material y las preocupaciones de su director Glaswegian (niños, muerte, culpa), aliado a su sorprendente, sentido visual hipnótico. Haciendo su debut como protagonista con el Ratcatcher de 1999 (aunque un puñado de cortos premiados lo precedió), ella sigue siendo una amante crítica desde entonces. Su próxima toma de Moby Dick debe ser tan poderosa como personal. Como dice Tilda Swinton, “Ella es la verdadera McCoy”.

 

3 – Nicolas Winding Refn

Como un zen archer paciente, este es un cineasta que no deja volar hasta que esté absolutamente listo. Refn ha hecho sólo nueve películas en 15 años, pero el producto final es tan singular como impresionante. Las películas de Refn parecen las de nadie más (aunque, ciertamente, Valhalla Rising de 2009 era bastante parecida a Malick). De su trilogía brutal Pusher a la extraña y maravillosa Bronson anti-biopic, estas películas son más como instalaciones de arte, brillando con violencia elegante y momentos casi alucinatorios. Drive del año pasado de repente hizo un montón de gente recordar su nombre, sin embargo. Sus próximos dos proyectos también protagonizarán Ryan Gosling: la película de boxeo tailandesa Only God Forgives, y un remake de la carrera de Logan de ciencia ficción de los años 70 basada en carrusel. Pronto estarán enfermos de la vista del uno al otro.

 

4 – Joss Whedon

Los antecedentes de Joss Whedon como escritor / director de televisión de culto – Buffy The Vampire Slayer, Ángel, el Firefly de corta duración – aseguraron un seguidor leal, lo que dio sus frutos con la consecución rabiosamente exitosa (pero sólo a una minoría vocal) de esta última serie En la serenidad, que marcó su debut de la dirección de la película en 2005. Desde entonces, Whedon ha sacado apagado el truco raro de convertir la popularidad del lugar en éxito de la superproducción, con las películas que apaciguan fanboys y fangirls igualmente mientras que mantiene tracción seria de la taquilla. Este año, Whedon consiguió un raro uno-dos al entregar no sólo uno de los éxitos más grandes del año – Marvel’s Avengers Assemble – sino uno de sus títulos de contraprogramación mejor revisados, la comedia de horror posmoderna The Cabin In The Woods, que Él escribió y produjo. Aunque Avengers 2 está escrito a lápiz en el 2015, su micro-presupuesto B & W adaptación Mucho Nada de Nada, rodado en su propia casa en ocho días y protagonizada por Whedon favoritos, se debe primero.

 

5 – Lars Von Trier

Con su amor juvenil por la provocación, es fácil olvidar que Lars von Trier es, ante todo, un cineasta, y realmente notable. Sólo en los últimos 10 años ha producido una pesadilla, un horror psicológico, una desastrosa película de desastre, una comedia de oficina danesa, un documental experimental sobre la naturaleza del esfuerzo creativo y las dos primeras partes de una trilogía sobre la culpabilidad estadounidense. Su próximo proyecto, The Nymphomaniac, se convertirá en la primera película en presentar tanto Shia LaBeouf como escenas gráficas de sexo no simulado. Ningún otro director puede cruzar la división de arte / Hollywood con tanta audacia.

 

6 – Jason Reitman
El nepotismo de Hollywood es una fuerza bien documentada para el mal, infligiendo a los horrores del mundo tan amplio como el “rapero” Chet Haze (hijo de Tom Hanks) y Jaden Smith (hijo de Will). Así que Jason Reitman, descendiente del director Ivan de los Cazafantasmas, tuvo su trabajo cortado cuando siguió a su padre en el negocio familiar con la sátira independiente Big Tobacco Thank You For Smoking. Sin embargo, en los siete años que pasó, obtuvo cuatro nominaciones a los Oscar y maduró exponencialmente con cada película. Sus esfuerzos culminaron en la devastadora tragedia juvenil de este año, Young Adult, que proporcionó a Charlize Theron un rol de Mavis Gary. Luego, dirige a Kate Winslet en el Día del Trabajo. Ivan “padre de Jason” Reitman, por el contrario, fue visto por última vez batiendo el vehículo Ashton Kutcher No Strings Attached.

 

7 – Steve McQueen

Haciendo el salto del artista de la galería al cineasta, Steve McQueen se esperaba para entregar ideas provocativas con imágenes para emparejar. Lo que pocos podían prever era su talento con los actores, dibujando una interpretación de carrera de Michael Fassbender en el drama de IRA Hunger y siguiéndolo con otro en la historia de la adicción al sexo, Shame. En la carne, McQueen es directo, imponente y odia la pretensión. Sus películas, a pesar de sus cuadros bellamente compuestos, siguen una plantilla similar. Sus dos primeros trataron de la fuerza de voluntad y la falta de ella, en ese orden, y su siguiente – 12 Years A Slave – lo reúne con Fassbender junto a Benedict Cumberbatch, Paul Giamatti y Brad Pitt. La presión estará encendida, pero no espere que McQueen evite los problemas en otra película de botón caliente.

 

8 – Leos Carax

Alex Oscar Dupont – su nombre de trabajo es un anagrama de los dos primeros – llegó a la prominencia a principios de los 80 con el íntimo, estilizado romance Boy Meets Girl, y de allí fue el camino de todos los auteurs, perdiendo tiempo y dinero en Proyectos de pasión de larga gestación. Sus dos películas en la década de 1990, Les Amants Du Pont-Neuf y Pola X, fueron respectivamente un éxito y una falta, pero su nueva película Holy Motors restauró su corona como contrapartida de cine de cine francés a la corriente principal Luc Besson. A menudo misterioso, a veces aburrido, Carax tiene un toque de showman, y aunque sus películas tratan de problemas de mirar el ombligo – artistas bloqueados son un motivo recurrente – es difícil pensar en otro cineasta cuyo trabajo cuenta con leprechauns comer pelo, blues de acordeón Solos y Kylie Minogue.

 

9 – Edgar Wright

Los dos hombres y un perro que miró la noche de la noche 90 Comedia ITV Asylum se han alertado de su talento desde el principio, pero para el resto de nosotros fue Spaced que nos presentó a Edgar Wright, así como colaboradores Simon Pegg y Nick Escarcha. El trío trajo con éxito su humor pesado de referencia a la gran pantalla con zom-com Shaun Of The Dead y el poli pastiche Hot Fuzz. Wright luego fue solo con Scott Pilgrim vs The World y 2013 promete estar ocupado cuando vuelva a reunir con Pegg y Frost para The World’s End, luego dirige la película de ciencia ficción Collider, antes de comenzar a trabajar en su característica más destacada para Fecha, Marvel’s Ant-Man.

 

10 – Andrea Arnold

Una ex presentadora de televisión infantil, Andrea Arnold, nacida en Kent, no sólo ha superado los obstáculos comerciales de a) ser mujer yb) hacer películas británicas no-género, lo ha hecho en sus propios términos, creando una marca de realismo social instantáneamente reconocible . Con su guadaña ganadora de un Oscar, Danny Dyer, con Red Road y Fish Tank llevó la técnica improvisatoria de Loach a nuevos niveles, e incluso con su falla de encendido, el año pasado, Wuthering Heights, demostró ser radical en la cara De material tradicional. Esperamos ansiosamente su próximo movimiento.

 

Las 25 mejores películas de terror de todos los tiempos

El subir con una lista de las mejores películas de terror 25 es una buena manera de eliminar a los veteranos de la película de terror de los gatos scaredy. Usted puede manchar ellos cada vez que ocurre un susto salto, o un cangrejo del chica del diablo-poseída recorre arriba, o un extranjero misiles del pecho de un pobre lechón.

Está bien, así que estábamos más asustado que no cuando se trabaja en esta lista. demandarnos! Usando la calidad general de la película, el impacto sobre el género, el potencial legado, miedo / factor de espeluznante y misteriosa cualidad conocida como la Selección del Editor, se conformó una lista de películas que garantizo que quiere dormir con las luces encendidas.

Algunas de las películas aquí son las típicas de terror más tradicional, otros son sólo retorcido y espeluznante en un “cicatrices permanentes para la vida” sorta manera (por ejemplo, El silencio de los corderos ). Pero todos ellos asustar a los diablos que viven fuera de usted. Así que disfruten, y disparar sus propias sugerencias y favoritos en los comentarios!

Cabaña en el bosque

La cabaña en el bosque es una toma muy inteligente y diversión en tropos de películas clásicas de terror en torno a un grupo de niños que van a una, lo has adivinado, cabaña en el bosque. Realizadores Joss Whedon y Drew Goddard – los dos escribieron la película junto con Whedon y Goddard producir dirigir – se le ocurrió una historia maravillosamente concebido que da una más grande que la vida y explicación fascinante para qué existen tantos clichés de películas de terror en el primer lugar . Cuando usted dice, “¿No te he visto que hace un millón de veces antes?”, La respuesta es, pues sí, por supuesto. Y Whedon y Goddard son muy conscientes de e inspirado por ese hecho.

Sin dar demasiado lejos, los realizadores añaden un nivel adicional de amenaza más allá de los tropos típicos del cine de terror. Es un examen metatextual del género en sí, que Whedon y Goddard son capaces de utilizar para comentar y reflexionar sobre las películas de terror, y cómo los gustos de Evil Dead, matanza de Texas, el viernes 13 y tantas otras películas – verdaderos clásicos y los malos clásicamente por igual – nos han dado una gran cantidad de aspectos familiares que esperamos e incluso encontrar consuelo en, como también nosotros podríamos rodar nuestros ojos en la previsibilidad.

El tono fuera de lo común y la sensibilidad de la película se establece desde el principio, y a medida que avanza, la cabaña en el bosque comienza a añadir más y más fascinantes elementos. El acto final de la película es especialmente audaz, profundizando en un nivel totalmente distinto de revela que son especialmente gustan al público y en negrita.

Escena de ver con las luces encendidas: ese final, donde nuestros héroes supervivientes se dan cuenta de que los horrores que pensaban que se enfrentaban eran apenas la punta del iceberg (con sangre).

Gritar

Tanto el director Wes Craven y escritor Kevin Williamson tienen un montón de éxitos en su carrera, pero sigue siendo un grito momento muy importante para los hombres. El guión de Williamson logró ser hábilmente tantas cosas – que era un / autoparodia astuta meta sobre el género de terror que no cruzar la línea en goofiness, al tiempo que desempeña como quién lo hizo con éxito y, lo más importante, una película de terror efectiva en sí mismo.

Por último, un grupo de personajes de la película de terror dejó claro que sí, que habían visto todas las mismas películas que tuvimos, y estaban al tanto de las reglas y los clichés que vienen con el género. Pero no había nadie más conocimiento que el asesino (o asesinos es que?), Que jugó con las víctimas pidiéndoles película de terror trivia que muchos de nosotros en la audiencia pudieran divertirse jugando junto con.

Sin embargo, cuando en realidad el asesino se mostró, era aterrador, con varias escenas de suspense muy bien ejecutadas por Craven, que demostró una vez más lo bueno que era con este tipo de material. Una película que se propuso hacer de forma simultánea reír al público, alegría y sí, gritar, grito merece mucho crédito para tirar de todos estos elementos tan bien.

Escena de ver con las luces encendidas: escena de apertura de Scream es increíblemente fuerte y aterrador, agarrando al instante la audiencia por la garganta. Ver a una chica de secundaria (Drew Barrymore) obtener una serie de llamadas telefónicas cada vez más ominosos, nosotros (y ella) empiezan a darse cuenta de lo vulnerable que es. Y fue entonces cuando el tipo de la máscara del fantasma de rostro aparece …

Dracula (1931)

Todas las franquicias de vampiro mega-populares de hoy en día tienen una deuda de gratitud con el Conde Drácula. Y por mucho que la novela original de Bram Stoker ayudó a popularizar la historia de vampiros, que era la adaptación de Universal 1931 que consolidó la imagen de Drácula en la mente de la mayoría de los espectadores.

Drácula se condensa y se combina muchos de los personajes principales de la novela, abriendo con la llegada de la pobre señor Renfield en Transilvania. Después de ser víctimas de la influencia de Drácula, la cabeza par a Londres para Drácula puede darse un festín de habitantes de la ciudad. Sólo el valiente doctor Seward, su aliado el profesor Van Helsing, y sus amigos pueden prevenir Drácula de la matanza de inocentes y hacer que la feria Mina su nueva novia.

Drácula no es la película más aterradora para los estándares modernos (aunque el corte española alternativo es superior en ese sentido). Lo que sí tiene mucho ambiente y una toma muy memorable en el villano principal. Esta adaptación se separaron de la fuente haciendo un Drácula, personaje carismático y guapo, y Bela Lugosi capturado la imaginación de millones con su actuación como Drácula. Para mejor o peor, que era un papel que le seguiría durante el resto de su vida. Y sigue siendo la representación definitiva de este villano clásico para muchos.

Escena de ver con las luces encendidas: paseo de la medianoche de Renfield está llena de tensión dramática y cuando cumpla conductor del carruaje más espeluznante del mundo y pasa las luces encendidas sobrenaturales en la niebla. En el momento en que finalmente llega al castillo y se introduce a su amo, él y el espectador es mucho peor para el desgaste.

The Babadook

El primer largometraje de Jennifer Kent es una película de terror elegante, psicológicamente densos en los que se nutre de diversas tradiciones sin sentir el derivado más mínimo. Es un clásico instantáneo.

Al igual que todos gran terror psicológico, que comienza con una tragedia. El esposo de Amelia murió mientras que su conducción al hospital para dar a luz a Sam, su único hijo. Desde ese día, Amelia ha planteado Sam solos y nunca celebró su cumpleaños. La película pasa el tiempo el establecimiento de esta situación interna compleja y la relación fracturada entre la madre y el niño. Aún siete años más tarde, es dolorosamente claro que Amelia no ha afligido con éxito y se trasladó con su vida. Pero lo que es más inquietante es su relación con Sam. Mientras ella lo lleva a la escuela, le lee cuentos antes de dormir, y le cocineros comidas nutritivas, que en secreto no lo puede soportar. Ella se aleja, cuando debería estar tirando de él cerca. Y es en esta casa con problemas que The Babadook gusanos su camino.

Lo que sigue no es una película de monstruos ni una película de terror; las cosas no con frecuencia saltan de las sombras. La amenaza es mucho menos tangible – es ambicioso, omnipresente, y en el análisis final, mucho más aterrador. Las cosas van de golpe en la cabeza. Esta es una película de terror elegante brillantemente hecho, la profundidad psicológica real. Es también una celebración de una escuela del horror que ha estado inactivo durante demasiado tiempo. The Babadook pertenece firmemente a un género que comprende el poder de la moderación y el terror de lo invisible. Hay tonos claros de Exorcismo y los Innocents, pero se encuentra con orgullo en su propio derecho. Esto es de terror psicológico moderno en su más rica, macabro, y en movimiento.

Escena de ver con las luces encendidas: Cuando The Babadook paga Amelia una visita de una noche, lo único que puede hacer es tirar las mantas sobre su cabeza mientras ella escucha los sonidos inhumanos que hace. Modo, llegará para las cubiertas demasiado en este momento.

El proyecto de la bruja de Blair

La película que dio a luz a toda la “película de terror como falso-documental” y que inspiró películas como Paranormal Activity, el proyecto de la bruja de Blair es un gran susto efectiva Fest en retrospectiva.

Algunas de sus opciones después de inspiración en el ámbito de “¿es o no es real” parece anticuado y obvio ahora, dado el hecho de que Internet aparentemente se dispone a revelar spoilers que rodean a este tipo de proyectos. (También, sabemos que es toda la ficción en este punto.) Pero la bruja de Blair salió en 1999, cuando Internet estaba en su infancia y podría ser utilizado como una herramienta para convencer con éxito al público que tal vez la historia de un equipo de documentalistas de tres personas ir de caza Snipe por lo que resulta ser mal en estado puro es de hecho real.

La culpa del don / maldición de la leva inestable en esta película, pero le dan crédito para entregar sustos de tal manera que cambió la forma en que nos gusta tener miedo … y que cambió la forma en Hollywood funciona en hacer las cosas que nos asustan . De hecho, una nueva toma en la bruja de Blair está saliendo en el otoño de 2016.

Escena de ver con las luces encendidas: Una noche en el bosque llenos de carpa de agitación y un montón de gritos conduce a una mañana donde uno de ellos descubre un bonito papel de regalo de la anatomía ya no unida a su persona.

disnea

Por supuesto que estamos incluyendo un giallo película en esta lista, si la pregunta estaba a la altura en cuanto a cuál de los maestros de terror italiana era más digno de representar a este género distintivo. Al final, tuvimos que darle a Dario Argento y su Suspiria – una sorpresa sobrenatural que es una experiencia en estilo, así como el terror.

La película trata sobre una bailarina estadounidense que viaja a Alemania para asistir a una academia de baile, sino que obtiene un tutú lleno de problemas cuando ella se da cuenta de que el lugar es el hogar de un aquelarre de brujas que se elabora cerveza encima de todo tipo de daño mortal.

La imagen puede parecer exagerado en algunos aspectos, pero Argento demuestra un maestro en la creación de un entorno y un mundo que es únicamente su propia cosa. Los horripilantes asesinatos, enrevesadas, el diseño de colores chillones, el sonido espantaron-(incluyendo una puntuación inquietante por Goblin) … Este es el material que las pesadillas están hechos.

Escena de ver con las luces encendidas: Ni siquiera se moleste apagar las luces, ya que la película va directo a la misma con un doble asesinato desde el principio que ve una señorita mirando por una ventana en la oscuridad, sólo para darse cuenta de repente que una par de ojos están mirando hacia atrás. Esto lleva a puñaladas, un colgante y, por último, el empalamiento por el vitral para ella y su amiga.

Deje que entre el correcto

¿Puede usted creer que hay una película en nuestra lista que consiguió su título de una canción de Morrissey? Esta más inusual de las historias de amor es una película sueca que llegó a lo grande a nivel internacional con su historia de un niño de 12 años de edad, y su centenaria vampiro … que se parece a una niña de 12 años de edad (pero sin duda ISN ‘t).

Sea o no relación de Oskar y Eli es una asociación entre iguales, o Oskar está condenado a convertirse en el próximo Hakan del vampiro (la vieja y nefasta humano que se encarga de Eli principio de la película) no está claro. Pero es una historia apasionante de principio a fin.

Aunque repleto de buenos momentos de terror sangrientas, película del director Tomas Alfredson funciona tan bien porque es sumamente interesado en sus dos personajes principales: Oskar, el niño que está intimidado en la escuela y se encuentra un protector en su nuevo, vecino nocturna; y Eli, un hermoso pequeño querubín que en realidad ni siquiera es una niña y ciertamente no es un querubín. Raro, ¿verdad? Pero tan bueno.

Escena de ver con las luces encendidas: Esto puede ser una elección controvertida (y uno spoilers), pero que tendríamos que ir con los momentos finales de la película, como Oskar y Eli cabeza para una nueva vida juntos como amigos y / o intereses de amor. O como maestro y el esclavo? Usted decide, pero es raro en ambos sentidos.

Un hombre lobo americano en Londres

Rara vez se hace daño a fusionar terror con un tinte de comedia, y John Landis Un hombre lobo americano en Londres es uno de los ejemplos más finos de esa combinación. Es también una de varias películas de hombres lobo icónicos que llegará a los cines en 1981. Del trío, hombre lobo americano sigue siendo el más popular y muy querido.

La película sigue a dos mochileros que viajan por el campo Inglés. Cuando sólo uno sobrevive el ataque de un lobo vicioso, se convence de que ha sido infectado por la maldición del hombre lobo. Y no sería mucho de una película de hombre lobo si resultó ser errónea.

Un hombre lobo americano en Londres se destacó en el momento gracias a su maquillaje y efectos especiales increíbles trabajo; nunca tuvo la transformación de hombre lobo parecía tan convincente. El humor no duele tanto, sobre todo con las secuencias de pesadilla brillantemente con demencia. Pero era hombre lobo americano en última instancia, una película de terror trágico, y uno sin duda merecedor de recuerdo hoy.

Escena de ver con las luces encendidas: escena icónica transformación de hombre lobo americano es una muestra de lo grotesco y doloroso puede ser la maldición del hombre lobo. Cuando David wolfs a cabo, lo que sigue es una transformación gráfica del hombre en hombre lobo. Esta pantalla todo-demasiado convincente de los efectos especiales y el trabajo de recuperación a partir de 1981 todavía mantiene hasta hoy.

Amanecer de los muertos (1978)

George Romero prácticamente creó el género de película de zombis en solitario en 1968 con la Noche de los muertos vivientes . Diez años más tarde se perfeccionó la fórmula con el amanecer de los muertos . Mucho más grande, más sangriento y más divertido que su predecesor, amanecer de los muertos sigue siendo obra definitiva de Romero.

Mientras que la noche contó con un pequeño elenco de sobrevivientes escondidos en una casa de campo a distancia, Dawn se abre con una visión de un área metropolitana importante caída en el caos durante el brote de zombis. No pasa mucho tiempo antes de que nuestros cuatro héroes se ven obligados a abandonar la ciudad y parapetarse en un centro comercial. Pero como resulta que, las hordas de muertos vivientes todavía conservan suficiente de sus viejas naturalezas a sentir la necesidad de comprar y consumir.

La verdadera brillantez de Dawn es la forma en que combina recta de zombi carnicería con una buena dosis de sátira y crítica social. Al final del día, son los americanos modernos realmente tan diferentes de los no-muertos arrastrando los pies? Ellos anhelan la carne caliente; ansiamos iPhones. Es un mensaje que fue un poco perdido en el agradable, pero inferiores nueva versión 2004.

Escena de ver con las luces encendidas: Las escenas de batalla abertura en amanecer de los muertosproporcionar una imagen elocuente de hasta qué punto la sociedad se ha desmoronado desde el estallido zombi. equipos SWAT irrumpen en un edificio de apartamentos en Filadelfia urbana, luchando confundido, residentes enojados y hambrientos zombis con el tiempo. Un miembro de SWAT incluso se suicida después de haber sido obligado a tiros a un zombi atacar.

una pesadilla en la calle Elm

En 1984 la película de terror se ha hecho para la muerte (el interior). Cuántos asesinos enmascarados se puede ver antes de la puesta en fatiga? Pero Wes Craven tenía un toque brillante en este tipo de películas. En primer lugar, creó un asesino, Freddy Krueger , que sin destacaba del resto de la manada. Su rostro fue quemado más allá del reconocimiento, pero Freddy no llevaba máscara y no se quedó en silencio.

De hecho, tenía un montón de burlas crueles de sus víctimas. Más importante aún, su dominio era el mundo de los sueños, donde podría acechar y aterrorizar sin ningún tipo de reglas para atarlo – Si te vas lejos de él, él podría fácilmente estar esperando para usted como usted se acercó. No había ningún lugar para esconderse de Freddy porque todos tenemos que dormir alguna, ¿verdad?

Con una más a la tierra y el grupo relacionables de caracteres pequeños que en la mayoría de las películas de terror, Pesadilla en Elm Street tuvo un gran impacto en su lanzamiento, gracias a su excelente presunción y villano increíble, y el talento de Craven en la construcción de la tensión y la entrega de las mercancías en sus escenas del crimen. Y con Freddy, Craven nos dio uno de los personajes de las películas más populares, duraderos y reconocibles de todos los tiempos.

Escena de ver con las luces encendidas: Cuando Freddy se apodera de Tina en su sueño, de repente nos damos cuenta de lo grande que está en juego es, como su cuerpo dormido se detuvo en el aire, y cuatro cortes fatales rasgar en ella. El hecho de que ella ha arrastrado a lo largo del techo, gritando, antes de morir, como su novio se ve con horror, sólo se suma a la conmoción de la escena.

El anillo

Cuando las películas de terror estadounidenses comenzaron a estancarse en la década de 1990, Hollywood comenzó a buscar al cine asiático para las nuevas formas de asustar a los pantalones frente a los espectadores. Anillo de 1998 emergió como uno de los mejores esfuerzos en la creciente línea de terror de Japón, por lo que era natural que DreamWorks eligió a rehacerlo como de 2002 The Ring.

El concepto para el anillo es simple y eficaz. Un espectador desprevenido relojes una cinta llena de imágenes espeluznantes y una chica espeluznante. Una semana más tarde, son encontrados muertos por causas siniestras pero misteriosos. Y cuando nuestra querida heroína se convierte en el último espectador, que tiene sólo días para salvar a sí misma y su familia de esta maldición mortal.

El anillo es una película maldita escalofriante, y es por eso que es tan eficaz. El director Gore Verbinski carga su adaptación con un montón de imágenes de inquietante, incluso mientras la tensión parece siempre justo en el punto de ebullición. Incluso los fans incondicionales del original estaban contentos de ver divergen El anillo del material de origen en algunos aspectos y sacar el máximo provecho de su presupuesto más grande. Hollywood no siempre ha encontrado el éxito en la imitación de gemas de terror de Japón, pero ciertamente golpear con el anillo de oro.

Escena de ver con las luces encendidas: Es tentador para listar el encuentro final entre los no-muertos Samara y Noé como el momento más espantoso en el anillo . Después de todo, a nadie le gusta ver a una chica fantasma que se arrastra de su aparato de televisión. Pero es una escena anterior en la película que nos dejó sin resolver más – viendo que cinta de vídeo frakkin!

La mosca (1986)

Muy clasificación R nueva versión de David Cronenberg, muy intenso y muy excelente de la mosca pone Jeff Goldblum en el papel de Seth Brundle, un científico que inventa telepods destinados a cambiar el mundo. En su lugar, lo convierten en un monstruo hombre-mosca cuando una mosca por accidente queda atrapada en una de las máquinas como Seth se teletransporta de una vaina a la otra.

El guión, actuaciones y tremendo trabajo puntaje de Howard Shore juntos para crear una ópera de terror, uno lleno de giros oscuros y efectos prácticos criatura asusta. Una vez que toda la sangre derramada y vómitos-en-comida-a-comer-se asienta, nos damos cuenta que acabamos de ver una tragedia sobre un científico que representó todo excepto la naturaleza encontrar una manera para recordar al hombre no jugar a ser Dios. (Tipo de accesorio que Goldblum aprendió esta lección aquí y de nuevo en Parque Jurásico, no?)

Escena de ver con las luces encendidas: Brundlefly la inspección de un gabinete de la medicina convertida en museo de piezas del hombre-mosca que su nuevo cuerpo del insecto no necesita más. (Dése una estrella de oro si puede detectar su basura en frasco-albañil o si no una mueca de dolor en el momento antes de esta escena, donde Seth se despega de sus uñas.)

Poltergeist (1982)

Después de Poltergeist, un LL de repente casas producidas en serie pintorescas todas partes se convirtió en trampas mortales encantadas, fantasmas violentos devastadas por los nativos americanos que no están demasiado contentos con su actual estado de “agitación”.

El director Tobe Hooper y productor Steven Spielberg (quien fue rumorea que tiene un aspecto mucho más “influencia como director” de lo que se atribuye a) crear una verdadera obra maestra que tuvo la historia de fantasmas de antiguos castillos y mansiones embrujadas y lo empujó, sin disculpa, en el feliz hogar pista suburbana.

Casi cada parte de esta película es tan lleno de victoria devastadora – a partir de la voz de ruido blanco ululante de Carol Ann a malditos árboles enojado que reventar a través de la ventana de agarrarte – que uno es casi capaz de perdonar a los menos-que- secuelas justificada. Esta casa puede ser ahora “limpia”, pero los pantalones que van a necesitar para cambiar pañales.

Escena de ver con las luces encendidas: Hombre. Sólo tiene que elegir nada. ¿Y el tipo que rasga su propia cara, aparte o la muñeca del payaso malicioso que ama estrangular o los zombies vengativos que sale de la piscina? Esta película le golpeó desde todas las direcciones y dejar que encogido en la esquina.

La cosa (1982)

Un extranjero con la capacidad de tomar la forma de cualquier tipo de vida que absorbe infiltra en una base de investigación en la Antártida, y pronto el equipo de 12 hombres es hasta las cejas en masacre, la sospecha y la paranoia. mejor película de John Carpenter ha plantado en sí a ambos lados de las líneas de la película de terror y de ciencia ficción.

La Cosa juega limpio dentro de ambos géneros, pero se inclina más hacia el horror. La película lleva tiempo configurando las reglas de la criatura viva entre nuestros héroes, mientras que es más importante el establecimiento de cada personaje – de Windows a MacReady a las barbas de MacReady – como la gente que realmente preocuparse. Tal atención al carácter y el ritmo se siente como un arte perdido, a veces en el clima actual del género.

Los efectos especiales prácticos soportan mejor de lo que parece (a excepción de la stop-motion Blairmonster), y Kurt Russell da una de sus mejores actuaciones como líder del equipo MacReady. Cualquier aficionado al cine que se precie debe tener esto en su biblioteca.

Escena de ver con las luces encendidas: Claro, sus ojos gritar como una niña cuando la cabeza de una víctima de sí mismo visillos de su cadáver quemado y la araña-va. Pero el bit más temible implica la Cosa asimilar perros y revelando una boca (que se describe mejor como una flor hecha de pétalos lengua) momentos antes de que el limo-garras su camino fuera de la vista.

Halloween (1978)

Psico puede ser visto como la película que dio a luz el género de terror y matanza de Texas fue un paso integral en su progreso, haciendo las cosas más visceral. Pero era de Halloween que realmente define este subgénero de horror, inspirando a un millón de secuelas, estafas, imitaciones y homenajes. Tomar unas vacaciones puede reconocer fácilmente, añadir en un asesino enmascarado imparable escalofriante silencio y una luchadora, heroína ingenioso y tiene Halloween … y por supuesto todas las películas que vinieron después de él.

Pero John Carpenter trajo una sensación de tensión y suspense algunos otros podrían coincidir en una película de terror, ya que veíamos Michael Myers tallo Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) desde lejos, antes de pasar a su inevitable matanza.

el propio Michael era un excelente villano, con una máscara en blanco, sin emociones que capturó perfectamente el alma negro de alguien que simplemente mató y mató, y aparentemente no pudo ser detenido, no importa lo que hizo para él. No es de extrañar Michael se convirtió en un icono de horror y que los aficionados se rebelaron cuando él no apareció en Halloween III. Después de todo, Michael Myers y Halloween – tanto la película como la fiesta real – están siempre entrelazados.

Escena de ver con las luces encendidas: Laurie Strode está tratando de esconderse de Michael Myers, y se agacha dentro de un armario. Ella se las arregla para atar la puerta cerrada, pero eso no va a dejar de Michael, que comienza a romper la puerta, haciendo que la luz brille en y para la máscara espeluznante de Michael entre en plena vista del comprensiblemente aterrorizados Laurie.

Noche de los muertos vivientes (1968)

En 1968, el director George Romero tuvo la idea aterradora de “zombificación”, que hasta ese momento había sido relegado a cuentos vudú espeluznante y extra-dimensional tradición Lovecraft-Ian, y creó un nuevo género terrorífico del horror: la película apocalipsis zombi. “Están viniendo conseguirle Barbara” se convirtió en el primer funcionario “Vuelvo” de horror, como pobre Judith O’Dea tiene que huir de un cementerio porque los muertos inexplicablemente han vuelto a la vida y comenzó a caminar en la Tierra busca de carne humana.

Hitchcock descubrió, con 1963 de los pájaros, que el terror de “no saber” las razones detrás de la epidemia mundial de barrido del mal puede ser la parte más horrible de toda la historia. El género “Zombocalypse” es tan duradera que todavía va fuerte hoy ( hola , Corta aficionados muertas …). Claro, algunas películas han hecho sus zombis corren rápido y trataron de explicar todo el asunto muerto-vivo con un virus, y eso es todo bien. Pero nada va a vencer a los conceptos básicos.

Con esta película, Romero fue capaz de aprovechar todo lo que tenemos miedo: la muerte, la profanación de la carne, el canibalismo, lavado de cerebro, la enfermedad y la desesperanza. También hay un mensaje social subyacente punzante sobre el racismo, los medios y la paranoia, donde espectadores tienen que aprender que podían ser tan peligroso y cruel como las hordas de muertos vivientes sin mente que se esconden de.

La matanza de Texas (1974)

Al igual que sus películas sombrío, sangriento y lleno de brutalidad? Espantosa indie 1974 película de Tobe Hooper tomó el nefasto gente de la montaña endogámica que todos se encogió ante en la liberación de 1972 y los convertimos en un clan selva virgen agresiva insana de caníbales. Tome una furgoneta llena de “jóvenes adultos” en su camino a, no sé, fumar hierba y pasar el rato en un cementerio, y dejar que ellos se quedan sin gas en la parte equivocada de Texas. A continuación, tirar de la piel adecuado- Leatherface y algunos ganchos de carne y usted se tiene una película que apenas encontró un distribuidor debido a sus niveles extremos de violencia gráfica.

Psycho podría haber sido la primera película “slasher” per se, pero la motosierra simultáneamente elevado y elevada de Thé género con sus niveles preocupantes de sadismo. También se podría decir que la película actúa como un precursor tanto a los “slasher” y géneros “tortura porno”.

Además, antes de Leatherface se convirtió en un travesti chillido en el lamentable matanza de Texas: La nueva generación, que se mantuvo de pie como un icono de terror horrible y crudo.

Escena de ver con las luces encendidas: Tal vez no sea el momento en que piensa inmediatamente, pero los dos minutos de duración escena en la que los pobres de Sally se ve obligado a “cenar” con la familia de Leatherface en la que está atado a una silla hecha de partes humanas y todos ellos sólo se ríen de ella gritando es bastante molesto!

La semilla del diablo

Obtener más mal corte de pelo de Mia Farrow y ver esta película. Usted se sorprenderá de lo mucho que esto creepshow inquietante a partir de 1968 se sale con la de, ya sabes, siendo en la mayoría película “convencional” de 1968. Roman Polanski fuera del barrio chino es uno de sus mejores momentos, contando la historia de quemado lento de un joven de Nueva pareja York que se mueven en un edificio de apartamentos … que pasa a ser el hogar de varios adoradores de Satanás que quieren utilizar la freza de Rosemary como un medio para el señor Diablo McBrimstone para volver a nuestro reino de los mortales.

Farrow es perfecto en el papel de Romero, mientras lentamente se revela más se descubre lo que trato de culto sombra están sucediendo a su alrededor. Todo el mundo parece estar conspirando en contra de la más inocente de las personas aquí, como el Diablo relojes de las alas y Rosemary se rompe.

“Más menos es” enfoque de Polanski a la entrega de escalofríos apoya aún más la regla que la narración más mantuvo fuera de la pantalla, más el público tiene que imaginar, y por lo tanto, el más aterrador.

Escena de ver con las luces encendidas: Cuando Romero se da cuenta de que realmente es su marido, y lo que él y sus “amigos” se han previsto para su bebé.

La novia de Frankenstein

Es cierto que hubo aquellos de nosotros en el personal IGN quien argumentó que este clásico de James Whale debería haber sido más alta en nuestra lista – quizás incluso el número uno. Pero el compromiso de ser lo que es, ballena, Colin Clive, Boris Karloff y el resto han tenido que conformarse con la ranura siete.

La película es el vértice del ciclo Universal de los clásicos monstruos imágenes en términos de calidad. En lugar de simplemente reproducir una variación barato en el primer Frankenstein (que es básicamente lo que muchas de las secuelas Universal se encenderían hacer), ballena optó por, ejem, a profundizar en la historia y los personajes del original (que también dirigió). Karloff, en su segundo turno como el monstruo, le concedió su creación más famosa del don de la palabra aquí, y de la amistad, e incluso amor. Además, del humor – La novia de Frankenstein es una comedia tanto como se trata de una película de terror.

Lleno de personajes secundarios maravillosos (oh, doctor Pretorius, cómo te echamos de menos) y, a menudo inquietante imaginería (Jesús H. Cristo, ¿Se acaba crucificando el monstruo?), La película es casi 80 años y todavía estamos hablando de ello – y me encanta. Parafraseando doctor Pretorius, “Es nuestra única debilidad”

Escena de ver con las luces encendidas: El final, cuando la novia se crea finalmente sólo para despreciar el monstruo, que es una cosa muy mala que hacer para cualquier persona que no valores volar por los aires en un laboratorio ladera de la montaña en explosión.

el resplandor

El resplandor podría ser más popular novela de terror de Stephen King. Adaptación de la película de Stanley Kubrick es casi ciertamente el más popular película de Stephen King. El proyecto fue un año inusualmente centrado comercialmente de Kubrick, pero los mismos elementos estilísticos que definen sus películas anteriores eran en pantalla completa, y la película sigue siendo un inquietante y perturbador de la crónica crisis psicológica de un hombre de familia.

Jack Nicholson interpreta Jack Torrance en esta adaptación. Torrance es un escritor luchador que acepta un trabajo como cuidador de invierno para el Hotel Overlook en las montañas de Colorado. El conocimiento de que el cuidador anterior había vuelto loco y mató a su familia no asustar a Jack de distancia. Pero cuando Jack y su hijo psíquicamente sintonía comienzan en comunión con los muchos espíritus que frecuenta el Overlook, las cosas toman rápidamente un giro para peor. Laberintos de cobertura mortales, ascensores llenos de sangre y la habitación 237 aterradora son sólo algunos de los horrores que le esperan a los espectadores.

Aparte de ser una película genuinamente aterrador, The Shining ha dejado su huella en la cultura pop moderna. ¿Quién no reconoce la imagen de Nicholson asomando la cabeza por una puerta y gritando “Aquí está Johnny!”? El resplandor también sirvió como forraje para uno de los mejores “Treehouse of Horror” segmentos en la historia de Los Simpson. La película es de visión obligada para cualquier aficionado de terror – no esperes a dormir fácilmente esa noche.

Escena de ver con las luces encendidas: “La sangre normalmente se baja en el tercer piso.” Podemos también sugieren la escena de la sala 237. Cuidado con las chicas calientes en las bañeras que son realmente pasan por alto los cadáveres!

El silencio de los corderos

El uso de un caníbal asesino en serie con un doctorado para ayudar a atrapar a otro asesino en serie es como huesos desnudos que se puede obtener con esta imagen Mejor ganador del Oscar. Pero la película es mucho más que eso. Es la película más aterradora jamás se ha hecho en torno a la psicología y la deducción, con ambos utilizados como herramientas para resolver el crimen y las armas de asesinato. Sí, la culpa de esta película todo lo que quieres para el mal de su amigo Hannibal Lecter suplantación que nunca parece mejorar, pero nos dio uno de los villanos icónicos de todos los tiempos de la pantalla y Anthony Hopkins el papel de su carrera.

Jodie Foster es también excepcional como el agente del FBI Clarice Starling , tras la pista de búfalo “pone la crema en la cesta” Bill. El director Jonathan Demme se hace sin esfuerzo e implacable con su tensión aquí, teniendo éxito donde Ridley Scott fracasó en su secuela de 2001, Hannibal, manteniendo Lecter más de un monstruo creíble y menos de una caricatura monstruosa.

Esta es la mejor película de 1991, según la Academia, y es digno de múltiples visionados. Sugerimos ver con algunas habas y un buen Chianti.

Escena de ver con las luces encendidas: primer encuentro de Lecter con Clarice – su loca y su virtud están separados solamente por el vidrio de seguridad.

Extraterrestre

Alienígenas películas son generalmente considerados como de ser plantadas en el campo de la ciencia ficción. Sin embargo, con el original, al menos, de Alien era tanto una película de terror como una ciencia ficción uno. Con un pequeño reparto siendo perseguido por una solitaria y aterradora criatura, extranjero fue un largo camino alejado de las guerras y Star Trek estrella de Hollywood.

Extranjero se establece varios siglos en el futuro cuando la humanidad se ha aventurado en las estrellas. La tripulación del buque minería Nostromo convertirse en anfitriones involuntarios a una forma de vida extraterrestre sanguinario, y uno por uno caen a un enemigo que se esconde en las sombras y los resortes de arriba. Sólo Ripley (Sigourney Weaver) es lo suficientemente inteligentes como para sobrevivir ataque del extranjero. Demasiado malo para ella era sólo la primera ronda.

Extranjero no se parece a muchas películas de ciencia ficción de la época. Artista HR Giger diseñó un mundo lleno de tubos retorcidos, pasillos fríos y oscuridad reinante. Antes de Alien, la cultura pop nunca nos advirtió cómo eran oscuros, sucios y de miedo las frías profundidades del espacio. El director Ridley Scott adoptó un “menos es más” enfoque que secuelas posteriores tristemente abandonados; directores modernos pueden meter todos los Aliens y Depredadores que quieren en sus películas, pero ninguno puede igualar el terror claustrofóbico generada en la película original.

Escena de ver con las luces encendidas: Cena con Kane y la tripulación del Nostromo, fresco después de Kane se despierta de su coma Facehugger, termina con Kane no estar de acuerdo con algo que comió su camino fuera de su pecho. No hay nada mejor que esto, los aficionados al cine.

Mandíbulas

La primera superproducción nunca y la película más aterradora (tal vez incluso el mejor?) De Spielberg jamás se ha hecho, Tiburón es a partes iguales película de monstruos y la pieza de carácter, centrada en una isla llamada Amity que está presa de algo que sale de los dientes del tamaño de los vidrios de tiro en los cascos de los barcos y vueltas con sus propietarios a restos decapitados. El difunto Roy Scheider da un rendimiento de carrera que define como Jefe Brody, el sheriff local con un miedo al agua que está a cargo de derribar a los peces asesinato.

Junto a él en la Orca para la caza son Richard Dreyfuss y Robert Hooper “Encuentra ‘im para tres, enganchar’ im y matar ‘im de 10” Shaw como Quint, la causa número uno de muerte para casi cualquier tipo de vida marina.

Pero tu ya sabes eso. Usted debe haber visto esta película por lo menos 10 veces por ahora, gracias al cable y VHS y DVD y Blu-ray y streaming. Probablemente he contemplado hacer el tema de John Williams su tono de timbre. Está hecho del tipo de la magia del cine que garantiza repiten visionados, que garantiza un montón de elogios el uso de palabras como “perfecta” y “clásico instantáneo”.

Y si no lo ha visto todavía, poner remedio a eso pronto. Para que pueda caminar entre la sociedad normal como una persona que no es malo.

Escena de ver con las luces encendidas: Es un empate! Cuando el tiburón vuelve Alex Kintner en un hueso de juguete humana y cuando Bad Hat Harry está delante de Brody, que llevaba un traje de baño y sacudiendo sus caídos moobs gimnasio al calcetín.

Psicópata

Psicosis es a la vez una de las mayores películas de suspense de todos los tiempos y uno de los más grandes entradas en hoja de vida legendaria de Alfred Hitchcock. Un verdadero maestro del suspense y la tensión, Hitchcock hace a mano una experiencia de terror memorable con un elenco limitado y un presupuesto aún más limitadas. Como tantas grandes películas de terror, sustos de Psycho superan con mucho su escala limitada.

Psico es la historia de una locura de edad Norman Bates y su madre cada vez más loco. Cuando una mujer joven en el funcionamiento de la ley llega a la remota motel Bates, ella es víctima de un asesino armado con un cuchillo. Varios más víctimas son reclamados antes de que el asesino es llevado a la justicia y el verdadero secreto de la familia Bates se revela.

El contenido de Psycho no es tan impactante como lo fue allá por 1960. Después de todo, las chicas se apuñalaron en la ducha todo el tiempo en el cine de terror moderno. Sin embargo, es un testimonio de la habilidad de Hitchcock como director que Psicosis sigue siendo una experiencia tensa y estresante. El asesinato del personaje de Janet Leigh y la clave musical acompaña es una de las escenas más icónicas de la historia de Hollywood.

Psicosis es un clásico del género que inspiró una nueva versión tiro-para-tiro en 1998. También ha tenido secuelas y un programa de televisión basado en el cuento tal. Instamos a cualquier amante de terror que no ha visto Psycho para moverlo a la parte superior de su lista de prioridades.

Escena de ver con las luces encendidas: ¿Qué escena podríamos elegir, pero el asesinato de ducha por excelencia? Junto con esa señal de música increíble, esta escena sigue siendo un clásico de terror de más de 50 años después.

El exorcista

“Tubular Bells” es la colocación de música más espantosa jamás se ha hecho. Lo escuchamos y somos el equivalente miedoso del perro de Pavlov – el anillo de campanas de Satanás, y que se tensan, gritar y conseguir todo incontinente. Mas de una vez. Y luego llorar a nosotros mismos a dormir con un ojo abierto.

La premisa de la película – una niña poseída por un demonio – es lo suficientemente difícil como palabras en el papel. Pero lo que el director William Friedkin hace con ella, aparte de demostrar que tiene un fuerte en serio (o terriblemente apagado) constitución de este tipo de cosas, es tratar el extraordinario de todo esto como si estuviera ocurriendo realmente al lado de nosotros.

Los sustos vienen de un lugar basado en la Fe, donde el cielo y el infierno son tan reales como sus creencias en ellos se preocupan de ser. La fe, por toda la documentación sobre el tema, es atado a lo intangible; no es algo que la ciencia puede definir o estrategias. El demonio que viene de la interpretación de El exorcista de esa idea es algo más potente que un Freddy o Jason. Algo que no se pueden realizar ni acuchillado o detonó.

Antes de que pueda ser atacado, y mucho menos vencido, tiene que ser primero creyó en – tan terrible y el alma en peligro ya que esto puede ser la cura joven y viejo sacerdote encargado de entregar el exorcismo climática. Padres Karras y Merrin pasan el tercer acto de la película luchando contra el diablo por el control del alma joven de Regan. Y al hacerlo, Karras, un hombre de fe vacilante en la mayor parte de la película, finalmente cree en el único bien verdadero que sabe sacrificándose para salvar a la niña.

Escuela de cine analizar esta película más si lo desea. En pocas palabras: Es la mejor película de terror acerca de las consecuencias de la creencia de que se han hecho. Es la razón por la que muchas películas de exorcismo inundan el mercado y nunca entregan totalmente.

Es la película número uno en nuestra lista de todos los tiempos.

Escena de ver con las luces encendidas: Todo. No no no, confiar en nosotros. Mira que a medio día, con las persianas abiertas y las luces encendidas. Y luego acostumbrarse al hecho de que es posible que nunca, nunca dormir de nuevo.

50 películas que ver antes de morir

1. El apartamento (1960) Billy Wilder

Ganador de cinco Oscar, tres BAFTA y tres Globos de Oro, de Billy Wilder sátira-con-el romance, protagonizada por Jack Lemmon y Shirley MacLaine, es un verdadero clásico. Nominalmente una comedia, El Apartamento recorre toda la gama de drama, melodrama, romance y tragedia potencial en una gran crítica social, sofisticado.

2. Citizen Kane (1941) Orson Welles

película más aclamada del mundo. Con esta cuenta de inventiva de la vida de un magnate de los medios, el joven Orson Welles lanzó un desafío a Hollywood del que ninguno se recuperó por completo. Con su espíritu de innovación visual y narrativa, y precoz, que se eleva el rendimiento central de Welles, Ciudadano Kane casi hace honor a su reputación como la mejor película de todos los tiempos.

3. En los talones (1959) Alfred Hitchcock

Alfred Hitchcock presenta una persecución 3.000 millas a través de América, protagonizada por Cary Grant en un traje cada vez más desaliñado. Algunos han argumentado que la muerte en los talones no es una de las grandes películas de su enganche, pero, en las categorías Graham Greene de ‘entretenimiento vs trabajo serio’, es un ejemplo arquetípico de la primera, como enganche combina las jugadas a balón parado con humor negro y algunas excavaciones en políticos interesados.

 4. Chinatown (1974) Roman Polanski

magistrales de cine noir estrellas de Roman Polanski Jack Nicholson como un detective privado que se ve envuelto en un escándalo oscuro y peligroso, un Faye Dunaway como una mujer fatal frágil. Nicholson es excelente como un hombre decente, básicamente, que trata de encontrar la verdad, pero no puede soportar las revelaciones que destapa – hasta final terriblemente infeliz de la película.

 5. Eva al desnudo (1950) Joseph L. Mankiewicz

Bette Davis se destaca como una diva del envejecimiento en el seis veces ganador del Oscar. La pieza burbujea con la energía y las líneas de flujo maliciosas, gran parte de la boca torcida maldad de Davis. Todo el elenco está en plena forma (Marilyn Monroe hace un, pequeña aparición fugaz antes de tiempo), aunque entre los actores única Sanders ganó un Oscar por su excelente su vez como el crítico de teatro dudosa reputación, Addison de Witt. Uno de los mejores dramas entre bastidores de Hollywood.

6. Casablanca (1942) Michael Curtiz

Humphrey Bogart e Ingrid Bergman hacen mejor pareja de la pantalla de la plata trágicamente desgarrado como Rick e Ilsa, separados por el destino y el ejército invasor alemán. Con su historia romántica, canciones inolvidables, superior elenco de apoyo, fantástica secuencia de comandos, la secuencia culminante en el aeropuerto y línea final perfecto, Casablanca se ha convertido con razón una de las películas más populares de todos los tiempos.

7. El mago de Oz (1939) Victor Fleming, George Cukor, Mervyn LeRoy, Norman Taurog y King Vidor

Dorothy ciertamente no está en Kansas, Toto, mientras canta y baila su camino a través de uno de los más mágicos fairylands jamás cometidos al celuloide. Un punto de referencia exuberante de entretenimiento y Technicolor cine infantil, El mago de Oz es inventiva, fantástico, colorido – y una historia sorprendentemente oscura y compleja sobre la economía y las miserias de la infancia.

 8. 2001: Una odisea del espacio (1968) Stanley Kubrick

Kubrick, genio más frío de cine, abandona la narrativa convencional y presenta una sucesión de dibujos bellamente compuestas sobre el tema de la evolución, la muerte y el renacimiento unidos por la presencia mística de un gran monolito negro. Sabemos lo que el año 2001 se ve como ahora, y no se parece mucho a la visión de Kubrick. Pero 2001: Una odisea en el espacio en sí todavía se ve impecable. Espectacular, pionero y filosófico, es una obra maestra indiscutible.

9. Narciso Negro (1947) Michael Powell y Emeric Pressburger

Narciso negro es una película para rivalizar mejor trabajo Powell y Pressburger de. Y puesto que dicho mejor trabajo incluye una cuestión de vida o muerte y la vida y muerte del Coronel Blimp y Las zapatillas rojas, esto es muy gran elogio. Deborah Kerr interpreta a una monja publicado en un convento del Himalaya, donde sus votos han sido probados por las atenciones lascivas de agente real local de David Farrar y la hermana Ruth peligrosamente desequilibrado (Kathleen Byron).

10. Apocalypse Now (1979) Francis Ford Coppola

viajes Martin Sheen por Vietnam y Camboya para terminar renegado coronel estadounidense volteado de salida Marlon Brando. Pero su misión se convierte en un viaje a gritar en la locura, increíblemente realizado por la dirección alucinógena de Coppola y un elenco arrastrado de Narcóticos Anónimos de Hollywood

11. Withnail & I (1987) Bruce Robinson

La mejor comedia británica jamás se ha hecho? Posiblemente. ¿Una obra maestra? Sin lugar a dudas. Dos actores en paro van de vacaciones por error en himno clásico de Bruce Robinson a derrochadores. Richard E. Grant está en forma de carrera de decisiones como el Hamlet que echa en chorro, más ligero de combustible-traqueteo Withnail, óptimamente yuxtapuesta de Paul McGann más reticentes ‘I’.

12. Alguien voló sobre el nido del cuco (1975) Milos Forman

Jack Nicholson destaca en este multi-ganador de un Oscar, cuento antiautoritario, el último de los grandes de la contracultura películas de Hollywood. La película sigue siendo tan fresco, impactante, deprimente y estimulante como cuando fue lanzado. 1970 cine estadounidense rara vez se puso mejor que esto.

13. Alien (1979) Ridley Scott

La película que nos dio la heroína de acción, en la forma de de Sigourney Weaver Ellen Ripley, y presentó los viajes espaciales como cualquier otro trabajo. excelentes actuaciones se suman a la dirección estilo de Scott y, si una película se puede juzgar por la cantidad de estafas que genera, extranjero debe figurar como una de las películas más influyentes de la historia. Una visita obligada tour-de-force de suspense, las payasadas de terror y una buena pasada de moda la ciencia ficción.

14. Pulp Fiction (1994) Quentin Tarantino

Tarantino empujado a su límite narración para crear esta película de historias interconectadas, protagonizada por Bruce Willis, Samuel L Jackson, John Travolta y Uma Thurman. Una obra decididamente cinematográfica, repleta de homenajes a Jean-Luc Godard y el cine negro, que cuenta con un nocaut, guión altamente citable y una banda sonora ecléctica fresco.

15. Regreso al futuro (1985) Robert Zemeckis

Alegre completamente entretenido hilo, viaje del tiempo 80s que está protagonizada por Michael J Fox como un adolescente que dirige atrás en el tiempo, sólo para salir del cortejo de sus propios padres. El De Lorean tiempo de máquina-cum-coche y efectos especiales datan ligeramente, pero esto es una película casi único para el 1980 de Hollywood, que es encantador, inteligente y realmente raro (compruebe su vez incómodo de Crispin Glover y la trama freudiana no disimulada).

16. Fanny y Alexander (1982) Ingmar Bergman

Ganador de cuatro premios Oscar, saga familiar fantástica de Ingmar Bergman sigue un año en la vida de un muchacho joven sueca a la vuelta del siglo 19. Visualmente deslumbrante, provocaron reflexiones sin fin y, a pesar de ser más de cinco horas de duración, totalmente absorbente.

17. Perdición (1944) Billy Wilder

El cine negro está en su punto más negro aquí con un cóctel embriagador del director-guionista Billy Wilder de la corrupción y el engaño. Barbara Stanwyck es helado como Phyllis Dietrichson, el rubio cobrizo con la pulsera de tobillo que convence a vendedor de seguros Walter Neff (MacMurray) para asesinar a su marido y su reclamo en el seguro. Esto es a la altura de lo mejor de la obra de Wilder.

18. Sospechosos habituales (1995) Bryan Singer

Cuando un criminal lisiado (el sorprendente Kevin Spacey) sobrevive a una matanza que ha llevado para ser interrogado, y luego procede a contar el más notable de los cuentos de los bajos fondos. Cualquier cosa menos habitual, la película de Singer es muy muy cerca de intocable. Junto a esto, la mayoría de las otras películas de crímenes sentir insignificante. La conclusión de la torcedura-tastic dará la piel de gallina, no importa cuántas veces usted lo mira.

19. Trainspotting (1996) Danny Boyle

El cuento cómico oscuramente de un variopinto grupo de heroinómanos de Edimburgo y de escape de Mark Renton a una (con suerte) una mejor vida era la más divertida, película británica más sombrío de la década de 1990. Todos los involucrados aquí da el funcionamiento de clase A, la dirección de Boyle es brillantemente tramos ingeniosas y enteros de la secuencia de comandos permanecen quemadas sobre el cerebro.

20. Sed de mal (1958) Orson Welles

Otra obra maestra Orson Welles. Las grandes estrellas hombre corpulento como un policía de Estados Unidos, frente a frente contra agente antinarcóticos mexicana de Charlton Heston en la frontera y por el asesinato, la corrupción y el secuestro. Es un testamento al genio de Welles que era capaz de convertir una pieza de la literatura pulpa en un estudio de entretenimiento tales perturbadora, sofisticado y, sobre todo, de la depravación. Un cameo luminosa de Marlene Dietrich cierra el trato.

21. Tres Colores Azul (1993) Krzysztof Kieslowski

Una película extraordinaria. La primera en la aclamada trilogía Tres colores de Kieslowski es cerebral, pero convincente, se ve y suena excelente, y cuenta con una fascinante interpretación de Juliette Binoche como un joven compositor se trata de la muerte de su marido y su hijo.

22. Esto es Spinal Tap (1984) Rob Reiner

Una obra maestra moderna y una de las películas más divertidas jamás se ha hecho. Tres décadas después y deformación inspirada de Rob Reiner de, super-observador, sátira amplificada sobradamente-hiper-real no muestra signos de asfixia por el vómito de las personas ni ignición espontánea tras el charles.

23. Cadena perpetua (1994) Frank Darabont

Tim Robbins y Morgan Freeman protagonizan memorable movimiento fábula prisión-set de Frank Darabont, adaptada de un cuento corto de Stephen King. joven banquero de Robbins es acusado de un doble asesinato, pero se niega a permitir que su espíritu sea roto. Poderosa, conmovedora, invita a la reflexión y, finalmente, irresistiblemente edificante.

24. Ladykillers (1955) Alexander Mackendrick

Un elenco estelar está encabezado por siniestro Alec Guinness en esta porción de la vendimia de Ealing Comedia. Una banda de ladrones obtener más problemas de lo que esperaban cuando alquilan habitaciones de la casa de Kings Cross viejecita. Deliciosamente negro, y con un conjunto eficaz, esta es una de las mejores comedias Ealing.

25. The Ipcress File (1965) Sidney J. Furie

Michael Caine de primera, y lo mejor, excursión como espía del Len Deighton Harry Palmer. Lleno de juego inteligente y la escritura ingeniosa, no es de extrañar la especificación de desgaste Palmer fue capaz de prosperar frente al exterior más emocionante 007. Una celebración de la Gran Bretaña durante la década de 1960 y una fina película de suspenso para arrancar NHS.

26. Secrets & Lies (1996) Mike Leigh

comedia dramática de las relaciones familiares, de Mike Leigh es desgarrador, amargo y agradable por turno. Alternando entre la alta comedia, mordaz de una sola línea y patetismo lacrimógena, con un prestigioso elenco británico incluyendo Brenda Blethyn y Timothy Spall, esto no es nada de excepcional.

27. Scarface (1983) Brian De Palma

estrellas Al Pacino en esta dirigida por Brian De Palma, nueva versión con guión de Oliver Stone de la película de gángsters años 30 clásicos que ve un inmigrante cubano construye un imperio sin piedad crimen en 1980 Florida. brillante interpretación de Pacino domina, sin concesiones a nuestra sensibilidad. Y la tanda final es un tour de force de la edición.

28. Los Tenenbaums (2001) Wes Anderson

Un pedazo del conjunto brillante alrededor de una excéntrica familia de genios, con tres niños prodigio volvió adultos neuróticos, una madre excesivamente ambicioso y Gene Hackman como un pícaro encanto de un padre. Dirigida por Wes Anderson, quien co-guión de la película con Owen Wilson, la comedia es discreto y suave, y formado por una tristeza profunda y conmovedora.

29. The Terminator (1984) James Cameron

Arnold Schwarzenegger se une a James Cameron para un papel de carrera que define como un robot asesino casi indestructible. Tan espectacular como se le invita a la reflexión, esta es la película original y lo mejor de la franquicia – icónico, embriagadora, oscuro y emocionante. Arnie es mucho más fresco cuando el T-101 es el enemigo.

30. El ingenuo (1963) Lindsay Anderson

Se trata de la liga de rugby, cerveza, arena y muchachos difíciles, pero también es un comentario profundo en las relaciones cargadas de simbolismo y ricos en emoción. Anderson, que pasaría a hacer el ejercicio surrealista en la revolución aula …. Si, invierte la película con una cepa enorme carga simbólica, sorprendentemente reñida con la arena de la cocina del disipador convencional.

31. El silencio de los corderos (1990) Jonathan Demme

batalla de ingenio con el Dr. Hannibal Lecter del agente del FBI Clarice Starling hace para la visión compulsivo en esta extraña historia, seductor de heroísmo, anti-heroísmo y asesinos en serie. Una moderna obra maestra de suspenso que estableció asesino intelectual Dr. Hannibal Lecter en el canon de monstruos cinematográficos, tanto por su inteligencia como para manifestar sus tendencias violentas y caníbales.

32. Sexy Beast (2000) Jonathan Glazer

Otro movimiento Brit-gángster, pero esto es algo realmente especial. retiro idílico del ex penal Ray Winstone se interrumpe cuando Ben Kingsley pide, demandas o mejor dicho, que hacer un trabajo más. Se encuentra muy por encima de finales de los 90 aluvión de películas de gángsters británicos. Elegante y confiado y construida sobre el rendimiento temible de Kingsley Kingsley.

33. El rey de la comedia (1983) Martin Scorsese

Scorsese tomó un descanso de las películas de gángsters para hacer esta pieza brillantemente ejecutada sobre un stand-up (Robert De Niro) que no se detendrá ante nada para conseguir su gran oportunidad en la televisión. Mundos lejos del flash de la bravura de otras colaboraciones Niro-Scorsese, esta subestimado, claustrofóbico, sátira refrigeración es particularmente clarividente de la sociedad celebridades fijado de hoy. Un clásico moderno.

34. La vida de Monty Python de Brian, 1979: Terry Jones

En su lanzamiento el equipo de Python fueron acusados ​​de blasfemia como cristianos indignados trató de que la película prohibido. Sus acciones simplemente confirmaron punto de la película. No es la misma religión que es atacado, pero el celo que va con ella, un objetivo que se golpea una y otra vez en lo que es el más consistente e hilarante del pitón canónico.

35. Mulholland Drive (2001) David Lynch

noir surrealista de David Lynch sobre la corrupción de Hollywood se rodó originalmente para la televisión americana. Una estrella aspirante ingenuo llega a la ciudad sólo para convertirse envuelto en una relación lésbica apasionada y una conspiración en la sombra que rodea a una nueva película. Raro pero muy maravilloso.

36. La princesa Mononoke (1997) Hayao Miyazaki

Un joven príncipe guerrero se involucra en el conflicto entre los seres humanos y bestias mágicas implacablemente progresiva en este complejo madura, animado, épica de Studio Ghibli principal animador Hayao Miyazaki. La princesa Mononoke menudo se puede encontrar a horcajadas sobre la parte superior de las listas más grandes de la película de anime – que es precisamente donde pertenece.

37. Pan’s Labyrinth (2006) Guillermo del Toro

cuento ganador de un Oscar, de Guillermo del Toro para adultos en el que la fantasía y la realidad fascista compiten por el alma de una niña y una nación. Es una celebración imperdible de la capacidad del cine para cautivar. Las actuaciones son impecables y el espectador siempre tiene la sensación de ver algo que no acaba de agarre, sino también de vital importancia.

38. Fight Club (1999) David Fincher

Un hombre y su nuevo mejor amigo hacer jabón, forman un club de boxeo sin licencia y puesta en marcha de una organización terrorista en un intenso drama protagonizada por Edward Norton, Brad Pitt y Helena Bonham Carter, y dirigida por David Fincher. Está fechado notablemente bien y todavía le dejará con la boca seca, aceleración del ritmo cardíaco, y una cabeza de natación.

39. Dr. Strangelove o: Cómo aprendí a dejar de preocuparme y amar la bomba (1964) Stanley Kubrick

Peter Sellers lleva tres papeles en la comedia amarga negro de Stanley Kubrick sobre la aniquilación nuclear. Cada vez más cerca que nunca de una pesadilla del siglo XX, Kubrick elegido para ver el fin del mundo no como una tragedia, sino como el absurdo final. Había sido la verdadera visión de la película y el mundo terminado en 1963, siendo el cine británico habría salido en una magnífica alta.

40. El amanecer de los muertos (1978) George A. Romero

secuela de George A. Romero La noche de los muertos vivientes sigue a un grupo de supervivientes que se refugian en un centro comercial abandonado ya que el mundo está invadido por zombies carnívoros. Magistrales, efectos especiales con sangre y una metáfora astuta central de la película de terror todavía hacen esto la película número uno no-muertos de superar.

41. El club de los cinco (1985) John Hughes

1980 quintaesencia de tarifas adolescente de John Hughes, con el Brat Pack dándole vueltas al significado de la vida de uno de detención sábado por la mañana. Un disparo en secuencia con una secuencia de comandos que aparentemente tomó Hughes una semana para escribir, la película entra en su cuenta con líneas citables y adolescentes-hablar de que en realidad suena auténtica – o por lo menos hicieron en su momento.

42. Cabaret (1972) Bob Fosse

Un joven inglés sensibles cae en el torbellino de pre-guerra Berlín, y los brazos de la igualmente vertiginoso Sally Bowles, en esta historia deslumbrante coreografía de amor, la decadencia – y tropas de asalto nazis. Liza Minnelli y Michael York sacar lo mejor de cada uno como la extraña pareja en el centro de la historia.

43. Brazil (1985) Terry Gilliam

Sin duda la obra maestra de Terry Gilliam. Visual brillantez combina con humor satírico ágil para crear una de las mejores películas de los años 80. La preocupación, entonces, que casi? T llegar a la pantalla gracias a una furiosa batalla con Universal, que amenazaba con enterrar la película con una campaña anti-comercialización. Pero el triunfo de la película? S en la cara de la adversidad sólo hace que su historia de un trabajador de oficina hombre de la calle que se atreve a desafiar el sistema más conmovedora.

44. Aguirre, la cólera de Dios (1972) Werner Herzog

Adecuadamente, la colaboración entre loco escritor-director-productor Werner Herzog y su encendido y apagado protagonista Klaus Kinski, que interpreta a un conquistador español en una caza despiadada, infructuosa de El Dorado. Usar el trabajo de cámara que es por turnos amateur e impresionante, Herzog evoca una historia mágica de la locura humana jugado en contra de la inmensidad de la naturaleza.

45. Una noche en la ópera (1935) Sam Wood y Edmund Goulding

El pináculo de los hermanos Marx todo el canto, todo cae sobre-carrera de la comedia. Una mezcla de gran presupuesto de la farsa y números musicales extravagantes, se ve Groucho, Harpo y Chico infiltrarse en la alta sociedad de la apariencia de los promotores de ópera. Muy imitado – en ocasiones por los mismos Hermanos – se trata de un trozo pulido de la comedia musical maníaco que ni una sola vez toma su pie del freno.

46. Donnie Darko (2001) Richard Kelly

Una, punzante, cuento género que desafían la imaginación del amor adolescente, la locura y tiempo de viaje. la ópera prima de Richard Kelly era una de las películas más originales para salir de los EE.UU., en los que merece Noughties puntos extra para llevar Jake Gyllenhall a las pantallas internacionales. Si han sido menos bien recibido trabajos posteriores de Kelly, que es en gran parte debido a que tienen tanto a la altura.

47. Up (2009) Bob Peterson y Pete Docter

El liderazgo creativo del equipo de Pixar restaura la claridad, la sencillez, y el valor de la narración, el establecimiento de un estándar de oro de enormes proporciones para las películas familiares. Y todo esto a pesar de que ofrece un protagonista de ese grupo demográfico menudo pasado por alto, los octogenarios. filas en sus cinco primeros, además de Buscando a Nemo, Monsters, Inc., WALL-E y Toy Story 2.

48. Criaturas celestiales (1994) Peter Jackson

Una historia intensa embriagadoramente asesinato con tintes lésbicos, basado en el caso real que conmocionó 50s Nueva Zelanda, y la película que resultó Peter Jackson era algo más que un proveedor de salpicaduras y el gore. Se introdujo también un joven desconocido con el nombre de Kate Winslet al mundo de observación de la película.

49. Pink Flamingos (1972) John Waters

película de avance para Baltimore autor John Waters. Las drogas, la corpulencia, campery y el perro-huevo reinas alimentación de arrastre, todo está aquí. Las personas parecen reacios a hacer grandes reclamaciones por Waters, pero lo hizo abrir el camino. Pocos directores estaban haciendo películas como prima y nervioso, ya que en el momento, y su obra define un espíritu independiente y estético.

50. Raising Arizona (1987) Joel y Ethan Coen

Nicolas Cage y Holly Hunter secuestran bebés en esta comedia aguda, según la invención de los errores de los hermanos Coen. Exhibe una jaula de abatimiento, gormlessness sureño que desapareció lamentablemente de su repertorio una vez que comenzó el bombeo de hierro y hay un maravilloso elenco de apoyo de clientes habituales Coen incluyendo a John Goodman y Frances McDormand.