Oct 22

Los mejores directores de cine del mundo

1 – Paul Thomas Anderson

Aunque ha lanzado sólo cinco películas en 16 años, Paul Thomas Anderson ha pasado de ser un joven prometedor a la realeza de Hollywood con apenas un bache en el camino. A medida que el proceso de su trabajo se ha apretado – desde los ensamblajes de Boogie Nights y Magnolia a través del duólogo íntimo de Punch-Drunk Love, y hasta el solipsismo consumista de There Will Be Blood –  su dedicación a su oficio se ha intensificado. Su próxima película será El Maestro, una mirada controvertida sobre el nacimiento de un culto no muy diferente a la Iglesia de Scientology.

2 – Lynne Ramsay

Cuando se anunció por primera vez que Lynne Ramsay iba a dirigir una adaptación de We Need To Talk About Kevin, hubo enormes suspiros de alivio: “Está en buenas manos”. Y así resultó ser. Kevin era una combinación celestial de fuente material, y las preocupaciones de su director Glaswegian (niños, muerte, culpa), se aliaron con su sorprendente sentido visual hipnótico. Hizo su debut como protagonista con el Ratcatcher de 1999 (aunque un puñado de cortos premiados lo precedió), sigue siendo una amante crítica desde entonces. Su próxima toma de Moby Dick será tan poderosa como personal. Como dice Tilda Swinton, “Ella es la verdadera McCoy”.

3 – Nicolas Winding Refn

Como un zen archer paciente, este es un cineasta que no deja volar hasta que esté absolutamente listo. Refn ha hecho sólo nueve películas en 15 años, pero el producto final es tan singular como impresionante. Las películas de Refn son únicas (aunque, ciertamente, Valhalla Rising de 2009 era bastante parecida a Malick). De su brutal trilogía Pusher a la extraña y maravillosa Bronson anti-biopic, estas películas son más como instalaciones de arte, brillando con elegante violencia y momentos casi alucinatorios. Drive, del año pasado, de repente hizo recordar su nombre a un montón de gente. Sus próximos dos proyectos los protagonizará Ryan Gosling: la película de boxeo tailandesa Only God Forgives, y un remake de la carrera de Logan de ciencia ficción de los años 70 basada en carrusel.

4 – Joss Whedon

Los antecedentes de Joss Whedon como escritor / director de televisión de culto – Buffy The Vampire Slayer, Ángel, el Firefly de corta duración – aseguraron que era un seguidor leal, lo que dio sus frutos con la consecución de éxito (pero sólo a una minoría vocal) de esta última serie: En la serenidad, que marcó su debut de la dirección en 2005. Desde entonces, Whedon ha sacado el truco de convertir la popularidad del lugar en un éxito de la superproducción, con películas que apaciguan fanboys y fangirls mientras que mantiene una tracción seria en la taquilla. Este año, Whedon consiguió un uno-dos al entregar no sólo uno de los éxitos más grandes del año – Marvel’s Avengers Assemble – sino uno de sus títulos de contraprogramación mejor revisados, la comedia de horror posmoderna The Cabin In The Woods, que él mismo escribió y produjo. Aunque Avengers 2 se escribió a lápiz en el 2015, su micro-presupuesto para la adaptación B & W Mucho Nada de Nada, rodada en su propia casa en ocho días y protagonizada por Whedon favoritos, se encuentra por delante.

5 – Lars Von Trier

Con su amor juvenil por la provocación, es fácil olvidar que Lars von Trier es, ante todo, un cineasta realmente notable. Sólo en los últimos 10 años ha producido una pesadilla, un horror psicológico, una desastrosa película, una comedia de oficina danesa, un documental experimental sobre la naturaleza del esfuerzo creativo y las dos primeras partes de una trilogía sobre la culpabilidad estadounidense. Su próximo proyecto, The Nymphomaniac, se convertirá en la primera película en presentar tanto Shia LaBeouf, como escenas gráficas de sexo no simulado. Ningún otro director puede cruzar la división de arte / Hollywood con tanta audacia.

6 – Jason Reitman

El nepotismo de Hollywood es una fuerza bien documentada para el mal, infligiendo a los horrores de un mundo tan amplio como el “rapero” Chet Haze (hijo de Tom Hanks) y Jaden Smith (hijo de Will). Así que Jason Reitman, descendiente del director Ivan de los Cazafantasmas, tuvo su trabajo cuando siguió a su padre en el negocio familiar con la sátira independiente Big Tobacco Thank You For Smoking. Sin embargo, en los siete años que pasaron, obtuvo cuatro nominaciones a los Oscar y maduró exponencialmente con cada película. Sus esfuerzos culminaron en la devastadora tragedia juvenil de este año, Young Adult, que proporcionó a Charlize Theron el rol de Mavis Gary. Luego, dirigió a Kate Winslet en el Día del Trabajo.

7 – Steve McQueen

Haciendo el salto del artista de la galería al cineasta, Steve McQueen esperaba entregar ideas provocativas con imágenes para emparejar. Lo que pocos podían prever era su talento con los actores, dibujando una interpretación de la carrera de Michael Fassbender en el drama de IRA Hunger y siguiéndolo con otro en la historia de la adicción al sexo, Shame. En la carne, McQueen es directo, imponente y odia la pretensión. Sus películas, a pesar de sus cuadros bellamente compuestos, siguen una plantilla similar. Sus dos primeros trataron de la fuerza de voluntad y la falta de ella, en ese orden, y su siguiente – 12 Years A Slave – lo reúne con Fassbender junto a Benedict Cumberbatch, Paul Giamatti y Brad Pitt.

8 – Leos Carax

Alex Oscar Dupont – su nombre profesional es un anagrama de los dos primeros – llegó a la prominencia a principios de los 80 con el íntimo, estilizado romance Boy Meets Girl, y de allí fue el camino de todos los auteurs, perdiendo tiempo y dinero en Proyectos de pasión de larga gestación. Sus dos películas de la década de 1990, Les Amants Du Pont-Neuf y Pola X, fueron respectivamente un éxito y una falta, pero su nueva película Holy Motors restauró su corona como contrapartida de cine francés a la corriente principal Luc Besson. A menudo misterioso, y a veces aburrido, Carax tiene un toque de showman, y a veces sus películas tratan de problemas de mirar el ombligo – artistas bloqueados son un motivo recurrente.

9 – Edgar Wright

Los dos hombres y un perro que miraron la noche 90 Comedia ITV Asylum se alertaon de su talento desde el principio, pero para el resto de nosotros fue Spaced lo que nos presentó a Edgar Wright, así como colaboradores como Simon Pegg y Nick Escarcha. El trío trajo con éxito su humor de referencia a la gran pantalla con zom-com Shaun Of The Dead y el poli pastiche Hot Fuzz. Posteriormente, Wright fue solo con Scott Pilgrim vs The World. En 2013 prometió estar ocupado para volver a reunirse con Pegg y Frost para The World’s End, luego dirigió la película de ciencia ficción Collider, antes de comenzar a trabajar en su película más destacada hasta la fecha, Marvel’s Ant-Man.

10 – Andrea Arnold

Una ex presentadora de televisión infantil, Andrea Arnold, nacida en Kent, no sólo ha superado los obstáculos comerciales de a) ser mujer y b) hacer películas británicas de no-género. Lo ha hecho con sus propios términos, creando una marca de realismo social instantáneamente reconocible . Con su guadaña ganadora de un Oscar, Danny Dyer, con Red Road y Fish Tank, llevó la técnica improvisatoria de Loach a nuevos niveles, e incluso con su falta de encendido el año pasado, Wuthering Heights, demostró ser radical en la cara de material tradicional. Esperamos ansiosamente su próximo movimiento.

 

Sep 22

Sugerencia Rápida: Una manera sencilla de encontrar los mejores actores en audiciones

Esta mañana estaba leyendo el libro hilarante e increíblemente útil de Dan Mirvish, The Cheerful Subversive’s Guide to Independent Filmmaking, y compartió un consejo que aprendió del legendario director de casting de Hollywood, Lynn Stalmaster. Estoy parafraseando, pero la idea básica es esta:

Cuando estás realizando audiciones, presta más atención a tus actores cuando no están entre líneas. Presta atención a cómo reaccionan y se adaptan a la escena.

¿Por qué hacer esto? En pocas palabras, es una manera rápida de medir la profundidad y la amplitud de lo que un actor puede ofrecer en pantalla. Algunos de los momentos emocionales más emocionantes de las películas vienen de simples tiros de reacción, por lo que encontrar actores que puedan reaccionar de una manera convincente es un ingrediente para el éxito.

Cuando está audicionando actores, hay algunas cosas que debe buscar

  1. ¿Permanecen en el personaje cuando no están hablando?
  2. ¿Están reaccionando a los matices de la escena de una manera convincente, o simplemente esperan a que el lector termine sus líneas para que puedan volver a saltar?
  3. ¿Están sus expresiones faciales y su lenguaje corporal igualmente invertidos en el rendimiento?
  4. ¿Están adaptando su desempeño a lo que el lector está haciendo?

En última instancia, dar una lectura decente del guión no es demasiado difícil, pero ser capaz de sumergirse en un personaje y permanecer en el carácter y utilizar su cuerpo como una herramienta emotiva durante una escena es increíblemente difícil.

Los actores que pueden hacer esto son los que quieres. Así que utilice este consejo rápido como un medio para encontrarlos la próxima vez que esté audicionando.

 

Jul 04

50 películas que ver antes de morir

1. El apartamento (1960) Billy Wilder

Ganadora de cinco Oscars, tres BAFTA y tres Globos de Oro, esta sátira de Billy Wilder, protagonizada por Jack Lemmon y Shirley MacLaine, es un verdadero clásico. Esta comedia recorre toda la gama del drama, melodrama, romance y tragedia potencial en una gran crítica social. Sofisticada. Pide tu cena en https://www.mascupon.es/tiendas/cupon-descuento-just-eat/ y disfruta del momento.

2. Ciudadano Kane (1941) Orson Welles

La película más aclamada del mundo. Con esta historia de la vida de un magnate de los medios, el joven Orson Welles lanzó un desafío a Hollywood del que ninguno se recuperó por completo. Con su espíritu de innovación visual y narrativa, y precoz, se eleva el rendimiento central de Welles. Ciudadano Kane casi hace honor a su reputación como la mejor película de todos los tiempos.

3. Con la muerte en los talones (1959) Alfred Hitchcock

Alfred Hitchcock presenta una persecución de 3.000 millas a través de América, protagonizada por Cary Grant en un traje cada vez más desaliñado. Algunos han argumentado que con la muerte en los talones no es una de las grandes películas de su época, pero, en las categorías de Graham Greene de ‘entretenimiento vs trabajo serio’, es un ejemplo arquetípico de la primera, como enganche combina las jugadas a balón parado con humor negro y algunas excavaciones en políticos interesados.

 4. Chinatown (1974) Roman Polanski

Magistrales del cine noir como estrellas  Roman Polanski y Jack Nicholson cuentan como un detective privado se ve envuelto en un escándalo oscuro y peligroso, un Faye Dunaway como una mujer fatal frágil. Nicholson es un hombre decente, que básicamente trata de encontrar la verdad, pero no puede soportar las revelaciones que destapa – hasta final terriblemente infeliz de la película. En https://www.mascupon.es/tiendas/codigo-promocional-amazon/ y https://www.mascupon.com.mx encuentra todas tus peliculas favoritas

 5. Eva al desnudo (1950) Joseph L. Mankiewicz

Bette Davis destaca como una diva del envejecimiento en la seis veces ganadora del Oscar. La pieza burbujea con  energía, y en gran parte por la boca torcida de maldad de Davis. Todo el elenco está en plena forma (Marilyn Monroe hace una pequeña aparición fugaz), aunque entre los actores, solo Sanders ganó un Oscar. Uno de los mejores dramas entre bastidores de Hollywood.

6. Casablanca (1942) Michael Curtiz

Humphrey Bogart e Ingrid Bergman hacen la mejor pareja de la pantalla trágicamente separados por el destino y el ejército invasor alemán. Con su historia romántica, canciones inolvidables, superior elenco de apoyo, secuencia de comandos, la secuencia culminante en el aeropuerto y la línea final perfecta, Casablanca se ha convertido con razón una de las películas más populares de todos los tiempos.

7. El mago de Oz (1939) Victor Fleming, George Cukor, Mervyn LeRoy, Norman Taurog y King Vidor

Dorothy no está exactamente en Kansas. Toto, mientras canta y baila en su camino a través de una de los más mágicas tierra de hadas. Un punto de referencia exuberante de entretenimiento y Technicolor del cine infantil, El mago de Oz es inventiva, fantástica, colorida – y una historia sorprendentemente oscura y compleja sobre la economía y las miserias de la infancia.

 8. 2001: Una odisea del espacio (1968) Stanley Kubrick

Kubrick, el genio más frío de cine, abandona la narrativa convencional y presenta una sucesión de dibujos bellamente compuestos sobre el tema de la evolución, la muerte y el renacimiento, unidos por la presencia mística de un gran monolito negro. Sabemos como el año 2001 se ve ahora, y no se parece mucho a la visión de Kubrick. Pero 2001: Una odisea en el espacio en sí todavía se ve impecable. Espectacular, pionero y filosófico, es una obra maestra indiscutible.

9. Narciso Negro (1947) Michael Powell y Emeric Pressburger

Narciso negro es una película para rivalizar el mejor trabajo de Powell y Pressburger. Ya que dicho el mejor trabajo, tengo que decir también que incluye una cuestión de vida o muerte: la vida o la muerte del Coronel Blimp. Deborah Kerr interpreta a una monja de un convento del Himalaya, donde sus votos han sido probados por las atenciones lascivas del agente real de David Farrar y la hermana Ruth peligrosamente desequilibrado (Kathleen Byron).

10. Apocalypse Now (1979) Francis Ford Coppola

Su misión se convierte en un viaje , increíblemente realizado por la dirección alucinógena de Coppola y un elenco arrastrado de Narcóticos Anónimos de Hollywood.

11. Withnail y yo (1987) Bruce Robinson

¿La mejor comedia británica que jamás se ha hecho? Posiblemente. ¿Una obra maestra? Sin lugar a dudas. Dos actores en paro van de vacaciones. Richard E. Grant está en forma con decisiones como Hamlet que echa en chorro, pero más ligero de combustible está Withnail.

12. Alguien voló sobre el nido del cuco (1975) Milos Forman

Jack Nicholson destaca en este multi-ganador de Oscars, cuento antiautoritario, el último de los grandes de la contracultura películas de Hollywood. La película sigue siendo tan fresca, impactante, deprimente y estimulante como cuando fue lanzada en 1970 en el cine estadounidense. Rara vez se han visto mejores películas.

13. Alien (1979) Ridley Scott

La película que nos dio a la heroína de acción, en forma de Sigourney Weaver (Ellen Ripley), y presentó los viajes espaciales como cualquier otro trabajo. Excelentes actuaciones se suman a la dirección y estilo de Scott y, si una película se puede juzgar por la cantidad de estafas que genera, Alien debe figurar como una de las películas más influyentes de la historia. Una visita obligada de suspense, las payasadas de terror y una buena pasada de moda la ciencia ficción.

14. Pulp Fiction (1994) Quentin Tarantino

Tarantino empujado a su límite de narración para crear esta película de historias interconectadas, protagonizada por Bruce Willis, Samuel L Jackson, John Travolta y Uma Thurman. Una obra decididamente cinematográfica, repleta de homenajes a Jean-Luc Godard y el cine negro, que cuenta con un nocaut, un guión altamente citable y una banda sonora ecléctica.

15. Regreso al futuro (1985) Robert Zemeckis

Con un entretenido hilo,  trata sobre un viaje en el tiempo protagonizada por Michael J Fox como un adolescente que se dirige atrás en el tiempo, sólo para salir del cortejo de sus propios padres. Los efectos especiales datan ligeramente, pero esta es una película casi única para el 1980 de Hollywood, que es encantadoa, inteligente y realmente rara.

16. Fanny y Alexander (1982) Ingmar Bergman

Ganadora de cuatro premios Oscar, esta fantástica saga familiar de Ingmar Bergman trata sobre un año en la vida de un muchacho joven a la vuelta del siglo 19. Visualmente deslumbrante, provocaron reflexiones sin fin y, a pesar de ser más de cinco horas de duración, es totalmente absorbente.

17. Perdición (1944) Billy Wilder

El cine negro está en su punto más negro aquí, con un cóctel embriagador del director-guionista Billy Wilder, de la corrupción y el engaño. Barbara Stanwyck está casada y planea asesinar a su marido junto a Walter Neff (MacMurray) para reclamar en el seguro. Esto es sin duda de lo mejor de la obra de Wilder.

18. Sospechosos habituales (1995) Bryan Singer

Cuando un criminal lisiado (el sorprendente Kevin Spacey) sobrevive a una matanza que le ha llevado a ser interrogado, procede a contar el más notable de los cuentos de los bajos fondos. Junto a esto, la mayoría de las otras películas de crímenes son insignificante. La conclusión de la torcedura-tastic te pondrá la piel de gallina, sin importar cuántas veces la veas.

19. Trainspotting (1996) Danny Boyle

El cuento cómico y oscuro trata de un variopinto grupo de heroinómanos de Edimburgo. Era la más divertida película británica y más sombría de la década de 1990. Todos los involucrados aquí hacen una función sobresaliente, la dirección de Boyle es brillante con tramas ingeniosas y enteras de la secuencia de comandos.

20. Sed de mal (1958) Orson Welles

Otra obra maestra de Orson Welles. Trata de un hombre corpulento de Estados Unidos. Es un testamento al genio de Welles que era capaz de convertir una pieza de la literatura pulpa en un estudio de entretenimiento perturbadoa, sofisticado y, sobre todo, de la depravación. Un cameo luminoso de Marlene Dietrich cierra el trato.

21. Tres Colores: Azul (1993) Krzysztof Kieslowski

Una película extraordinaria. La primera en la aclamada trilogía Tres colores de Kieslowski es cerebral, pero convincente, se ve y suena excelente, y cuenta con una fascinante interpretación de Juliette Binoche como un joven compositor. Trata de la muerte de su marido y su hijo.

22. This is Spinal Tap (1984) Rob Reiner

Una obra maestra moderna y una de las películas más divertidas que jamás se han hecho. Tres décadas después la deformación inspirada de Rob Reiner de, super-observador, una sátira amplificada sobradamente-hiper-real no muestra signos de asfixia por el vómito de las personas ni ignición espontánea tras el charles.

23. Cadena perpetua (1994) Frank Darabont

Tim Robbins y Morgan Freeman protagonizan el memorable movimiento de fábula en el set de Frank Darabont, adaptada de un cuento corto de Stephen King. El joven banquero Robbins es acusado de un doble asesinato, pero se niega a permitir que su espíritu se rompa. Poderosa, conmovedora, invita a la reflexión y, finalmente, es irresistiblemente edificante.

24. El quinteto de la muerte (1955) Alexander Mackendrick

Un elenco estelar está encabezado por el siniestro Alec Guinness en esta comedia. Una banda de ladrones obtienen más problemas de lo que esperaban cuando alquilan habitaciones de la vieja casa de Kings Cross. Con un conjunto eficaz, esta es una de las mejores comedias Ealing.

25. Ipcress (1965) Sidney J. Furie

Michael Caine de primera, y lo mejor, excursión como espía del Len Deighton Harry Palmer. Lleno de juegos inteligentes y de escritura ingeniosa, no es de extrañar que Palmer fue capaz de prosperar frente al más emocionante 007. Una celebración de la Gran Bretaña durante la década de 1960 y una fina película de suspenso para arrancar NHS.

26. Secretos y mentiras (1996) Mike Leigh

Comedia dramática de las relaciones familiares de Mike Leigh, quien es desgarrador, amargo y agradable por turnos. Alternando entre la alta comedia, mordaz de una sola línea y patetismo lacrimógena, con un prestigioso elenco británico incluyendo a Brenda Blethyn y Timothy Spall.

27. El precio del poder (1983) Brian De Palma

Dirigida por Brian De Palma, esta nueva versión con guión de Oliver Stone de la película de gángsters de los años 30 es un clásico. Un inmigrante cubano construye un imperio sin piedad del crimen en 1980 en Florida. Brillante interpretación de Pacino, domina, sin concesiones, nuestra sensibilidad. Y la tanda final es un tour de force de la edición.

28. Los Tenenbaums (2001) Wes Anderson

Una excéntrica familia de genios, con tres niños prodigio que volvió a los adultos neuróticos, una madre excesivamente ambiciosa y Gene Hackman como un pícaro encanto de padre. Dirigida por Wes Anderson, quien co-dirigió la película con Owen Wilson, la comedia es discreta y suave, formada por una tristeza profunda y conmovedora.

29. Terminator (1984) James Cameron

Arnold Schwarzenegger se une a James Cameron para un papel de carrera que se define como un robot asesino casi indestructible. Espectacular cómo se le invita a la reflexión, esta es la película original y la mejor de la franquicia – icónica, embriagadora, oscura y emocionante. Arnie es mucho más fresco cuando el T-101 es el enemigo.

30. El ingenuo salvaje (1963) Lindsay Anderson

Se trata de la liga de rugby, cerveza, arena y muchachos difíciles, pero también es un comentario profundo de las relaciones cargadas de simbolismo y ricas en emoción. Anderson pasa a hacer el ejercicio surrealista en la revolución aula …. Si, invierte la película con una enorme carga simbólica, sorprendentemente reñida con la arena de la cocina del disipador convencional.

31. El silencio de los corderos (1990) Jonathan Demme

Una moderna obra maestra de suspenso que estableció el asesino intelectual Dr. Hannibal Lecter en el canon de monstruos cinematográficos, tanto por su inteligencia como para manifestar sus tendencias violentas y caníbales.

32. Sexy Beast (2000) Jonathan Glazer

Otro movimiento Brit-gángster, pero esto es algo realmente especial. El retiro idílico del ex penal Ray Winstone se interrumpe cuando Ben Kingsley pide demandas o mejor dicho, hace un trabajo más. Se encuentra muy por encima de los finales de los 90. Elegante y confiada y construida sobre el temible rendimiento temible de Kingsley Kingsley.

33. El rey de la comedia (1983) Martin Scorsese

Scorsese tomó un descanso de las películas de gángsters para hacer esta pieza brillantemente ejecutada sobre un stand-up (Robert De Niro) que no se detendrá ante nada para conseguir su gran oportunidad en la televisión. Un clásico moderno.

34. La vida de Brian (1979) Terry Jones

En su lanzamiento, el equipo de Python fueron acusados ​​de blasfemia como cristianos indignados. Sus acciones simplemente confirmaron el punto de la película. No es la misma religión que es atacada, pero el celo que va con ella, un objetivo que se golpea una y otra vez en lo que es el más consistente e hilarante del pitón canónico.

35. Mulholland Drive (2001) David Lynch

David Lynch sobre la corrupción de Hollywood se rodó originalmente para la televisión americana. Una estrella aspirante e ingenua llega a la ciudad sólo para envolverse en una relación lésbica apasionada y una conspiración en la sombra que rodea a una nueva película. Rara pero maravillosa.

36. La princesa Mononoke (1997) Hayao Miyazaki

Un joven príncipe guerrero se involucra en el conflicto entre los seres humanos y las bestias mágicas implacablemente progresivas en este complejo animado, épica de Studio Ghibli, principal animador Hayao Miyazaki. La princesa Mononoke a menudo se puede encontrar a horcajadas sobre la parte superior de las listas más grandes de la película de anime – que es precisamente donde pertenece.

37. El laberinto del fauno (2006) Guillermo del Toro

Ganador de un Oscar, de Guillermo del Toro, para adultos en el que la fantasía y la realidad fascista compiten por el alma de una niña y una nación. Es una celebración imperdible de la capacidad del cine para cautivar. Las actuaciones son impecables y el espectador siempre tiene la sensación de ver algo que no acaba entender, también de vital importancia.

38. El club de la lucha (1999) David Fincher

Un hombre y su nuevo mejor amigo forman un club de boxeo sin licencia y ponen en marcha una organización terrorista en un intenso drama protagonizada por Edward Norton, Brad Pitt y Helena Bonham Carter, y dirigida por David Fincher. Está fechado notablemente bien y todavía te dejará con la boca seca, acelerándote el ritmo cardíaco.

39. Dr. Insólito o: Cómo aprendí a dejar de preocuparme y amar la bomba (1964) Stanley Kubrick

Peter Sellers lleva tres papeles en esta comedia amarga negra de Stanley Kubrick sobre la aniquilación nuclear. Cada vez más cerca de una pesadilla del siglo XX, Kubrick elegido para ver el fin del mundo no como una tragedia, sino como el absurdo final. Había sido la verdadera visión de la película el mundo terminado en 1963.

40. Zombie (1978) George A. Romero

Secuela de George A. Romero: La noche de los muertos vivientes, sigue a un grupo de supervivientes que se refugian en un centro comercial abandonado ya que el mundo está invadido por zombies carnívoros. Magistrales efectos especiales con sangre y una metáfora astuta central de la película de terror todavía hacen esto la película número uno de no-muertos.

41. El club de los cinco (1985) John Hughes

1980 con el Brat Pack dándole vueltas al significado de la vida. Un disparo en una secuencia de comandos que aparentemente tomó a Hughes una semana para escribir, la película entra en su cuenta con líneas citables y adolescentes que hablan de que en realidad suena auténtica – o por lo menos hicieron en su momento.

42. Cabaret (1972) Bob Fosse

Un joven y sensible inglés sensible cae en el torbellino de la pre-guerra de Berlín, y en los brazos de la igualmente vertiginosa Sally Bowles. En esta historia cuentoa con una deslumbrante coreografía de amor, decadencia – y tropas de asaltos nazis. Liza Minnelli y Michael York sacan lo mejor de cada uno como una extraña pareja en el centro de la historia.

43. Brazil (1985) Terry Gilliam

Sin duda la obra maestra de Terry Gilliam. Combina con un humor satírico ágil para crear una de las mejores películas de los años 80. Terry llega a la pantalla gracias a una furiosa batalla con Universal, que amenazaba con enterrar la película con una campaña anti-comercialización. Pero el triunfo de la película viene ya que es historia de un trabajador de oficina de la calle que se atreve a desafiar el sistema más conmovedor.

44. Aguirre, la cólera de Dios (1972) Werner Herzog

La colaboración entre el loco escritor-director-productor Werner Herzog y su encendido y apagado protagonista Klaus Kinski, que interpreta a un conquistador español en una caza despiadada, es inmejroable. Utilizan el trabajo de cámara por turnos de manera impresionante, Herzog evoca una historia mágica de locura humana jugando en contra de la inmensidad de la naturaleza.

45. Una noche en la ópera (1935) Sam Wood y Edmund Goulding

El pináculo de los hermanos Marx, todo cae sobre-carrera de la comedia. Una mezcla de gran presupuesto de farsa y números musicales extravagantes, se ve a Groucho, Harpo y Chico infiltrarse en la alta sociedad aparentando a promotores de ópera. Muy imitado – en ocasiones por los mismos Hermanos – se trata de un trozo pulido de la comedia musical maníaca que ni una sola vez toma su pie del freno.

46. Donnie Darko (2001) Richard Kelly

Un punzante cuento que desafía la imaginación del amor adolescente y la locura. La pieza prima de Richard Kelly era una de las películas más originales para salir de los EE.UU., en los que merece Noughties puntos extra para llevar a Jake Gyllenhall a las pantallas internacionales.

47. Up (2009) Bob Peterson y Pete Docter

El liderazgo creativo del equipo de Pixar restaura la claridad, la sencillez, y el valor de la narración, el establecimiento de un estándar de oro de enormes proporciones para las películas familiares. Y todo esto a pesar de que ofrece un protagonista de ese grupo demográfico a menudo pasado por alto, los octogenarios.

48. Criaturas Celestiales (1994) Peter Jackson

Una historia intensa sobre un asesinato con tintes lésbicos, basado en el caso real que conmocionó en los 50 a Nueva Zelanda. Se introdujo también una joven desconocida con el nombre de Kate Winslet al mundo del cine.

49. Pink Flamingos (1972) John Waters

Película de avance para su autor John Waters. Las drogas, la corpulencia todo está aquí. Las personas parecen reacias a hacer grandes reclamaciones por Waters, pero le ayudó a abrir el camino. Su obra define un espíritu independiente y estético.

50. Raising Arizona (1987) Joel y Ethan Coen

Nicolas Cage y Holly Hunter secuestran bebés en esta aguda comedia, según la invención de los errores de los hermanos Coen. Exhibe una jaula de abatimiento, y hay un maravilloso elenco de apoyo de clientes habituales. Coen incluyen a John Goodman y Frances McDormand.

May 21

Crítica de la película Night Moves (2013)

Todo sistema o forma de gobierno plantea por definición y necesidad una realidad y una forma de relacionarse con las personas, con los bienes y por su puesto con la naturaleza. La producción y reproducción del sistema capitalista excede a la idea de producción fabril. El sistema capitalista en su fase imperial no sólo propone un tipo de vínculo con la clase trabajadora, sino que necesita para conservar su hegemonía por sobre otras formas y medios, una necesidad de producción de fuerza de trabajo y una igual o quizás mayor necesidad de reproducción de los mismos. La reproducción no sólo se juega en la prolongación de una idea de familia o de trabajo, sino que el medio en el que opera este sistema también se ve implicado y sometido a una dinámica en función de la ideología dominante. No es menos natural que un sistema que repele a la naturaleza del ser humano, poco o nada repare en la naturaleza del medio en donde este habita.

La contaminación y la destrucción del mundo es la consecuencia natural de la producción a gran escala con la única finalidad de producir ganancias, sin cuidar ni contemplar la sustentabilidad del medio ambiente. Entonces así como grupos se dan en organizarse contra el sistema todo, contra las formas de trabajo y explotación, contra la vigencia de una moral desmoralizante, otros grupos se dan en trabajar y combatir con y por el medio ambiente, entendiendo por su parte que es la necesidad primaria para la continuidad de la raza. En este contexto sitúa la directora a sus criaturas. Acciones programadas y de conciencia, o pequeños actos furtivos de manifestación, de ejemplificación con los que hacer retroceder y hacer pensar. El film nos propone argumentalmente una idea concreta, un grupo de tres personas hará volar una represa eléctrica que está contaminando un rio y un bosque, eliminando la flora y la fauna natural. Esta voladura, buscará mancomunar las ideas de resistencia y soberanía del hábitat contra las grandes corporaciones que todo lo arrasan en función de producir más ganancias en menos tiempo, al menor costo posible.

El film no pretende mostrar un hazaña ecologista, sino poner sobre la mesa una discusión sobre cómo y hasta qué punto hay que actuar en función de una idea. Porque como su compañera de ideas, “The East”, donde una muerte detona la fragilidad de todo el argumento, las convicciones se tambalean y la revolución naufraga como una parte de la presa. El acto liberador no pasa de un mero atentado, la desaparición y muerte producida por la voladora es ahora sólo un elemento de suspense que transmuta la naturaleza de la película en la cual se pasa de un discurso ecologista a una mala ficción de argumentos moralistas que se chocan contra la contingencia de dos tramas que luchan entre sí dentro del film. Entonces sí, ahora los planos sueltos, cuasi pictóricos y aleccionadores en un comienzo, mutan en indicios de este suspense que terminará con un asesinato frío, aunque desesperado, de una compañera. La defensa de la naturaleza comprende a un río, pero no a la vida de una compañera. La directora se pierde en su propia pregunta. El film que pretende abrir el juego a una discusión latente, se cierra en un conservadurismo narrativo que para subsistir en la trama elimina todo ápice de conciencia y humanismo.

El sistema imperante es la resultante de una interacción de partes y fuerzas que son necesarias para su producción y reproducción. Así como la voladura de una de las doce partes de la presa, esta película falla en la tentativa de que universalizando una idea particular, acotada, pretende derrocar una idea imperante que se sustenta más allá del medio ambiente. El capitalismo no es anti-naturalista, es anti-humano. Pretender que la enajenación desaparezca sin derrames de petróleo o sin contaminaciones de ríos, es una idea tan fútil y perenne como la idea de volar una compuerta de la presa de un río compuesta de muchos elementos más. El sistema no puede ser mejorado, el sistema debe ser derrocado en su totalidad fundando las bases de otras relaciones materiales, sociales y ambientales.

Abr 21

Crítica de la película Lost Highway (1997)

 

Al parecer, en una entrevista perteneciente a la serie “The directors”, David Lynch se resiste a dar una explicación sobre el argumento de “Lost Highway”. Aunque veremos después que en “Atrapa al pez dorado” parece guiar al espectador hacia hechos psicológicos concretos.

Si Lynch se resiste a explicar el significado de “Lost Highway”, ¿debemos asumir entonces, que existe una explicación más allá de lo meramente visual y narrativo?, ¿qué tiene un significado oculto?

A fin de cuentas no importa si Lost Highway tiene una lectura críptica. Lo importante es la película y las sensaciones que despierta en los espectadores.

Así que no tiene sentido buscar el sentido oculto. Y como no tiene sentido voy a desvelarlo.

Tengo una teoría.

Temblemos.

Primero vamos a situar la película dentro de la filmografía de Lynch ateniéndonos únicamente a sus largometrajes: “Eraserhead” (1977), “The Elephant Man” (1980), “Dune” (1984), “Blue Velvet” (1986), “Wild at Heart” (1990), “Twin Peaks: Fire Walk with Me” (1992), “Lost Highway” (1997), “The Straight Story” (1999), “Mulholland Dr.” (2001), “Inland Empire” (2006)
Lo que me interesa destacar, ya veremos luego el motivo, es que tras un largo paréntesis, Lynch desconcierta al público y a la crítica con el hermetismo de “Lost Highway”, para dos años después volver a desconcertarlos con un relato lineal inusual en el director. “The Straight Story” (Una historia verdadera, se tituló en España, curiosamente el mismo subtítulo que acompaña a Patrimonio, de Philip Roth), para volver a descolocar a todo el mundo con la enrevesada trama onírica de “Mullholland Drive”. Esa rareza en medio de su filmografía que supone “The Straight Story”, debe significar algo. Pensemos que la consideramos una rareza siendo la más asequible narrativamente de las películas de Lynch, una rareza “realista” en una filmografía incalificable.

Segundo, aunque es algo que no me gusta demasiado hacer, debería incluir una sinopsis de la película. Probemos:

Fred Madison, un saxofonista de free-jazz (es importante) vive en un estado de semifustración junto a su voluptuosa mujer. Como veremos luego, Slavoj Zizek, en “The Pervert’s Guide to Cinema”, insiste en la incapacidad de Fred de satisfacer sexualmente a su esposa. En esas condiciones los celos y el malestar se adueñan de su vida. Una mañana a través del interfono de la calle recibe un extraño mensaje, “Dick Laurent está muerto”. A partir de ese día empieza a recibir cintas de video grabadas por un desconocido que muestran su casa desde el exterior y que día a día se van adentrando cada vez más en su intimidad. Fred no tiene videocámara, las odia porque “prefiere recordar las cosas a su manera”. En una fiesta conoce al Hombre Misterioso (Mystery Man) que le dice que se encuentra en casa de Fred al mismo tiempo que está frente a él. La última cinta de video que reciben muestra a Fred descuartizando a su esposa, Renee. En la celda en la que espera ser ajusticiado por su crimen, Fred se transforma en Pete Dayton, un joven mecánico. Liberado, pero aún confuso por su transformación ya que no tiene consciencia de haber sido Fred, Pete vuelve a su antiguo trabajo en un taller mecánico, donde entrará en contacto con Mr. Eddy, un oscuro mafioso violentamente obseso por el respeto hacia las normas de tráfico. La amante de Mr. Eddy, Alice Wakefield, idéntica a Rennee, la mujer de Fred, excepto por ser rubia, seduce a Pete, el cual, al contrario que Fred, demuestra ser un avezado e infatigable amante. Acosados por Mr. Eddy, deciden robar a otro amante de Alice para, con el dinero, desaparecer donde el mafioso no pueda encontrarles. La historia de Pete rinde tributo al cine negro más clásico, hasta que se descubre la curiosa relación que mantienen Mr. Eddy y Mystery Man. Éste al final se revelará como el hombre de la videocámara. Hay que decir que la película se cierra en una especie de bucle que repite el inicio, pero que ambas historias, la de Fred y la de Pete, en cierta manera, en sentido estrictamente narrativo, no concluyen. “Lost Highway” como toda película no debe contarse, debe verse y como toda película de Lynch DEBE verse.

Lo que se cuenta en la película admite varias interpretaciones. Lynch va dejando pistas falsas a lo largo de la película y jamás explicó, ni siquiera a los actores, el sentido de ésta. En primera instancia la segunda parte de la película podemos interpretarla como una repetición subconsciente o imaginaria que sucede en la cabeza de Fred, aunque no tenemos ninguna certeza de que una de ellas suceda primero temporalmente. Podemos interpretarla como ejemplo del “Caso Flitcraft”, introducido por Dashiell Hammett en “El halcón maltés” y rescatado luego por Paul Auster en “La noche del oráculo”, en la que un hombre desaparece convirtiéndose en otro para acabar repitiendo los mismos errores.

Slavoj Zizek, en el documental dirigido por Sophie Fiennes, The Pervert’s Guide to Cinema, sostiene una tesis psicoanalítica de la película:

“Lost Highway” y “Mullholland Drive” son dos versiones del mismo film. Lo que hace a estos films tan interesantes, especialmente a “Lost Highway”,es cómo sitúan ambas dimensiones, la realidad y la fantasía una al lado de la otra, horizontalmente.

Aquí tenemos el típico héroe gris de clase media alta casado con Patricia Arquette quien se encuentra aterrorizado por el enigma de su mujer, que no responde a sus avances. Cuando tienen sexo él fracasa miserablemente y lo único que obtiene de ella es una palmada en la espalda, un gesto de humillación absoluta.

Luego de asesinarla, en un acceso de frustración, el héroe ingresa a su espacio fantasmagórico en donde se reinventa no sólo a sí mismo, sino, además, a todo su entorno, y lo traslada al universo típico de un film noir.

La esposa del héroe, morena, se vuelve rubia. Aquí, en el espacio fantasmagórico, ella alaba al héroe su potencia sexual, etc… De manera que parece que el sueño es la realización de lo que buscaba. En la realidad el obstáculo era inherente: la relación sexual sencillamente no funcionaba. En el espacio fantasmagórico, el obstáculo está situado fuera de la relación: Mister Eddy, el amo de Patricia Arquette en el espacio fantasmagórico, se convierte en el obstáculo de la relación sexual. Los momentos más extraños ocurren cuando el espacio fantasmagórico se desintegra pero aún no hemos vuelto a la realidad. Este espacio intermedio, que no corresponde ni al espacio de la realidad ni al espacio fantasmagórico. Es un espacio gobernado por una violenta dispersión, por una confusión ontológica. Este es el momento más subversivo, aquí se expresa el verdadero horror de estos films.

Hacia el fin de este episodio fantaseado, cuando vemos el acto sexual, entonces también la mujer elude al héroe. Le susurra…”nunca me tendrás”. Y en ese punto traumático somos arrojados nuevamente a la realidad, y el héroe se encuentra en el mismo callejón sin salida. Aquello de lo que el film trata realmente no es el héroe sino, por supuesto, el enigma del deseo femenino.
Slavoj Zizek; The Pervert’s Guide to Cinema (2006)

Aunque es interesante lo que cuenta Zizek, y el documental es altamente recomendable a causa, sobre todo, de la socarronería del autor, y la posibilidad de contemplar ciertos clásicos famosos desde otra perspectiva, creo que lo que se cuenta en “Lost Highway”, que admite varias interpretaciones, no tiene mayor importancia que la de servir de base a Lynch para realizar un ejercicio metacinematográfico en el que enfrenta a dos tipos de narraciones. Las dos historias que se suceden en el tiempo de la película, no necesariamente el tiempo “real”, la de Fred y la de Pete, son prácticamente especulares. Lynch emplea elementos, objetos y situaciones, pero sobre todo de tipo musical, que se repiten en las dos historias, indicándonos que en el fondo, dejando aparte cuál de ellas pertenece a la “realidad narrativa” y cual, como dice Zizek, a la “realidad fantasmagórica”, ambas son la misma historia pero contadas de distinta manera. La diferencia entre ambas radica en el personaje guía de cada uno de los relatos: Mystery Man para Fred, Mr. Eddy para Pete.

Mystery Man, como le demuestra a Fred en la fiesta es ubicuo, prácticamente omnisciente, capaz por tanto de irrumpir en la historia de Pete.

Por su parte, como queda claro en la escena en la que se enfrenta violentamente a un infractor de tráfico, Mr. Eddy respeta obsesivamente las reglas, el código escrito que rige la circulación o una organización criminal como la que representa o, extrapolando, el que rige la narración clásica, inteligible y respetuosa con el tiempo.

El respeto por la linealidad del relato que defiende Mr. Eddy acabará enfrentándose al relato psicológico que representa Mystery Man. En “Lost Highway”, Fred-Pete, Renee-Alice, son personajes pasivos. La verdadera tensión dramática se produce por el control del relato entre las dos fuerzas opuestas que representan Mr. Eddy y Mystery Man: lineal-clásica frente a atemporal-psicológica, inteligibilidad contra onirismo.

La elección de Lynch queda clara desde el inicio, desde el misterioso mensaje a través del interfono que anuncia que “Dick Laurent está muerto”, desde que Fred comparte con el propio Lynch su aversión hacia las videocámaras que captan la realidad: “Prefiero recordar las cosas a mi manera”
No contaremos el final, pero, efectivamente, Dick Laurent está muerto, y la narración no ha hecho más que empezar.

Creo, aunque parezca un contrasentido, que el que la siguiente película de Lynch sea “The Straight Story”, atípica en la filmografía del director precisamente por su clasicidad, por su linealidad, confirma esta especie de teoría. Para desechar un tipo de narración, la que representa Mr Eddy, Lynch debe demostrar que la domina, que su elección no obedece a una incapacidad creativa, sino a un conocimiento profundo del medio.

Si esta lectura de “Lost Highway” resultase acertada nos encontraríamos ante un ejercicio cinematográfico que sólo puede encontrar referentes en el campo de la literatura, abriendo un camino cinematográfico que, en vista de las dificultades para exhibir “Inland Empire”, será un camino que se inicie y muera en la misma obra de Lynch.

Celebremos la victoria del hombre misterioso. Nos anuncia que el futuro es ahora… desde 1997, al menos.

Todos aquellos que necesitan explicaciones por parte del autor quedaron aliviados cuando años más tarde David Lynch afirmaba en “Atrapa al pez dorado”:

En la época que estaba escribiendo el guión de “Lost Highway” con Barry Gifford, andaba algo obsesionado con el juicio a O. J. Simpson. Aunque Barry y yo nunca hablamos en estos términos de la película, creo que está relacionada con aquel juicio.

Lo que me sorprendió de O. J. Simpson fue que fuera capaz de sonreír y reírse. Aparentemente, era capaz de jugar al golf sin que nada de lo ocurrido le planteara el menor problema. Yo me preguntaba cómo era posible que pudiera seguir con su vida después de lo que había hecho. Y descubrimos un término fantástico que se emplea en psicología: fuga psicogénica, referido al modo en que la mente se engaña a sí misma para escapar del horror. Eso es de lo que, en cierto modo, trata Lost Highway. Y también del hecho de que nada puede esconderse eternamente.

David Lynch, “Atrapa el pez dorado”, Ed. Mondadori

Fuga psicogénica puede ser un concepto anotado a posteriori, aunque tenido en cuenta desde el principio. El término psiquiátrico justifica el tránsito de Fred a Pete en la película y tranquiliza a los espectadores que buscan por todas partes coherencia narrativa.

Y aunque toda explicación busca en el fondo la coherencia que impida que nuestra mente sea absorbida por un agujero negro, no creo que la noción de “fuga psicogénica” desmienta mi descabellada teoría sobre la lucha de narradores.

Y aun así, a pesar de que parece que algunos espectadores pueden quedarse tranquilos con la teoría de la fuga psicogénica, tal vez no se den cuenta que la frase que cierra el texto añade un nuevo e inquietante horizonte: “Lost Highway” trata “(…) también del hecho de que nada puede esconderse eternamente”.

Siempre hay un narrador y, finalmente, es descubierto.

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