Oct 22

Los mejores directores de cine del mundo

1 – Paul Thomas Anderson

Aunque ha lanzado sólo cinco películas en 16 años, Paul Thomas Anderson ha pasado de ser un joven prometedor a la realeza de Hollywood con apenas un bache en el camino. A medida que el proceso de su trabajo se ha apretado – desde los ensamblajes de Boogie Nights y Magnolia a través del duólogo íntimo de Punch-Drunk Love, y hasta el solipsismo consumista de There Will Be Blood –  su dedicación a su oficio se ha intensificado. Su próxima película será El Maestro, una mirada controvertida sobre el nacimiento de un culto no muy diferente a la Iglesia de Scientology.

2 – Lynne Ramsay

Cuando se anunció por primera vez que Lynne Ramsay iba a dirigir una adaptación de We Need To Talk About Kevin, hubo enormes suspiros de alivio: “Está en buenas manos”. Y así resultó ser. Kevin era una combinación celestial de fuente material, y las preocupaciones de su director Glaswegian (niños, muerte, culpa), se aliaron con su sorprendente sentido visual hipnótico. Hizo su debut como protagonista con el Ratcatcher de 1999 (aunque un puñado de cortos premiados lo precedió), sigue siendo una amante crítica desde entonces. Su próxima toma de Moby Dick será tan poderosa como personal. Como dice Tilda Swinton, “Ella es la verdadera McCoy”.

3 – Nicolas Winding Refn

Como un zen archer paciente, este es un cineasta que no deja volar hasta que esté absolutamente listo. Refn ha hecho sólo nueve películas en 15 años, pero el producto final es tan singular como impresionante. Las películas de Refn son únicas (aunque, ciertamente, Valhalla Rising de 2009 era bastante parecida a Malick). De su brutal trilogía Pusher a la extraña y maravillosa Bronson anti-biopic, estas películas son más como instalaciones de arte, brillando con elegante violencia y momentos casi alucinatorios. Drive, del año pasado, de repente hizo recordar su nombre a un montón de gente. Sus próximos dos proyectos los protagonizará Ryan Gosling: la película de boxeo tailandesa Only God Forgives, y un remake de la carrera de Logan de ciencia ficción de los años 70 basada en carrusel.

4 – Joss Whedon

Los antecedentes de Joss Whedon como escritor / director de televisión de culto – Buffy The Vampire Slayer, Ángel, el Firefly de corta duración – aseguraron que era un seguidor leal, lo que dio sus frutos con la consecución de éxito (pero sólo a una minoría vocal) de esta última serie: En la serenidad, que marcó su debut de la dirección en 2005. Desde entonces, Whedon ha sacado el truco de convertir la popularidad del lugar en un éxito de la superproducción, con películas que apaciguan fanboys y fangirls mientras que mantiene una tracción seria en la taquilla. Este año, Whedon consiguió un uno-dos al entregar no sólo uno de los éxitos más grandes del año – Marvel’s Avengers Assemble – sino uno de sus títulos de contraprogramación mejor revisados, la comedia de horror posmoderna The Cabin In The Woods, que él mismo escribió y produjo. Aunque Avengers 2 se escribió a lápiz en el 2015, su micro-presupuesto para la adaptación B & W Mucho Nada de Nada, rodada en su propia casa en ocho días y protagonizada por Whedon favoritos, se encuentra por delante.

5 – Lars Von Trier

Con su amor juvenil por la provocación, es fácil olvidar que Lars von Trier es, ante todo, un cineasta realmente notable. Sólo en los últimos 10 años ha producido una pesadilla, un horror psicológico, una desastrosa película, una comedia de oficina danesa, un documental experimental sobre la naturaleza del esfuerzo creativo y las dos primeras partes de una trilogía sobre la culpabilidad estadounidense. Su próximo proyecto, The Nymphomaniac, se convertirá en la primera película en presentar tanto Shia LaBeouf, como escenas gráficas de sexo no simulado. Ningún otro director puede cruzar la división de arte / Hollywood con tanta audacia.

6 – Jason Reitman

El nepotismo de Hollywood es una fuerza bien documentada para el mal, infligiendo a los horrores de un mundo tan amplio como el “rapero” Chet Haze (hijo de Tom Hanks) y Jaden Smith (hijo de Will). Así que Jason Reitman, descendiente del director Ivan de los Cazafantasmas, tuvo su trabajo cuando siguió a su padre en el negocio familiar con la sátira independiente Big Tobacco Thank You For Smoking. Sin embargo, en los siete años que pasaron, obtuvo cuatro nominaciones a los Oscar y maduró exponencialmente con cada película. Sus esfuerzos culminaron en la devastadora tragedia juvenil de este año, Young Adult, que proporcionó a Charlize Theron el rol de Mavis Gary. Luego, dirigió a Kate Winslet en el Día del Trabajo.

7 – Steve McQueen

Haciendo el salto del artista de la galería al cineasta, Steve McQueen esperaba entregar ideas provocativas con imágenes para emparejar. Lo que pocos podían prever era su talento con los actores, dibujando una interpretación de la carrera de Michael Fassbender en el drama de IRA Hunger y siguiéndolo con otro en la historia de la adicción al sexo, Shame. En la carne, McQueen es directo, imponente y odia la pretensión. Sus películas, a pesar de sus cuadros bellamente compuestos, siguen una plantilla similar. Sus dos primeros trataron de la fuerza de voluntad y la falta de ella, en ese orden, y su siguiente – 12 Years A Slave – lo reúne con Fassbender junto a Benedict Cumberbatch, Paul Giamatti y Brad Pitt.

8 – Leos Carax

Alex Oscar Dupont – su nombre profesional es un anagrama de los dos primeros – llegó a la prominencia a principios de los 80 con el íntimo, estilizado romance Boy Meets Girl, y de allí fue el camino de todos los auteurs, perdiendo tiempo y dinero en Proyectos de pasión de larga gestación. Sus dos películas de la década de 1990, Les Amants Du Pont-Neuf y Pola X, fueron respectivamente un éxito y una falta, pero su nueva película Holy Motors restauró su corona como contrapartida de cine francés a la corriente principal Luc Besson. A menudo misterioso, y a veces aburrido, Carax tiene un toque de showman, y a veces sus películas tratan de problemas de mirar el ombligo – artistas bloqueados son un motivo recurrente.

9 – Edgar Wright

Los dos hombres y un perro que miraron la noche 90 Comedia ITV Asylum se alertaon de su talento desde el principio, pero para el resto de nosotros fue Spaced lo que nos presentó a Edgar Wright, así como colaboradores como Simon Pegg y Nick Escarcha. El trío trajo con éxito su humor de referencia a la gran pantalla con zom-com Shaun Of The Dead y el poli pastiche Hot Fuzz. Posteriormente, Wright fue solo con Scott Pilgrim vs The World. En 2013 prometió estar ocupado para volver a reunirse con Pegg y Frost para The World’s End, luego dirigió la película de ciencia ficción Collider, antes de comenzar a trabajar en su película más destacada hasta la fecha, Marvel’s Ant-Man.

10 – Andrea Arnold

Una ex presentadora de televisión infantil, Andrea Arnold, nacida en Kent, no sólo ha superado los obstáculos comerciales de a) ser mujer y b) hacer películas británicas de no-género. Lo ha hecho con sus propios términos, creando una marca de realismo social instantáneamente reconocible . Con su guadaña ganadora de un Oscar, Danny Dyer, con Red Road y Fish Tank, llevó la técnica improvisatoria de Loach a nuevos niveles, e incluso con su falta de encendido el año pasado, Wuthering Heights, demostró ser radical en la cara de material tradicional. Esperamos ansiosamente su próximo movimiento.

 

Sep 22

Sugerencia Rápida: Una manera sencilla de encontrar los mejores actores en audiciones

Esta mañana estaba leyendo el libro hilarante e increíblemente útil de Dan Mirvish, The Cheerful Subversive’s Guide to Independent Filmmaking, y compartió un consejo que aprendió del legendario director de casting de Hollywood, Lynn Stalmaster. Estoy parafraseando, pero la idea básica es esta:

Cuando estás realizando audiciones, presta más atención a tus actores cuando no están entre líneas. Presta atención a cómo reaccionan y se adaptan a la escena.

¿Por qué hacer esto? En pocas palabras, es una manera rápida de medir la profundidad y la amplitud de lo que un actor puede ofrecer en pantalla. Algunos de los momentos emocionales más emocionantes de las películas vienen de simples tiros de reacción, por lo que encontrar actores que puedan reaccionar de una manera convincente es un ingrediente para el éxito.

Cuando está audicionando actores, hay algunas cosas que debe buscar

  1. ¿Permanecen en el personaje cuando no están hablando?
  2. ¿Están reaccionando a los matices de la escena de una manera convincente, o simplemente esperan a que el lector termine sus líneas para que puedan volver a saltar?
  3. ¿Están sus expresiones faciales y su lenguaje corporal igualmente invertidos en el rendimiento?
  4. ¿Están adaptando su desempeño a lo que el lector está haciendo?

En última instancia, dar una lectura decente del guión no es demasiado difícil, pero ser capaz de sumergirse en un personaje y permanecer en el carácter y utilizar su cuerpo como una herramienta emotiva durante una escena es increíblemente difícil.

Los actores que pueden hacer esto son los que quieres. Así que utilice este consejo rápido como un medio para encontrarlos la próxima vez que esté audicionando.

 

Jul 04

50 películas que ver antes de morir

1. El apartamento (1960) Billy Wilder

Ganadora de cinco Oscars, tres BAFTA y tres Globos de Oro, esta sátira de Billy Wilder, protagonizada por Jack Lemmon y Shirley MacLaine, es un verdadero clásico. Esta comedia recorre toda la gama del drama, melodrama, romance y tragedia potencial en una gran crítica social. Sofisticada. Pide tu cena en https://www.mascupon.es/tiendas/cupon-descuento-just-eat/ y disfruta del momento.

2. Ciudadano Kane (1941) Orson Welles

La película más aclamada del mundo. Con esta historia de la vida de un magnate de los medios, el joven Orson Welles lanzó un desafío a Hollywood del que ninguno se recuperó por completo. Con su espíritu de innovación visual y narrativa, y precoz, se eleva el rendimiento central de Welles. Ciudadano Kane casi hace honor a su reputación como la mejor película de todos los tiempos.

3. Con la muerte en los talones (1959) Alfred Hitchcock

Alfred Hitchcock presenta una persecución de 3.000 millas a través de América, protagonizada por Cary Grant en un traje cada vez más desaliñado. Algunos han argumentado que con la muerte en los talones no es una de las grandes películas de su época, pero, en las categorías de Graham Greene de ‘entretenimiento vs trabajo serio’, es un ejemplo arquetípico de la primera, como enganche combina las jugadas a balón parado con humor negro y algunas excavaciones en políticos interesados.

 4. Chinatown (1974) Roman Polanski

Magistrales del cine noir como estrellas  Roman Polanski y Jack Nicholson cuentan como un detective privado se ve envuelto en un escándalo oscuro y peligroso, un Faye Dunaway como una mujer fatal frágil. Nicholson es un hombre decente, que básicamente trata de encontrar la verdad, pero no puede soportar las revelaciones que destapa – hasta final terriblemente infeliz de la película. En https://www.mascupon.es/tiendas/codigo-promocional-amazon/ encuentra todas tus peliculas favoritas

 5. Eva al desnudo (1950) Joseph L. Mankiewicz

Bette Davis destaca como una diva del envejecimiento en la seis veces ganadora del Oscar. La pieza burbujea con  energía, y en gran parte por la boca torcida de maldad de Davis. Todo el elenco está en plena forma (Marilyn Monroe hace una pequeña aparición fugaz), aunque entre los actores, solo Sanders ganó un Oscar. Uno de los mejores dramas entre bastidores de Hollywood.

6. Casablanca (1942) Michael Curtiz

Humphrey Bogart e Ingrid Bergman hacen la mejor pareja de la pantalla trágicamente separados por el destino y el ejército invasor alemán. Con su historia romántica, canciones inolvidables, superior elenco de apoyo, secuencia de comandos, la secuencia culminante en el aeropuerto y la línea final perfecta, Casablanca se ha convertido con razón una de las películas más populares de todos los tiempos.

7. El mago de Oz (1939) Victor Fleming, George Cukor, Mervyn LeRoy, Norman Taurog y King Vidor

Dorothy no está exactamente en Kansas. Toto, mientras canta y baila en su camino a través de una de los más mágicas tierra de hadas. Un punto de referencia exuberante de entretenimiento y Technicolor del cine infantil, El mago de Oz es inventiva, fantástica, colorida – y una historia sorprendentemente oscura y compleja sobre la economía y las miserias de la infancia.

 8. 2001: Una odisea del espacio (1968) Stanley Kubrick

Kubrick, el genio más frío de cine, abandona la narrativa convencional y presenta una sucesión de dibujos bellamente compuestos sobre el tema de la evolución, la muerte y el renacimiento, unidos por la presencia mística de un gran monolito negro. Sabemos como el año 2001 se ve ahora, y no se parece mucho a la visión de Kubrick. Pero 2001: Una odisea en el espacio en sí todavía se ve impecable. Espectacular, pionero y filosófico, es una obra maestra indiscutible.

9. Narciso Negro (1947) Michael Powell y Emeric Pressburger

Narciso negro es una película para rivalizar el mejor trabajo de Powell y Pressburger. Ya que dicho el mejor trabajo, tengo que decir también que incluye una cuestión de vida o muerte: la vida o la muerte del Coronel Blimp. Deborah Kerr interpreta a una monja de un convento del Himalaya, donde sus votos han sido probados por las atenciones lascivas del agente real de David Farrar y la hermana Ruth peligrosamente desequilibrado (Kathleen Byron).

10. Apocalypse Now (1979) Francis Ford Coppola

Su misión se convierte en un viaje , increíblemente realizado por la dirección alucinógena de Coppola y un elenco arrastrado de Narcóticos Anónimos de Hollywood.

11. Withnail y yo (1987) Bruce Robinson

¿La mejor comedia británica que jamás se ha hecho? Posiblemente. ¿Una obra maestra? Sin lugar a dudas. Dos actores en paro van de vacaciones. Richard E. Grant está en forma con decisiones como Hamlet que echa en chorro, pero más ligero de combustible está Withnail.

12. Alguien voló sobre el nido del cuco (1975) Milos Forman

Jack Nicholson destaca en este multi-ganador de Oscars, cuento antiautoritario, el último de los grandes de la contracultura películas de Hollywood. La película sigue siendo tan fresca, impactante, deprimente y estimulante como cuando fue lanzada en 1970 en el cine estadounidense. Rara vez se han visto mejores películas.

13. Alien (1979) Ridley Scott

La película que nos dio a la heroína de acción, en forma de Sigourney Weaver (Ellen Ripley), y presentó los viajes espaciales como cualquier otro trabajo. Excelentes actuaciones se suman a la dirección y estilo de Scott y, si una película se puede juzgar por la cantidad de estafas que genera, Alien debe figurar como una de las películas más influyentes de la historia. Una visita obligada de suspense, las payasadas de terror y una buena pasada de moda la ciencia ficción.

14. Pulp Fiction (1994) Quentin Tarantino

Tarantino empujado a su límite de narración para crear esta película de historias interconectadas, protagonizada por Bruce Willis, Samuel L Jackson, John Travolta y Uma Thurman. Una obra decididamente cinematográfica, repleta de homenajes a Jean-Luc Godard y el cine negro, que cuenta con un nocaut, un guión altamente citable y una banda sonora ecléctica.

15. Regreso al futuro (1985) Robert Zemeckis

Con un entretenido hilo,  trata sobre un viaje en el tiempo protagonizada por Michael J Fox como un adolescente que se dirige atrás en el tiempo, sólo para salir del cortejo de sus propios padres. Los efectos especiales datan ligeramente, pero esta es una película casi única para el 1980 de Hollywood, que es encantadoa, inteligente y realmente rara.

16. Fanny y Alexander (1982) Ingmar Bergman

Ganadora de cuatro premios Oscar, esta fantástica saga familiar de Ingmar Bergman trata sobre un año en la vida de un muchacho joven a la vuelta del siglo 19. Visualmente deslumbrante, provocaron reflexiones sin fin y, a pesar de ser más de cinco horas de duración, es totalmente absorbente.

17. Perdición (1944) Billy Wilder

El cine negro está en su punto más negro aquí, con un cóctel embriagador del director-guionista Billy Wilder, de la corrupción y el engaño. Barbara Stanwyck está casada y planea asesinar a su marido junto a Walter Neff (MacMurray) para reclamar en el seguro. Esto es sin duda de lo mejor de la obra de Wilder.

18. Sospechosos habituales (1995) Bryan Singer

Cuando un criminal lisiado (el sorprendente Kevin Spacey) sobrevive a una matanza que le ha llevado a ser interrogado, procede a contar el más notable de los cuentos de los bajos fondos. Junto a esto, la mayoría de las otras películas de crímenes son insignificante. La conclusión de la torcedura-tastic te pondrá la piel de gallina, sin importar cuántas veces la veas.

19. Trainspotting (1996) Danny Boyle

El cuento cómico y oscuro trata de un variopinto grupo de heroinómanos de Edimburgo. Era la más divertida película británica y más sombría de la década de 1990. Todos los involucrados aquí hacen una función sobresaliente, la dirección de Boyle es brillante con tramas ingeniosas y enteras de la secuencia de comandos.

20. Sed de mal (1958) Orson Welles

Otra obra maestra de Orson Welles. Trata de un hombre corpulento de Estados Unidos. Es un testamento al genio de Welles que era capaz de convertir una pieza de la literatura pulpa en un estudio de entretenimiento perturbadoa, sofisticado y, sobre todo, de la depravación. Un cameo luminoso de Marlene Dietrich cierra el trato.

21. Tres Colores: Azul (1993) Krzysztof Kieslowski

Una película extraordinaria. La primera en la aclamada trilogía Tres colores de Kieslowski es cerebral, pero convincente, se ve y suena excelente, y cuenta con una fascinante interpretación de Juliette Binoche como un joven compositor. Trata de la muerte de su marido y su hijo.

22. This is Spinal Tap (1984) Rob Reiner

Una obra maestra moderna y una de las películas más divertidas que jamás se han hecho. Tres décadas después la deformación inspirada de Rob Reiner de, super-observador, una sátira amplificada sobradamente-hiper-real no muestra signos de asfixia por el vómito de las personas ni ignición espontánea tras el charles.

23. Cadena perpetua (1994) Frank Darabont

Tim Robbins y Morgan Freeman protagonizan el memorable movimiento de fábula en el set de Frank Darabont, adaptada de un cuento corto de Stephen King. El joven banquero Robbins es acusado de un doble asesinato, pero se niega a permitir que su espíritu se rompa. Poderosa, conmovedora, invita a la reflexión y, finalmente, es irresistiblemente edificante.

24. El quinteto de la muerte (1955) Alexander Mackendrick

Un elenco estelar está encabezado por el siniestro Alec Guinness en esta comedia. Una banda de ladrones obtienen más problemas de lo que esperaban cuando alquilan habitaciones de la vieja casa de Kings Cross. Con un conjunto eficaz, esta es una de las mejores comedias Ealing.

25. Ipcress (1965) Sidney J. Furie

Michael Caine de primera, y lo mejor, excursión como espía del Len Deighton Harry Palmer. Lleno de juegos inteligentes y de escritura ingeniosa, no es de extrañar que Palmer fue capaz de prosperar frente al más emocionante 007. Una celebración de la Gran Bretaña durante la década de 1960 y una fina película de suspenso para arrancar NHS.

26. Secretos y mentiras (1996) Mike Leigh

Comedia dramática de las relaciones familiares de Mike Leigh, quien es desgarrador, amargo y agradable por turnos. Alternando entre la alta comedia, mordaz de una sola línea y patetismo lacrimógena, con un prestigioso elenco británico incluyendo a Brenda Blethyn y Timothy Spall.

27. El precio del poder (1983) Brian De Palma

Dirigida por Brian De Palma, esta nueva versión con guión de Oliver Stone de la película de gángsters de los años 30 es un clásico. Un inmigrante cubano construye un imperio sin piedad del crimen en 1980 en Florida. Brillante interpretación de Pacino, domina, sin concesiones, nuestra sensibilidad. Y la tanda final es un tour de force de la edición.

28. Los Tenenbaums (2001) Wes Anderson

Una excéntrica familia de genios, con tres niños prodigio que volvió a los adultos neuróticos, una madre excesivamente ambiciosa y Gene Hackman como un pícaro encanto de padre. Dirigida por Wes Anderson, quien co-dirigió la película con Owen Wilson, la comedia es discreta y suave, formada por una tristeza profunda y conmovedora.

29. Terminator (1984) James Cameron

Arnold Schwarzenegger se une a James Cameron para un papel de carrera que se define como un robot asesino casi indestructible. Espectacular cómo se le invita a la reflexión, esta es la película original y la mejor de la franquicia – icónica, embriagadora, oscura y emocionante. Arnie es mucho más fresco cuando el T-101 es el enemigo.

30. El ingenuo salvaje (1963) Lindsay Anderson

Se trata de la liga de rugby, cerveza, arena y muchachos difíciles, pero también es un comentario profundo de las relaciones cargadas de simbolismo y ricas en emoción. Anderson pasa a hacer el ejercicio surrealista en la revolución aula …. Si, invierte la película con una enorme carga simbólica, sorprendentemente reñida con la arena de la cocina del disipador convencional.

31. El silencio de los corderos (1990) Jonathan Demme

Una moderna obra maestra de suspenso que estableció el asesino intelectual Dr. Hannibal Lecter en el canon de monstruos cinematográficos, tanto por su inteligencia como para manifestar sus tendencias violentas y caníbales.

32. Sexy Beast (2000) Jonathan Glazer

Otro movimiento Brit-gángster, pero esto es algo realmente especial. El retiro idílico del ex penal Ray Winstone se interrumpe cuando Ben Kingsley pide demandas o mejor dicho, hace un trabajo más. Se encuentra muy por encima de los finales de los 90. Elegante y confiada y construida sobre el temible rendimiento temible de Kingsley Kingsley.

33. El rey de la comedia (1983) Martin Scorsese

Scorsese tomó un descanso de las películas de gángsters para hacer esta pieza brillantemente ejecutada sobre un stand-up (Robert De Niro) que no se detendrá ante nada para conseguir su gran oportunidad en la televisión. Un clásico moderno.

34. La vida de Brian (1979) Terry Jones

En su lanzamiento, el equipo de Python fueron acusados ​​de blasfemia como cristianos indignados. Sus acciones simplemente confirmaron el punto de la película. No es la misma religión que es atacada, pero el celo que va con ella, un objetivo que se golpea una y otra vez en lo que es el más consistente e hilarante del pitón canónico.

35. Mulholland Drive (2001) David Lynch

David Lynch sobre la corrupción de Hollywood se rodó originalmente para la televisión americana. Una estrella aspirante e ingenua llega a la ciudad sólo para envolverse en una relación lésbica apasionada y una conspiración en la sombra que rodea a una nueva película. Rara pero maravillosa.

36. La princesa Mononoke (1997) Hayao Miyazaki

Un joven príncipe guerrero se involucra en el conflicto entre los seres humanos y las bestias mágicas implacablemente progresivas en este complejo animado, épica de Studio Ghibli, principal animador Hayao Miyazaki. La princesa Mononoke a menudo se puede encontrar a horcajadas sobre la parte superior de las listas más grandes de la película de anime – que es precisamente donde pertenece.

37. El laberinto del fauno (2006) Guillermo del Toro

Ganador de un Oscar, de Guillermo del Toro, para adultos en el que la fantasía y la realidad fascista compiten por el alma de una niña y una nación. Es una celebración imperdible de la capacidad del cine para cautivar. Las actuaciones son impecables y el espectador siempre tiene la sensación de ver algo que no acaba entender, también de vital importancia.

38. El club de la lucha (1999) David Fincher

Un hombre y su nuevo mejor amigo forman un club de boxeo sin licencia y ponen en marcha una organización terrorista en un intenso drama protagonizada por Edward Norton, Brad Pitt y Helena Bonham Carter, y dirigida por David Fincher. Está fechado notablemente bien y todavía te dejará con la boca seca, acelerándote el ritmo cardíaco.

39. Dr. Insólito o: Cómo aprendí a dejar de preocuparme y amar la bomba (1964) Stanley Kubrick

Peter Sellers lleva tres papeles en esta comedia amarga negra de Stanley Kubrick sobre la aniquilación nuclear. Cada vez más cerca de una pesadilla del siglo XX, Kubrick elegido para ver el fin del mundo no como una tragedia, sino como el absurdo final. Había sido la verdadera visión de la película el mundo terminado en 1963.

40. Zombie (1978) George A. Romero

Secuela de George A. Romero: La noche de los muertos vivientes, sigue a un grupo de supervivientes que se refugian en un centro comercial abandonado ya que el mundo está invadido por zombies carnívoros. Magistrales efectos especiales con sangre y una metáfora astuta central de la película de terror todavía hacen esto la película número uno de no-muertos.

41. El club de los cinco (1985) John Hughes

1980 con el Brat Pack dándole vueltas al significado de la vida. Un disparo en una secuencia de comandos que aparentemente tomó a Hughes una semana para escribir, la película entra en su cuenta con líneas citables y adolescentes que hablan de que en realidad suena auténtica – o por lo menos hicieron en su momento.

42. Cabaret (1972) Bob Fosse

Un joven y sensible inglés sensible cae en el torbellino de la pre-guerra de Berlín, y en los brazos de la igualmente vertiginosa Sally Bowles. En esta historia cuentoa con una deslumbrante coreografía de amor, decadencia – y tropas de asaltos nazis. Liza Minnelli y Michael York sacan lo mejor de cada uno como una extraña pareja en el centro de la historia.

43. Brazil (1985) Terry Gilliam

Sin duda la obra maestra de Terry Gilliam. Combina con un humor satírico ágil para crear una de las mejores películas de los años 80. Terry llega a la pantalla gracias a una furiosa batalla con Universal, que amenazaba con enterrar la película con una campaña anti-comercialización. Pero el triunfo de la película viene ya que es historia de un trabajador de oficina de la calle que se atreve a desafiar el sistema más conmovedor.

44. Aguirre, la cólera de Dios (1972) Werner Herzog

La colaboración entre el loco escritor-director-productor Werner Herzog y su encendido y apagado protagonista Klaus Kinski, que interpreta a un conquistador español en una caza despiadada, es inmejroable. Utilizan el trabajo de cámara por turnos de manera impresionante, Herzog evoca una historia mágica de locura humana jugando en contra de la inmensidad de la naturaleza.

45. Una noche en la ópera (1935) Sam Wood y Edmund Goulding

El pináculo de los hermanos Marx, todo cae sobre-carrera de la comedia. Una mezcla de gran presupuesto de farsa y números musicales extravagantes, se ve a Groucho, Harpo y Chico infiltrarse en la alta sociedad aparentando a promotores de ópera. Muy imitado – en ocasiones por los mismos Hermanos – se trata de un trozo pulido de la comedia musical maníaca que ni una sola vez toma su pie del freno.

46. Donnie Darko (2001) Richard Kelly

Un punzante cuento que desafía la imaginación del amor adolescente y la locura. La pieza prima de Richard Kelly era una de las películas más originales para salir de los EE.UU., en los que merece Noughties puntos extra para llevar a Jake Gyllenhall a las pantallas internacionales.

47. Up (2009) Bob Peterson y Pete Docter

El liderazgo creativo del equipo de Pixar restaura la claridad, la sencillez, y el valor de la narración, el establecimiento de un estándar de oro de enormes proporciones para las películas familiares. Y todo esto a pesar de que ofrece un protagonista de ese grupo demográfico a menudo pasado por alto, los octogenarios.

48. Criaturas Celestiales (1994) Peter Jackson

Una historia intensa sobre un asesinato con tintes lésbicos, basado en el caso real que conmocionó en los 50 a Nueva Zelanda. Se introdujo también una joven desconocida con el nombre de Kate Winslet al mundo del cine.

49. Pink Flamingos (1972) John Waters

Película de avance para su autor John Waters. Las drogas, la corpulencia todo está aquí. Las personas parecen reacias a hacer grandes reclamaciones por Waters, pero le ayudó a abrir el camino. Su obra define un espíritu independiente y estético.

50. Raising Arizona (1987) Joel y Ethan Coen

Nicolas Cage y Holly Hunter secuestran bebés en esta aguda comedia, según la invención de los errores de los hermanos Coen. Exhibe una jaula de abatimiento, y hay un maravilloso elenco de apoyo de clientes habituales. Coen incluyen a John Goodman y Frances McDormand.

Ene 09

Las mejores clasificaciones de escuelas de cine

1. Instituto de Cine Americano

Entre las escuelas cinematográficas más selectivas de los Estados Unidos, el Centro de Estudios Avanzados de Cine y Televisión de Los Ángeles ofrece un programa de conservatorio de dos años en el que los estudiantes se especializan en los campos de dirección, producción y escritura, llegando a menudo al instituto después de trabajar en la industria o habiendo asistido a otras escuelas. Sus “compañeros” suelen ser más maduros (la media de edad es de 27 años) y se benefician de oradores y profesores de los más altos niveles de la industria, apoyados por el peso completo de la misma AFI. Comparándolo con rivales entre ciudades UCLA y USC, tiene un tamaño un poco pequeño y poco énfasis en la especialización, pero el brillante desfile de ex alumnos de AFI desde David Lynch a Darren Aronofsky sigue siendo inigualable cuando se trata de autores Cineastas. Se garantiza a los estudiantes la libertad de hacer una película de tesis y se les da acceso a los miembros de SAG para sus lanzamientos y $ 13,500 en financiamiento. Si sabes a dónde vas, AFI puede llegar allí.

CUOTA: $ 38,416 el primer año; $ 37.112 el segundo año (más $ 8.033 por tesis)

PROGRAMAS: MFA, certificado de finalización

ALUMNOS DESTACADOS: Terrence Malick (el árbol de la vida), David Lynch (terciopelo azul), Darren Aronofsky (cisne negro)

“Me encanta AFI y no estaría en ninguna parte sin él.” David Lynch

2. Universidad del Sur de California

La escuela de cine más rica del mundo (el alumno George Lucas contribuyó con 175 millones de dólares, y el alumno Robert Zemeckis también ha contribuido), USC, probablemente tiene más graduados trabajando en la industria que cualquier otra escuela y, además, es la que tiene mayor apoyo con más de 10.000 alumnos que donan millones para instalaciones de vanguardia, y el notable apoyo de Steven Spielberg, un estudiante no graduado. Su Peter Stark Producing Program, bajo la producción de Larry Turman, sigue siendo la sede principal para aspirantes a productores y ejecutivos. Los miembros de la institución se dividieron cuando se les pidió que escogieran entre AFI y USC para el puesto Nº 1, con AFI ganando en gran parte sobre la base de su cuerpo estudiantil de e
lección. Pero USC toma las riendas cuando se trata de entrenamiento técnico. Dean Elizabeth M. Daley: “Una de las cosas más difíciles de entender es la cultura del cine, no vas a sacar eso de un libro, ven aquí y lo entenderás”. Lo bueno: es una gran fábrica de sueños. La malo: Es una gran fábrica de sueños.

 

CUOTA: $ 42,000 (más alojamiento y pensión)

PROGRAMAS: Estudios críticos, B.A., M.A., MFA y Ph.D. Programas en todo, desde cine y televisión hasta animación y artes digitales

ALUMNOS DESTACADOS: “La USC se ejecuta de muchas maneras como estudio. Los desafíos que nos dieron tenían que ver con las realidades de la industria y el financiamiento, y creo que éstas eran lecciones importantes para aprender”. – Lee Unkrich, director de Toy Story 3

3. Academia de Cine de Beijing

Si hay una escuela de cine que ha dado forma a una nación entera, esa es la Academia de Cine de Beijing, la escuela de élite de China para estudiar dirección de películas, producción y escritura. Cada año, acepta a unos 500 solicitantes – sobre todo de China – de entre 100.000. La escuela es una fuente de nuevos talentos para la producción cinematográfica y televisiva y está estrechamente vinculada con el cercano Beijing Film Studio. También es el lugar donde se formaron directores como Zhang Yimou y Chen Kaige -los que crearon la más distinta nueva ola de cine desde Estados Unidos a principios de los 70. (A los 27 años, Zhang tuvo que obtener un permiso especial para asistir después de la Revolución Cultural porque había superado la edad límite).

CUOTA: Los honorarios del programa varían de $ 1,240 a $ 1,550 para estudiantes locales; Los estudiantes internacionales pagan de $ 6,665 a $ 7,905 por año para programas de cine. Las becas parciales y completas están disponibles según la necesidad y el mérito y se otorgan de forma individual.

PROGRAMAS: B.A., M.A. y Ph.D. Programas para todo, desde el rendimiento y la dirección, a la cinematografía y la animación. Todos los programas de grado se realizan en chino, aunque los estudiantes internacionales pueden tomar algunos cursos en Inglés o estudiar chino en la Academia de Cine.

ALUMNOS DESTACADOS: Zhang Yimou (Casa de las Dagas Voladoras), Chen Kaige (Adiós a Mi Concubina), Tian Zhuangzhuang (La Cometa Azul)

4. Escuela de Artes Tisch de la Universidad de Nueva York

Estudiar cine en Nueva York es sumergirse en el vientre de una bestia muy diferente a la de Hollywood, pero para artistas arrolladores como Martin Scorsese, Oliver Stone y el creador de Breaking Bad, Vince Gilligan, la NYU ha demostrado ser una ruta directa hacia la cima. ¿Dónde más puedes sentarte en una clase de 12 y escuchar al alumbre James Franco enseñarte cómo convertir un poema en una película? Los graduados también compiten por un premio de $ 200,000 para completar un largometraje de debut – un regalo que ninguna otra escuela ofrece. Además de su campus de Nueva York, Tisch da Artes en Asia, ubicada en Singapur. Ofrece grados de MFA en animación y artes digitales, escritura dramática y producción de películas. Los programas de verano incluyen talleres profesionales y cursos de certificación sin acreditación.

CUOTA: $ 45,674

FORMACIÓN: B.A., BFA, MFA, MPS, M.A. y Ph.D. Grados en el archivo de imágenes en movimiento y la preservación, así como estudios de rendimiento o estudios de cine

 

ALUMNOS DESTACADOS: Todd Phillips (La Resaca), Joel Coen (No hay país para viejos), Charlie Kaufman (Ser John Malkovich)

“La aceptación de Tisch significó una cosa para mí: esperanza, cumplió todos mis sueños e hizo que el concepto de convertirme en un cineasta fuera una posibilidad tangible. Profesores como Tom Drysdale y Haig Manoogian me inspiraron, infundiéndome una pasión para toda la vida por la historia del cine. Llevo conmigo su filosofía artística en cada película: Nunca te comprometas, nunca dejes de hacer preguntas y nunca dejes de ser un estudiante de cine “. – Chris Columbus, escritor-director, Harry Potter y la Cámara de los Secretos

5. Universidad de Los Ángeles de California

La Escuela de Teatro, Cine y Televisión de UCLA ha sufrido durante mucho tiempo en comparación con su rival más rico y más conectado a la industria USC, pero su espíritu es diferente, con un campus multicultural que se encuentra entre los mejores de California. Se ha beneficiado de graduados tan prestigiosos como Francis Ford Coppola y Alexander Payne; de maestros como el productor Peter Guber; y de su relación con el respetado Archivo de Cine y Televisión de UCLA, cuya colección es “la segunda sólo a la Biblioteca del Congreso”, según Dean Teri Schwartz. Después de servir du
rante años en Loyola Marymount, el ex productor (y el único socio productor de Goldie Hawn) se unió a la universidad en 2009, reemplazando al veterano Robert Rosen. Ahora los nuevos estudiantes están esperando para ver cómo camboarán las cosas bajo su liderazgo. Hace hincapié en “la narración humanística y la diversidad global” – muy diferente del énfasis comercial de muchas otras escuelas de cine.

CUOTA: B.A .: $ 12,842 (residente de California), $ 35,720 (no residente); MFA: $ 22,208 (residente de California), $ 34,453 (no residente); M.A. o Ph.D .: $ 13,549 (residente de California), $ 28,651 (no residente)

PROGRAMAS: B.A., M.A., MFA y Ph.D.

ALUMNOS DESTACADOS: Francis Ford Coppola (El Padrino), Tim Robbins (Hombre muerto caminando), Alexander Payne (Sideways)

“La clave es tener un punto de vista – que es mucho el enfoque de la UCLA.Usted podría decir que los cineastas de UCLA tratan de llevar una actitud indie incluso a las imágenes de estudio. Siempre tratamos de encontrar algún tipo de subjetividad”. – Justin Lin, director, Fast Five

6. Instituto de las Artes de California

CalArts está mucho más allá de lo que el fundador Walt Disney podría imaginar. “Es una paradoja, una escuela de arte experimental”, dice la Escuela CalArts. “Normalmente se tienen clases de música, teatro, conservatorios de danza y escuelas de arte, pero no bajo el mismo techo”. La escuela es famosa por la formación de talentos de animación, pero sobretodo, de animación basada en personajes y experiencias. Se puede estudiar dramática narrativa, documental, experimental de acción en vivo, multimedia e instalación. Genios de CalArts destacados como John Lasseter y Tim Burton pueden hacer mucho más que dibujar, pueden aprovechar los talentos artísticos que los rodean. Anker dice: “CalArts es este gran laboratorio para las artes creativas”. “Grande” tiene razón: Las aulas ocupan 11 acres ‘de metros cuadrados a 30 millas al norte de Los Ángeles.

CUOTA: $ 37,684

PROGRAMAS: BFA, MFA en cine, video y animación experimental; MFA en dirección cinematográfica; BFA en animación de personajes

ALUMNOS DESTACADOS: Tim Burton (Alicia en el País de las Maravillas), Andrew Stanton (Buscando a Nemo), John Lasseter (director creativo, Pixar)

“Tengo tantos recuerdos de CalArts: Sentado en la oscuridad, encorvado sobre la vieja cámara de Oxberry, rodando mi película, el gigantesco culo de papel maché en la galería principal, jugando a Lazer Tag en los pasillos vacíos en medio de la noche… Pero lo que más recuerdo son todos los grandes amigos que hice, muchos de los cuales con los que trabajo hoy. – Don Hall, co-director, Winnie the Pooh.

7. Escuela de Cine y Televisión de la Academia de Artes Escénicas de Praga

Situada en la “ciudad de las 1.000 torres y 29 McDonald’s”, como afirman los expatriados. FAMU es la quinta escuela de cine más antigua del mundo y una de las más prestigiosas. Fue creada en 1946, cuando Praga estaba detrás de la Cortina de Hierro. Ayudó a desarrollar a cineastas icónicos como Milos Forman, Ivan Passer, Agnieszka Holland, Emir Kusturica y Jiri Menzel y sirvió de centro para estudiantes rebeldes durante la Revolución de Terciopelo de Checoslovaquia. Con clases en checo e inglés, su reputación sigue siendo lo suficientemente fuerte como para atraer a muchos extranjeros a sus nueve departamentos (que van desde la fotografía fija a los documentales de escritura de guiones). La escuela recibe algo de ayuda gracias a las alianzas con Tisch School of the Arts de la NYU, American University y Yale, todos los cuales ofrecen programas de estudio en el extranjero.

CUOTA: $ 45,674

FORMACIÓN: MFA en cine y medios digitales

ALUMNOS DESTACADOS: Milos Forman (Amadeus), Emir Kusturica (Gato Negro, Gato Blanco), Agnieszka Holland (La Matanza)

 

“Creo profundamente que en cualquier escuela de cine, puedes aprender igual o más de los compañeros como de los profesores.” Pero en FAMU a finales de 1960 y principios de los 70, cuando estaba estudiando, algunos de mis profesores fueron grandiosos. Mi instructor principal Karel Kachyna fue, de hecho, uno de los directores más hábiles de su generación. Jan Matejovsky en el departamento de dirección de televisión nos enseñó a ser diplomático con los actores, la tripulación y los productores. Todavía sigo su útil consejo “. – Agnieszka Holanda

8. Escuela de Artes de la Universidad de Columbia

Cuando James Schamus es uno de tus profesores, las cosas no pueden salir mal. Schamus, el jefe de Focus Features (que recientemente terminó un doctorado en Carl Theodor Dreyer), es sólo una de las plumas en la tapa de la universidad de la Ivy League. Otro, es el ganador del Oscar Milos Forman, director de la escuela durante mucho tiempo. El personal incluye a Barbara De Fina (Goodfellas) y Mira Nair (Monsoon Wedding). Nombres como éstos le dan a Columbia las credenciales intelectuales que empequeñecen a sus compañeros y han ayudado a atraer a ex alumnos como Kathryn Bigelow, Lisa Cholodenko, James Mangold y Kimberly Peirce, no necesariamente los cineastas más comerciales de Hollywood, pero siempre entre sus más originales. ¿Seguirá así bajo su nueva silla, el fundador de Fine Line Features y el ejecutivo indio Ira Deutchman? Deutchman insiste en la historia y la colaboración – dos ideales de Hollywood – pero subraya la importancia del artista. “Hay que mantener un ojo en el negocio, pero en primer lugar se trata de crear artistas”, dice.

CUOTA: MFA primer y segundo año: $ 50.873 por año; M.A .: $ 44,264

PROGRAMAS: MFA en película; M.A. en estudios cinematográficos

ALUMNOS DESTACADOS: Kathryn Bigelow, Lisa Cholodenko (Los chicos están bien), Nicole Holofcener (Caminar y hablar)

 

“Mis años en el programa de cine me enseñaron el arte de escribir guiones, así como el negocio de hacer películas. En muchos sentidos, Columbia fue la combinación perfecta de artes: conservatorio y escuela de comercio, un lugar donde podía leer a Aristóteles y Eisenstein, la teoría narrativa y analizar los presupuestos y la taquilla como una ciencia. Las lecciones aprendidas en Columbia – cómo analizar y sintetizar las perspectivas, cómo tratar tu trabajo como una situación en constante evolución – me sirven todos los días. – Simon Kinberg, guionista, X-Men: The Last Stand

9. Universidad de Wesleyan

Todo el mundo sabe algo sobre la infiltración de Hollywood en lugares como USC y UCLA. Pero podrían sorprenderse al saber que el programa de Estudios de Cine de Wesleyan está ganando a
esos dos una carrera por su dinero, y con un grupo muy unido de ex alumnos que incluye a Michael Bay, Akiva Goldsman, Joss Whedon, Larry Mark y Rick Nicita. Ellos y muchos otros se sintieron atraídos por la universidad de Middletown, Connecticut, no sólo por el sentimiento acogedor o su tradición en las artes liberales, sino en gran parte por la reputación de la fundadora del departamento de cine: Jeanine Basinger, quien te hace aprender de cada una de sus 80 películas. Sus alumnos aprenden a escribir, dirigir y editar una película a mano (sí, también en formato digital), así como a estudiar otros temas para enriquecer sus películas. Por supuesto, si quieren saber sobre películas, pueden recurrir al archivo de Wesleyan, que incluye los papeles de Frank Capra, Martin Scorsese, Federico Fellini y Clint Eastwood. “Si estás estudiando en el Waterfront, puedes ver el cuaderno de Elia Kazan”, dice Basinger. “Es una experiencia increíble.”

CUOTA: $ 55,736 (incluye habitación y comida)

FORMACIÓN: B.A. En estudios cinematográficos

 

ALUMNOS DESTACADOS: Miguel Ántila (La Buena Chica), Michael Bay (Transformers), Zak Penn (X-Men: El último soporte)

10. La Escuela Nacional de Cine y Televisión

Durante décadas, la Escuela Nacional de Cine no era sólo el mejor lugar para estudiar cine en los Estados Unidos – era prácticamente el único. Eso ahora ya ha cambiado. Ahora cuenta con un nuevo edificio; un puñado de nuevos programas; un director innovador (el productor independiente Nik Powell), profesores como Stephen Frears, y el acceso a la próspera industria cinematográfica y de televisión de Gran Bretaña a través de acuerdos de desarrollo con Channel 4, la BBC y Aardman. Eso ha proporcionado facilidades para los graduados como el director de fotografía Roger Deakins y directores Lynne Ramsey, Nick Broomfield y David Yates.

CUOTA: $ 14,300 para residentes; $ 32,000 para estudiantes extranjeros

FORMACIÓN: M.A. en cine y TV

ALUMNOS DESTACADOS: David Yates (Harry Potter y las Reliquias de la Muerte, partes 1 y 2), Nick Park (Wallace y Gromit), Beeban Kidron (Bridget Jones: El borde de la razón)

“Yo no estaría haciendo películas en Hollywood sin ella, la NFTS era absolutamente vital”. – Michael Caton-Jones, director, Escándalo

11. La Femis

Fundada en 1986 por el ministro de Cultura Jack Lang, La Femis es la escuela de cine más prestigiosa de Francia. Tan prestigioso, de hecho, que sólo el tres por ciento de los estudiantes que hacen el examen de ingreso son aceptados por la academia estatal, cuyos graduados suelen ganar premios en festivales de cine en todo el mundo.

CUOTA: $ 517 para los ciudadanos franceses; $ 15,334 para extranjeros

PROGRAMAS: Li
cenciatura en guión, dirección, producción, diseño de sonido, edición y distribución de películas

ALUMNOS DESTACADOS: Francois Ozon (Piscina), Noemie Lvovsky (Sentimientos), Celine Sciamma (Tomboy)

 

 

 

12. Escuela de Artes de la Universidad de Carolina del Norte

No vengas a Carolina a menos que te tomes en serio el cine. Académicamente rigurosa, la UNC School of the Arts es una inmersión en el cine en colaboración con los estudios de drama, música, danza, diseño y producción, y una orquesta de 65 piezas. En el tercer año, estás a la sombra de los gustos del director David Gordon Green. “Nuestros graduados han hecho películas que reciben cientos de millones de dólares.

CUOTA: $ 4,716 para residentes; $ 17.665 para no residentes

FORMACIÓN: BFA en animación, dirección artística, cinematografía, dirección, edición y sonido, producción y guión. MFA en composición de música de cine.

ALUMNOS DESTACADOS: David Gordon Green (Piña Express), Danny McBride (Eastbound & Down), Jody Hill (Observar y reportar)

“Me siento como si la escuela de cine de UNCSA me proporcionara una educación cinematográfica excepcionalmente práctica. Definitivamente aprendí con la teoría. Vi muchas películas, pero más que nada, hice películas. Siempre lanzaba mis propias ideas o recibiendo críticas. Siempre estaba en un set o en una suite de edición. Siempre me he encontrado con que la industria es, en muchos aspectos, una versión más grande del mundo que conocí de la escuela “. – Travis Beacham, guionista, Clash of the Titans.

Dic 14

Cómo escribir un gran guión

 

Todo el mundo lo dice. La única manera segura de entrar en la industria es escribir un gran guión. “Todo lo que tienes que hacer es escribir un gran guión”, dicen. “Ohhhh”, usted responde: “¿Eso es todo? “¿Eso es todo lo que tenía que hacer todo este tiempo? ¿Fue escribir un gran guión? Bueno, ¿por qué no lo dijiste? ¡Y aquí estaba trabajando en mi vigésimo guión realmente malo! “Las reacciones amargas aparte, es verdad! Escribe un gran guión y estás dentro.

Lo que no se ha aclarado es lo que significa “gran”. ¿Por qué no explico exactamente lo que es un “gran guión” para que no haya más confusión? Ahora, cuando decimos: “Sólo escribe un gran guión”, la gente realmente tendrá algo en que referenciarse. Cuanto más lo pensaba, más me di cuenta de que si escribir un gran guión podría explicarse en un blog de 2500 palabras, seríamos millonarios.

Sin embargo, eso no significa que no pueda ofrecer una lista de 13 cosas que veo constantemente en grandes guiones. Puede que no sea una guía paso a paso, pero al menos es algo.

Esperaba proporcionar una lista completa de consejos para ayudarle a escribir un gran guión, pero probablemente haya olvidado un par de cosas. Así que esto es lo que voy a hacer: En la sección de comentarios, quiero que incluyas lo que piensas que tiene un gran guión. Juntos, crearemos la lista perfecta cuando se trata de escribir un gran guión. ¿No es maravilloso? Equipo Scriptshadow!

Así que aquí están, sin ningún orden particular …

1) Un concepto original y excitante

Esta es la elección más importante que hará en la escritura de su guión, ya que determinará si la gente realmente lo lee o no. Solía ​​oír a los agentes decir: “El 90% de los guiones fallan antes de que yo los haya abierto”. Y es cierto. Si no tienes un concepto convincente, nada más importa. Esto elude un poco el “gran” argumento porque nadie dice que no se puede escribir un “gran” guión acerca de un niño que va a casa para cuidar de su madre enferma. Pero la realidad es que nadie se emocionará al leer ese guión. Incluso el tipo de personas que desearían leer ese guión probablemente no lo harán porque saben que es una trampa financiera. Tomará 5 años de su vida y, al final, la interpretarán en 10 teatros y ganarán 14.286 dólares. Obviamente, una idea “emocionante” es objetiva. Pero es bastante fácil averiguar si tienes algo especial. Exponga su idea a sus 10 mejores amigos. Independientemente de lo que le digan, lea sus reacciones. ¿Sus ojos y voces le dicen que están en él? Si obtienes 10 sonrisas educadas acompañadas de un “Sí, me gusta”, es hora de pasar a la siguiente idea.

2) Un personaje principal que busca un objetivo

Algunas personas lo llaman un “protagonista activo”. Yo lo llamo un personaje que quiere algo. Ripley y los infantes de marina quieren entrar y acabar con los alienígenas en “Aliens”. Liam Neeson quiere encontrar a su hija en “Taken”. La chica de “Paranormal Activity” quiere averiguar lo que está atormentando su casa. Cuanto más duro quiere el personaje alcanzar su objetivo, más convincente será. Seré el primero en admitir que los personajes pasivos a veces funcionan. Neo es algo pasivo en The Matrix. Y, por supuesto, Dustin Hoffman es el personaje pasivo más famoso de todos los tiempos en The Graduate. Pero estos personajes son difíciles de escribir y requieren un conjunto de habilidades que lleva años dominar. Al final, son demasiado peligrosos para interpretarlos.

3) Un personaje principal que queremos raizar

Este es uno de los temas más discutidos en la escritura de guiones porque un personaje que “tenga raíz” se define generalmente como “simpático”, y hay un montón de guionistas por ahí que prefieren hornear sus cráneos en un horno de pizza antes de hacer a su protagonista “agradable.” Conseguí buenas noticias. Su héroe no tiene que ser “agradable” para que su guión funcione. Pero tiene que darnos un personaje que queramos arraigar, alguien que estemos ansiosos de ver tener éxito. Puede ser simpático, como el personaje de Steve Carrel en “40 Year Old Virgin”. Puede ser desafiante, como Paul Newman en “Cool Hand Luke.” Pero tiene que tener algo de calidad en él que nos haga quererlo. Si su personaje es un imbécil, lo más probable es que no nos guste.

4) ¡Consiga su historia yá!

Oh hombre. Oh hombre oh hombre oh hombre. En lo que respecta a los errores de guión amateur, esto es fácilmente uno de los Top 3. Incluso después de explicar, en detalle, cuál es el error, los escritores continúan haciéndolo. Así que voy a tratar de dejar esto claro. ¿Estás listo? “Su historia se está moviendo mucho más lento que usted, el escritor, creo que es.” En otras palabras, ¿esa secuencia de diez páginas que contiene 3 escenas separadas, cada una señalando en su propia manera que su héroe es irresponsable? Bueno, nos dimos cuenta después de la primera escena. No necesita perder 7 páginas más contándonoslo de nuevo … y otra vez. Recuerde, los lectores usan las primeras 30 páginas para medir la capacidad de un escritor. Y la cosa principal que están juzgando es cómo rápidamente y eficientemente fijas tu historia. En The Hangover, creo que se despiertan de su noche loca en algún lugar alrededor de la página 20.

5) Estancia de menos de 110 páginas

Este es un primo cercano al número 2 y un enorme punto de discordia entre los escritores. Pero vamos a ir más allá de mi argumento habitual, que es que un guión de 120 páginas va a inspirar la rabia de un lector cansado, y discutir los efectos reales de un guión de 110 páginas en su historia. Mantener su secuencia de comandos bajo 110 páginas le obliga a cortar toda la mierda. Esa escena divertida que te gusta que no tiene nada que ver con la historia no la necesitas. La quinta escena de persecución al final del segundo acto, no la necesitas. Esas 2 escenas adicionales que acabas de mencionar y que nos dicen exactamente la misma información que ya conocemos de tu personaje principal, no las necesitas. Sé que esto puede ser difícil de creer. Pero no todo lo que escribes es brillante, o incluso necesario para esa materia. Cortar tu guión hasta 110 páginas te obliga a tomar decisiones difíciles sobre lo que realmente importa. Al hacer esos recortes, se elimina toda la grasa, y su guión se lee “mejor”. Para cada guión que vendas o películas que hagas, se te permiten 5 páginas adicionales para escribir, ya sabes qué hacer con esas páginas. Hasta entonces, manténgalo bajo 110. Y puntos de bonificación si lo mantienes bajo 100.

6) Conflicto

¿Todo el mundo en su guión se llevan bien? ¿Es el mundo exterior amable con tus personajes? ¿Sus personajes saltan a través de su historia con alguna preocupación? No, entonces tu guión no tiene conflicto. Podría escribir un libro entero sobre el conflicto, pero aquí hay una de las maneras más fáciles de crearlo. Tener un personaje que quiere algo y otro que quiere algo más. Ponlos en una habitación juntos y, voila, tienes conflicto. Si tus personajes pasan a ser buenos amigos, o amantes, o casados, o encaprichados unos con otros, está bien, pero entonces es mejor que haya algún conflicto exterior pesando sobre ellos (¿Romeo y Julieta?). Déjeme darle el mejor ejemplo de la diferencia entre cómo el conflicto y ningún conflicto afecta a una película. ¿Recuerdas la matriz? ¿Cómo Trinity quería a Neo pero no podía tenerlo todavía? ¿Recuerdas la tensión entre los dos? ¿Cómo queríamos que estuvieran juntos? ¿Cómo podríamos realmente sentir su deseo detrás de cada conversación? El conflicto allí era que los dos no podían estar juntos. Ahora mira Matrix Reloaded y The Matrix Revolutions. Trinity y Neo están juntos. Siempre están felices. ¡Y siempre son ¡ABURRIDOS COMO EL INFIERNO! El conflicto se ha ido y por lo tanto, también nuestro interés. Si su historia no está llena de conflicto, no tiene una historia.

7) Obtáculos

Su guión deberá tener un montón de obstáculos que su personaje principal encuentre en la búsqueda de su objetivo. Un gran problema que veo en un montón de malos guiones es que el camino del personaje principal es demasiado fácil. Cuantos más obstáculos arrojes a tu héroe, más interesante es un guión, porque es por eso que vamos al cine en primer lugar, para ver cómo heroicamente nuestro héroe supera los problemas que presenta. No puede ser heroico si no se topa con nada que pruebe su heroísmo. Ve a ver cualquiera de las películas de Bourne para ver cómo los obstáculos se tiran constantemente a un personaje. ¡Cada obstáculo crea conflicto!

8) Sorpresa

Un gran guión sorprende continuamente, incluso si la historia parece familiar, las acciones de los personajes y las vueltas y vueltas son consistentemente diferentes de lo que esperábamos. Los guiones más aburridos que leo son aquellos en los que tengo un presentimiento de lo que va a pasar en las próximas 5 o 6 escenas. Recuerde, los lectores han leído todooooo. Así que realmente tienes que ser proactivo y pensar fuera de ellos para mantenerlos en sus dedos del pie. Matrix es un gran ejemplo de un guión que te sorprende continuamente. La primera vez que vi esa película (o leí ese guión) rara vez tenía idea de dónde iba la historia.

9) Una bomba de relojeria

El marcar las bombas de tiempo puede conseguir mal efecto porque tienen una calidad artificial. ¿Qué hay de bueno en ellos? Añaden * inmediatez * a su historia. Si un personaje no tiene que lograr sus metas en este momento, si puede lograrlas la próxima semana o el próximo año, entonces el objetivo no es realmente tan importante, ¿verdad?. Queremos ver a un personaje que tenga que lograr su meta ahora, sinó lo pierde todo. A veces las bombas de relojería son claras como el día (The Hangover: Necesitan encontrar a Doug al mediodía del sábado para conseguir que vuelva a tiempo para su boda), a veces son más matizados (Star Wars Luke necesita obtener los detalles de esa estación de batalla A la Alianza Rebelde antes de que encuentren y destruyan el planeta), pero están ahí. Si no tienes una bombade relojería en tu guión, es mejor que tengas una buena razón.

10) Apuestas

Si su personaje logra su objetivo final, necesitará una gran recompensa. Si su personaje no logra su objetivo final, debe tener enormes consecuencias. El mejor uso de las apuestas suele ser cuando la situación de un personaje es todo o nada. Rocky nunca va a tener otra oportunidad de luchar contra el campeón de peso pesado del mundo. Eso es todo. Esas apuestas son muy altas. Si Wikus no consigue que Christopher llegue a la nave nodriza en el Distrito 9, se convertirá en un puto alienígena. Esas apuestas son muy altas. Si todo lo que un personaje pierde al no lograr su objetivo es un par de días fuera de su vida, eso no es muy emocionante, ¿verdad? Y eso es porque las apuestas son demasiado bajas.

11) Sentimiento

Necesitamos conectarnos emocionalmente con sus personajes en algún nivel para que podamos seguirlos durante 110 minutos (NO 120). La mejor manera de hacer esto es introducir un viaje que pruebe ese defecto, y luego hacer que se transforme en una persona mejor a lo largo de ese viaje. Cuando los personajes aprenden a ser mejores personas, se conectan con la audiencia porque les hace creer que también pueden cambiar sus defectos y convertirse en mejores personas. En Knocked Up, Seth Rogan es un imbécil de grado A, la persona más irresponsable del planeta. Así que el viaje lo obliga a enfrentarse de cabeza, y aprender a ser responsable (por lo que puede ser un padre). Siempre quieres un poco de sentimiento en tu guión, ya sea un drama, una comedia o incluso horror.

12) Una gran terminación

Recuerde, su final es lo que marca al lector. Es la última imagen que recuerdan cuando cierran el guión. Así que es mejor dejar una impresión duradera. Esta es la razón por las que especificaciones como The Sixth Sense se venden por 2 millones de dólares. Si vuelves a ese guión, en realidad hay bastantes zonas lentas. Pero no los recuerdas porque el final se balancea. Y no estoy diciendo que tenga que agregar un giro a cada escritura que escriba. Pero asegúrate de que el final nos satisface de alguna manera, porque si nos dejas con un final genérico plano, no vamos a enviar mensajes de texto a nuestros amigos diciendo: “¡Mierda! ¡Tienes que leer este guión ahora mismo! ”

13) El factor X

Este último consejo es el más asustadizo de todos porque es el que tiene el menor control. Se llama Factor X. Es la ventaja inexplicable que tienen los grandes guiones. Tal vez sea talento. Tal vez las variables de su historia se reunieron de manera correcta. Tal vez aproveche el inconsciente colectivo. Un gran guión por desgracia tiene algo inexplicable en él, y, por desgracia, algo de eso se reduce a la suerte. Podrías clavar cada única característica que he enumerado arriba y todavía tener un guión al que le falte algo. El único consejo que puedo darte para balancear el temido factor X en tu favor es escribir algo que te apasiona. Incluso si estás escribiendo Armageddon 2, crear un personaje que está pasando por las mismas pruebas y tribulaciones que están en la vida. A continuación, podrá conectar con el personaje y, a su vez, infundir tu guión con pasión. Puede que el mejor ejemplo de la influencia del factor X en un guión sea American Beauty. Mucha gente no entendía por qué les gustaba American Beauty. Simplemente les gustaba. Los Brigands of Rattleborge es otro ejemplo. Se filtra en ti por razones desconocidas. A veces paso horas pensando en el Factor X. Cómo cuantificarlo. Es el Santo Grial de la escritura de guiones. Descubrirlo y mantener la llave para escribir grandes guiones para el resto de tu vida es todo un misterio.

Older posts «